Samba de Janeiro (Samba do Brasil, en portugais brésilien) est une chanson de samba-eurodance du groupe allemand Bellini ^,, enregistrée chez Virgin Records, 1^er single et tube de l'été extrait de leur premier album studio éponyme Samba de Janeiro de 1997^,.

Histoire

Cette chanson latin house-eurodance est reprise, adaptée, remixée, et produite par Gottfried Engels et Ramon Zenker, à partir du titre de musique brésilienne samba-jazz Tombo In 7/4 de l'album Fingers (en) de 1973, du percussionniste et musicien de jazz brésilien Airto Moreira^, et d'un sample de sa chanson Celebration Suite de son album I'm Fine, How Are You? (en) de 1977^,, ainsi que du titre Belo Horizonti de The Heartists de 1996^,. Le groupe Bellini reprend le nom du footballeur brésilien Hilderaldo Luís Bellini (capitaine de l'équipe du Brésil de football, double vainqueur des coupe du monde de football 1958 et 1962).

Classement

Le single est un tube de l'été européen de 1997, vendu à plus de 5 millions d'exemplaires dans le monde, et classé dans 9 pays dans le top 10, dont en Allemagne, Autriche, Hongrie, France, Suisse, Belgique (Flandre et Wallonie), Pays-Bas, Finlande, Norvège, Danemark, et Royaume-Uni...

Reprises

Le groupe Carrilio a repris cette chanson en 1997.

Clip vidéo

Le clip vidéo est tourné en avril 1997 dans le Karolinenpassage de Hambourg en Allemagne, dans une ambiance brésilienne festive reconstituée de chorégraphie de danseurs de carnaval de Rio.

Jeu vidéo

La chanson est reprise entre autres dans les jeux Samba de Amigo (1999), Ronaldo V-Football (2000), Sega Superstars Tennis (2008), Sonic and Sega All-Stars Racing (2010, sur les circuits de l'univers Samba de Amigo, excepté dans l'opus Nintendo DS), et Just Dance (2021)...

Formats et liste des pistes

CD-Maxi

1. Samba de Janeiro (Radio Edit) - 2:50
2. Samba de Janeiro (Club Mix) - 5:38
3. Samba de Janeiro (Vanity Back Yard Remix) - 5:18
4. Samba de Janeiro (Peter Parker Remix) - 5:52

Remix 1 - CD-Maxi

1. Samba de Janeiro (John Acquaviva Remix) - 7:59
2. Samba de Janeiro (Merlyn Remix) - 6:00
3. Samba de Janeiro (Vanity Frontroom Remix) - 5:50
4. Samba de Janeiro (Nightbreed Remix) - 5:25

Remix 2 - CD-Maxi

1. Samba de Janeiro (Da Bomb Mix) - 5:16
2. Samba de Janeiro (Mega Lo Mania Remix) - 8:01
3. Samba de Janeiro (Canadian Summer Edit) - 3:37

Classement par pays

Au cinéma, musique de film

• 2000 : The Yards, de James Gray.
• 2006 : Camping, de Fabien Onteniente.

Notes et références

Voir aussi

• Tube de l'été
• Musique brésilienne

Liens externes

• [vidéo] « Bellini - Samba De Janeiro », sur YouTube

Céline Dion, née le 30 mars 1968 à Charlemagne (Québec), est une chanteuse canadienne.

Dernière d'une famille de quatorze enfants, elle connaît un succès presque immédiat dans sa province d'origine, le Québec, dès 1981 avec la chanson Ce n'était qu'un rêve. Une série d'albums francophones, dans les années 1980, consolide sa popularité, alors que le titre D'amour ou d'amitié (1983) lui vaut une première exposition en France. Elle étend sa renommée en gagnant le Concours Eurovision de la chanson en 1988 durant lequel elle représente la Suisse avec la chanson Ne partez pas sans moi.

Elle apprend ensuite l'anglais, change de style vestimentaire et signe un contrat chez Epic Records aux États-Unis. Son album anglophone, Unison, sort en 1990 et l'établit comme une artiste pop importante sur les marchés nord-américains et anglo-saxons.

Dans les années 1990, elle atteint une célébrité planétaire, produisant notamment deux albums qui figurent parmi les plus vendus de l'histoire de l'industrie musicale, Falling into You (1996) et Let's Talk About Love (1997), écoulés chacun à plus de 30 millions d'exemplaires à travers le monde. Elle enregistre plusieurs grands succès internationaux qui culminent avec My Heart Will Go On, chanson titre du film Titanic de James Cameron en 1997. Elle continue parallèlement à produire des albums en français destinés aux marchés francophones et marqués par une fructueuse collaboration avec Jean-Jacques Goldman, qui conduit notamment à l'album D'eux (1995), album francophone le plus vendu en France et dans le monde, et S'il suffisait d'aimer (1998).

Dans les années 2000, elle acquiert une solide réputation de femme de scène, notamment avec le spectacle A New Day? présenté à Las Vegas de 2003 à 2007, qui constitue le spectacle en résidence le plus rentable de l'histoire, ou encore avec le Taking Chances World Tour de 2008 à 2009 qui devient l'une des tournées les plus rentables de tous les temps.

Dans les années 2010, elle reprend sa résidence à Las Vegas entre 2011 et 2019 et se produit au cours de plusieurs tournées régionales dans le monde. En 2016, le décès de son mari et agent, René Angélil, qui a largement contribué à presque chaque étape de son succès, représente un tournant dans sa carrière.

La musique de Céline Dion s'inspire de diverses influences, du R&B au gospel en passant par le classique et la pop. Enregistrant principalement en français et en anglais, mais aussi occasionnellement en espagnol, italien, allemand, latin, japonais et mandarin, elle est largement considérée et reconnue comme une des voix les plus influentes de la musique pop. Elle a reçu cinq Grammy Awards, y compris ceux de l'album de l'année et de la chanson de l'année, et deux Oscars de la meilleure chanson originale ont été décernés à des chansons qu'elle a interprétées. En 2003, la Fédération internationale de l'industrie phonographique l'honore pour la vente de plus de 50 millions d'albums en Europe. Lors des World Music Awards de 2007, elle reçoit le Legend Award en reconnaissance de son « succès mondial et pour sa contribution exceptionnelle à l'industrie de la musique ». D'une manière similaire, elle reçoit le Billboard Icon Award lors des Billboard Music Awards en 2016 afin de récompenser l'ensemble de sa carrière.

Artiste canadienne ayant obtenu le plus grand succès de l'histoire, elle est l'une des artistes ayant vendu le plus de disques, avec plus de 200 millions d'exemplaires écoulés à travers le monde^,,.

Biographie

Origines

La famille de Céline Dion est québécoise depuis plusieurs générations. Elle a des origines françaises^,. Plus précisément, elle est de lointaine ascendance normande et bretonne par ses deux parents ; ces origines remontent, des deux côtés, au XVII^e siècle^,,,.

Enfance et premiers succès (1968-1986)

Céline Marie Claudette Dion naît le 30 mars 1968 à l'hôpital Pierre-Le Gardeur de Repentigny (Québec)^,,, près de Charlemagne, où réside alors sa famille. Ses parents, Thérèse Tanguay (1927-2020) et Adhémar Dion (1923-2003), un couple de Canadiens français, ont eu quatorze enfants (Céline étant la dernière). Sa mère choisit son prénom en entendant la chanson Céline d'Hugues Aufray, ses autres prénoms (Marie et Claudette) lui venant de sa sœur et marraine, Claudette Dion, ainsi que de la tradition catholique québécoise qui veut que chaque fille porte le prénom Marie. Son enfance est bercée par la musique, chacun des membres de sa famille jouant d'un instrument. Elle reçoit sa première clarinette à l'âge de quatre ans mais c'est pour le chant qu'elle semble avoir plus de facilité.^{[réf. nécessaire]} Le 18 août 1973, à l'âge de cinq ans, elle chante pour la première fois devant un public pour le mariage de son frère Michel, où elle interprète Du fil, des aiguilles et du coton, de Christine Charbonneau. Plus tard, elle se donne en spectacle avec ses frères et sœurs en chantant dans le restaurant de ses parents, Le Vieux Baril. À l'école, elle est souvent absente et cumule les mauvaises notes.

En 1980, alors âgée de douze ans, elle collabore avec sa mère et son frère, Jacques, pour composer, écrire et enregistrer sa première chanson, Ce n'était qu'un rêve. Un autre de ses frères, Michel, envoie l'enregistrement à l'impresario René Angélil (dont il a découvert le nom sur le dos d'une pochette d'album de Ginette Reno). Ce dernier, qui vient d'être remercié par Ginette Reno, se retrouve sans travail et pense aller étudier le droit.

En février 1981, après insistance de la part de la famille Dion, il écoute l'enregistrement envoyé quelques semaines auparavant. Impressionné par la voix de la jeune fille, il décide de la convoquer. Pour s'assurer de ses capacités, il lui demande de chanter Ce n'était qu'un rêve, dans le bureau où se déroule l'entretien. Convaincu et croyant à son potentiel vocal, il décide alors d'hypothéquer sa maison, afin de financer les premiers albums de la chanteuse. Le 19 juin 1981, elle fait sa première apparition à la télévision au Québec, chez Michel Jasmin. À l'automne, les deux premiers albums de Céline Dion sortent simultanément : le premier, La Voix du Bon Dieu, comporte quatre titres écrits par le parolier français Eddy Marnay (qui deviendra son parolier principal dans les années 1980) ; le deuxième, Céline Dion chante Noël, est un recueil de chants de Noël.

En 1982, le single Ce n'était qu'un rêve (sorti au Québec l'année précédente) est commercialisé en France. Céline Dion apparaît pour la première fois à la télévision française dans l'émission pour la jeunesse Croque-vacances le 20 août 1982 sur TF1^,. Elle y interprète la chanson L'amour viendra, quelques mois avant son passage chez Michel Drucker dans l'émission Champs Élysées. Son troisième album, Tellement j'ai d'amour?, sort en septembre au Québec. En octobre, elle gagne la médaille d'or du Best Song Award au Festival mondial de la chanson de Tokyo, où elle représente la France^,. Le même mois, Céline âgée de 15 ans abandonne l'école (qu'elle a toujours détestée) pour se consacrer à sa carrière.

Le 29 janvier 1983, elle chante en France au Midem et participe à l'émission de variétés Champs Élysées diffusée en direct en première partie de soirée sur Antenne 2 et présentée par Michel Drucker où elle interprète D'amour ou d'amitié. Elle devient la première Canadienne à obtenir un disque d'or en France. Tandis qu'un quatrième album, Les Chemins de ma maison, paraît au Québec, elle sort son premier album en France, Du soleil au cœur (une compilation de titres issus de ses albums québécois). En fin d'année, Céline Dion lance un second album de Noël, Chants et contes de Noël.

En 1984, elle est choisie pour représenter la jeunesse de son pays pour la venue du pape Jean-Paul II au Stade olympique de Montréal le 11 septembre, où elle chante Une colombe devant 65 000 personnes. À la suite de cet évènement, cette chanson devient alors un succès au Québec. Céline Dion sort 3 albums cette année-là : Mélanie (un album studio), Les Plus Grands Succès de Céline Dion (une compilation) et Les Oiseaux du bonheur (son second album à sortir en France, là encore une compilation de titres parus sur ses précédents albums), dont est extrait le single Mon rêve de toujours. En août, elle participe à la célébration du 450^e anniversaire de la découverte du Canada par Jacques Cartier, en chantant devant plusieurs dizaines de milliers de spectateurs. Fin 1984, elle assure la première partie de Patrick Sébastien en France durant deux mois, en province puis à l'Olympia de Paris.

En 1985, elle participe à la chanson caritative québécoise Les Yeux de la faim, pour venir en aide aux enfants de l'Éthiopie. Elle sort un huitième album au Québec, C'est pour toi, et y effectue sa première vraie tournée (de laquelle sortira son premier album live Céline Dion en concert, contenant plusieurs reprises de chansons en anglais). La même année, elle participe à la bande originale Opération beurre de pinotte, dont sont issus les singles Dans la main d'un magicien et Listen to the Magic Man (son 1^er titre enregistré en anglais, et également son premier vidéoclip).

En 1986, elle sort en France un single inédit, Billy, avant de faire une pause : en prévision d'une carrière internationale, elle travaille son image (notamment en faisant refaire sa dentition et en changeant de look) et suit des cours d'anglais intensifs chez Berlitz. Après avoir vu une performance télévisée de Michael Jackson, elle souhaite pouvoir intégrer la même maison de disques que lui, et René Angélil entame alors des démarches auprès de CBS Records. Pendant ce temps, un best-of sort (Les Chansons en or), contenant l'inédit Fais ce que tu voudras.

Début de carrière internationale (1987-1993)

En 1987, elle signe au sein de CBS (qui deviendra Sony Music) et publie l'album Incognito. En plus d'un look totalement renouvelé, Céline Dion modernise son style musical en passant à un son plus commercial, ce qui permet à quatre singles de finir en tête des palmarès québécois. En France, deux inédits sortent, mais ne rencontrent pas le succès (Je ne veux pas et La Religieuse, signé Didier Barbelivien). Fin 1987, à la suite du succès d'Incognito au Québec, elle est invitée aux Juno (cérémonie se déroulant au Canada anglais et diffusée dans tout le pays). Afin de pousser sa carrière internationale, René Angélil lui fait interpréter une version anglophone de Partout je te vois (présente sur l'album Incognito), Have a Heart. Sa prestation est très appréciée par le public et la critique.

Céline Dion fait partie des neuf artistes candidats de la sélection suisse pour le Concours Eurovision de la chanson 1988 avec la chanson Ne partez pas sans moi, écrite par Nella Martinetti, sur une musique d'Atilla Şereftuğ. Les chansons ont été choisies par divers jurys et experts. Le 6 février, au terme de l'émission se déroulant au théâtre de Beausobre à Morges et présentée par Serge Moisson, elle remporte grâce aux votes des téléspectateurs, la sélection pour être la représentante de la Suisse au Concours Eurovision de la chanson, alors que sa tournée Incognito au Québec a juste démarré en janvier 1988. Le 30 avril 1988, elle représente donc la Suisse au 33^e Concours Eurovision de la chanson se déroulant au Simmonscourt Pavilion à Dublin en Irlande. Elle passe en 9^e position sur les 21 pays participants avec la chanson Ne partez pas sans moi sous la direction d'Attila Sereftug, qui est également le compositeur de la chanson. Après le vote final des pays, elle remporte le concours, devançant seulement d'un point le représentant du Royaume-Uni Scott Fitzgerald, deuxième du classement avec la chanson Go^,. Elle donne la deuxième victoire à la Suisse au Concours Eurovision 32 ans après Lys Assia. Elle reçoit, avec les auteurs-compositeurs de la chanson, le trophée des mains de Johnny Logan (vainqueur de l'Eurovision 1987 et 1980). Céline Dion se fait ainsi mieux connaître en Europe et publie une cinquième compilation The Best of Celine Dion. En parallèle, elle continue la tournée Incognito au Québec jusqu'en décembre 1988.

Le 6 mai 1989, elle est invitée au 34^e Concours Eurovision de la chanson se tenant au palais de Beaulieu de Lausanne en Suisse. Elle se produit en ouverture du spectacle. Elle chante tout d'abord une partie de Ne partez pas sans moi, la chanson gagnante de l'année précédente. Les présentateurs de la soirée Jacques Deschenaux et Lolita Morena la rejoignent quelques instants puis elle interprète en exclusivité mondiale un titre entièrement en anglais : Where Does My Heart Beat Now. À la fin du concours, elle remet le trophée au groupe yougoslave Riva, vainqueur avec la chanson Rock Me.

Bien que la chanson Ne partez pas sans moi n'ait eu qu'un succès commercial modéré, le concours Eurovision est un tremplin pour Céline Dion sur la scène internationale. En 1989, elle s'engage dans une carrière internationale. Alors qu'initialement, seules des versions anglaises de Incognito étaient prévues, sa maison de disques lui propose d'enregistrer trois duos (dont Can't Live With You, Can't Live Without You avec Billy Newton-Davis), avant que David Foster n'accepte de la produire, permettant ainsi de présenter des titres inédits^,.

Son premier album anglophone, Unison, sort finalement en 1990, largement influencé par le style soft rock des années 1980. Les critiques sont plutôt bonnes, qualifiant l'album de « début américain raffiné, sophistiqué », interprété « avec goût, sans fioritures ». Si les singles (If there was) Any other way, Unison et The last to know ne rencontrent qu'un succès d'estime, le titre Where Does My Heart Beat Now décolle aux États-Unis et atteint la 4^e place du Billboard Hot 100 en mars 1991.

Alors qu'elle entame sa carrière aux États-Unis, une polémique voit le jour au Québec à propos de son engagement dans une carrière anglophone^,. Au gala des Prix Félix 1990, elle refuse le trophée « artiste anglophone de l'année », s'affirmant en tant qu'artiste québécoise et francophone, et propose de renommer la catégorie^,. En octobre 1990, tout juste après avoir entamé la tournée Unison Tour au Québec, elle perd sa voix et on lui diagnostique des nodules. Elle consulte le docteur William Gould (ORL de Luciano Pavarotti, Frank Sinatra et John Kennedy), qui la met devant un ultimatum : se faire opérer ou garder un silence absolu durant trois semaines. Une opération des cordes vocales risquant de rendre sa voix plus rauque et grave, la chanteuse préfère garder le silence. Elle suit ensuite une formation vocale de cinq ans avec le docteur William Riley.

En 1991, aux côtés de personnalités telles que Little Richard, Will Smith, Wayne Gretzky, Kevin Costner, Michelle Pfeiffer et sous la direction de David Foster et Peter Cetera, Céline Dion enregistre une chanson et un clip pour l'opération Voices that care, qui soutient les soldats américains engagés dans la Guerre du Golfe. René Angélil espère ainsi la faire mieux connaître, surtout au Canada anglais où elle a alors peu de notoriété. La guerre ayant été de courte durée, le clip et la chanson sont peu diffusés. Elle enregistre ensuite Dreams to dream, la chanson-thème du dessin animé de Steven Spielberg, Fievel au Far West, composée par James Horner. La chanson est d'abord proposée à Linda Ronstadt (l'interprète de la chanson du premier volet), qui décline alors l'offre avant de revenir sur sa décision et d'être engagée à la place de Céline Dion. Le film et sa chanson sont finalement des échecs commerciaux.

Toujours en 1991, elle poursuit la tournée Unison et chante alors pour la première fois dans des amphithéâtres au Canada anglais. Menant toujours de front une carrière en français et en anglais, elle sort l'album Dion chante Plamondon en novembre (rebaptisé pour la France Des mots qui sonnent), où elle reprend notamment des titres de la comédie musicale Starmania. Pour cet album, Luc Plamondon lui écrit également quatre inédits (Des mots qui sonnent, Je danse dans ma tête, Quelqu'un que j'aime, quelqu'un qui m'aime et L'amour existe encore).^{[réf. nécessaire]}

En 1992, sort son deuxième album anglophone, Celine Dion, combinant un style soft rock à des éléments soul et classiques. Cet album contient Beauty and the Beast (chanson-thème de La Belle et la Bête de Walt Disney), un duo avec Peabo Bryson qui atteint la 9^e place du Billboard Hot 100 et remporte l'Oscar de la meilleure chanson originale la veille de la sortie du disque de la chanteuse. Céline Dion chante alors pour la première fois lors de la cérémonie des Oscars, à Los Angeles. La chanson réalise une importante percée internationale, atteignant en autres la 9^e position au Royaume-Uni. Figurent également sur cet album les singles Nothing Broken but My Heart (29^e du Billboard Hot 100), Water from the Moon, If You Asked Me To (4^e du Billboard Hot 100) et Love Can Move Mountains (36^e du Billboard Hot 100), ainsi que With this tear composée par Prince. Le 13 juillet, à Los Angeles, elle entame sa première tournée aux États-Unis, en première partie de Michael Bolton pour vingt-cinq dates.

En 1993, elle chante à la cérémonie d'investiture du nouveau président des États-Unis, Bill Clinton, puis poursuit une tournée au Canada. Au cours de l'automne 1993 et dix ans après D'amour ou d'amitié, elle obtient un nouveau succès en France, avec Un garçon pas comme les autres (Ziggy). Le titre se classe n^o 2 des singles les mieux vendus et reste 36 semaines au total dans ce classement. Le 9 novembre, sort son troisième album anglophone, The Colour of My Love, incluant notamment les singles The Power of Love et Think Twice. Il est écrit sur la pochette de The Colour of My Love selon le désir de la chanteuse « René, you're the colour of my love. L.V. ». Lors de la soirée de lancement de l'album, Céline Dion rend publique à la télévision sa relation amoureuse avec René Angélil lors d'une émission de Sonia Benezra ; leur mariage pour lequel la star porte une robe de mariée iconique^,, a lieu le 17 décembre 1994 à la basilique Notre-Dame de Montréal.

Consécration et notoriété mondiale (1994-1999)

Entre 1990 et fin 1993, Céline Dion réussit à se faire une place de choix sur le marché anglophone nord-américain, mais ailleurs sa popularité reste inégale. Ce n'est qu'à partir de 1994, et surtout de 1995, qu'elle devient mondialement connue, grâce à des singles au succès différent selon les pays. Dès lors, ses activités artistiques et médiatiques s'intensifient jusqu'en 2000.

Le 12 février 1994, The Power of Love, reprise de la chanson de Jennifer Rush, devient son premier single classé en tête du Billboard Hot 100, où il restera 4 semaines. Ce single fut également son premier n^o 1 au Canada et en Australie et n^o 4 au Royaume-Uni. Le 22 février, elle est invitée par Michael Jackson pour The Jackson Family Honors sur NBC^,. Elle donne alors des concerts aux États-Unis et au Canada, puis en Europe et au Japon. En fin d'année, juste après la sortie de l'album À l'Olympia, la cérémonie de son mariage est diffusée à la télévision québécoise. 1994 marque également sa 1^re participation au spectacle des Enfoirés au Grand Rex, où elle interprète notamment Là-bas, avec Jean-Jacques Goldman.

En janvier 1995, elle est invitée à l'émission anglaise Top of the Pops pour interpréter Think Twice. Totalement méconnus en Amérique du Nord et dans les pays latins, ce single et l'album The Colour of My Love (lancé plus d'un an auparavant) deviennent n^o 1 des charts britanniques pendant 5 semaines consécutives, ce qui n'était pas arrivé depuis 1965^,,,. Think Twice devient également n^o 1 dans plusieurs pays d'Europe du Nord et n^o 2 en Australie. Au Japon, c'est la chanson To love you more (thème de la mini-série Koibito Yo), qui prend la tête du classement^,.

Toujours en 1995, la sortie de l'album D'eux rend la chanteuse incontournable en Europe francophone. Écrit par Jean-Jacques Goldman, il devient l'album francophone le plus vendu de l'histoire (notamment sous le titre The French Album). En France, l'album reste 44 semaines n^o 1. Le single Pour que tu m'aimes encore atteint la 1^re place du Top 50, tout comme le suivant, Je sais pas. Pour cet album, Goldman fait adopter à Céline Dion une façon plus sobre de chanter, en faisant moins de mélismes et de fioritures, et en modernisant sa diction. La chanteuse dira que Goldman l'a fait « déchanter ». Les critiques sont positives, soulignant des textes « plutôt bons » et « de très bonnes chansons », estimant que « l'artiste s'impose enfin au détriment de l'athlète » en « contrôlant sa tendance maladive aux puissants accès de voix », mais reprochant toutefois à l'album « d'aller dans toutes les directions ».

En 1996, elle participe à nouveau au spectacle des Enfoirés, chantant avec Maurane (Quand on n'a que l'amour). L'album Falling into You sort en mars, et devient l'un des albums les plus vendus de l'histoire, n^o 1 dans de nombreux pays^,. 4^e album anglophone de Céline Dion, il démontre une progression dans sa musique, mêlant divers styles musicaux, de nombreux éléments (des sons d'orchestre complexes, des chants africains) et des instruments comme le violon, la guitare espagnole, le trombone, le saxophone et le cavaquinho, créant un son nouveau. La chanson-titre et River deep, Mountain high (une reprise de Tina Turner) font appel à une utilisation importante d'instruments à percussion, It's all coming back to me now (une reprise de Jim Steinman) et All by Myself (une reprise d'Eric Carmen) conservent leur atmosphère soft rock originale, mais sont combinés avec le son classique du piano. Avec Because you loved me (thème du film Personnel et confidentiel), ils deviennent des succès mondiaux. La critique est mitigée, jugeant l'album « stéréotypé, et manquant d'émotion^, » ou « impérieux, passionné, élégant, et remarquablement bien conçu^, ». Malgré tout, Falling into You reste le plus grand succès commercial de Céline Dion. Il remportera 2 Grammy Awards en tant que Meilleur album pop et Album de l'année.

Le statut de Céline Dion sur la scène internationale est renforcé lorsqu'elle chante à la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques d'Atlanta de 1996, avec la chanson The Power of the Dream, dans un stade de 83 000 spectateurs et devant 3,5 milliards de téléspectateurs. En mars 1996, une nouvelle tournée mondiale démarre, Falling into You Tour, qui durera jusqu'en juin 1997. Toujours en 1996, sort l'album Live à Paris, enregistré en France pendant sa tournée européenne de 1995. Dans un même temps, elle interprète en espagnol Mejor Decir Adios (It's Hard to Say Goodbye), sur l'opus Amigos de Paul Anka.

En 1997, elle interprète deux chansons pendant la cérémonie des Oscars. Peu après, la chanson My Heart Will Go On est choisie pour le film Titanic. Écrite par James Horner et Will Jennings, cette chanson reste le plus grand succès de Céline Dion, et fait partie de l'album Let's Talk About Love, sorti en novembre. Dans cet album, elle collabore avec des artistes renommés, notamment les Bee Gees (Immortality), Barbra Streisand (Tell him) et Luciano Pavarotti (I hate you then I love you). L'album connaît le même succès que Falling Into You, se vendant à plus de 31 millions d'exemplaires et atteignant rapidement la tête des palmarès dans le monde entier^,,.

En 1998, après avoir interprété My Heart Will Go On aux Oscars, elle repart en tournée mondiale pour le Let's Talk About Love Tour. La même année, elle apparaît aux côtés d'Aretha Franklin, Mariah Carey, Gloria Estefan, Shania Twain ainsi que Carole King, lors du concert caritatif Divas Live 1998. Elle reçoit également deux des plus hautes distinctions de son pays : officière de l'Ordre du Canada (pour « Contribution exceptionnelle à la musique contemporaine ») et officière de l'Ordre national du Québec. Dans un même temps, elle interprète It's Hard To Say Goodbye, sur l'opus Body of Work de Paul Anka. Il sera également gravé sur Duets, album concept de Paul Anka. La collaboration Dion/Goldman donne naissance à un nouvel album, S'il suffisait d'aimer, porté par les extraits Zora sourit, S'il suffisait d'aimer, On ne change pas et En attendant ses pas. L'album est un très grand succès, devenant un des albums francophones les plus vendus, après D'eux. Fin 1998, elle sort un album de Noël anglophone, These Are Special Times, dont est extrait I'm your angel, en duo avec R. Kelly, qui restera 6 semaines n^o 1 au Billboard Hot 100. L'album devient l'un des albums de Noël les plus vendus^,.

En 1999, elle chante pour la troisième année consécutive lors de la cérémonie des Oscars. La tournée mondiale Let's Talk About Love Tour se poursuit par l'Asie, les États-Unis, puis les stades d'Europe, dont le Stade de France deux soirs consécutifs. L'album live Au cœur du Stade est enregistré lors de ces concerts. En fin d'année, sort la compilation All The Way... A Decade of Song, qui contient ses meilleurs titres anglophones et 7 inédits, dont That's The Way It Is, ainsi qu'un duo virtuel avec Frank Sinatra. C'est encore un grand succès mondial, avec plus de 17 millions de copies vendues.

Grossesse et absence de la scène (1999-2001)

En 1999, Céline Dion annonce son intention de faire une pause dans sa carrière après l'an 2000. Cette décision, d'abord motivée par le désir d'avoir un enfant, sera confirmée après le diagnostic du cancer de son mari (dont il mourra le 14 janvier 2016). Ils se marient une 2^e fois au Cæsars Palace de Las Vegas le 5 janvier 2000, et annoncent quelques mois plus tard qu'elle est enceinte. Le 25 janvier 2001, elle donne naissance à René-Charles dans un hôpital de Palm Beach en Floride.

Pendant cette absence sort une nouvelle compilation en 2000, The Collector's Series, Volume One. En 2001, C. Dion participe au 1^er album de Garou (devenu le protégé de René Angélil), avec le duo Sous le vent (n^o 1 en France et disque de diamant). Elle rend également hommage aux victimes des attentats du 11 septembre en chantant God Bless America lors d'un téléthon à la télévision américaine et en participant au projet de Michael Jackson sur le single What more can I give ? (Sony refusera de sortir le single, qui ne sera disponible qu'en téléchargement).

Retour à la chanson et spectacles à Las Vegas (2002-2007)

En 2002, Céline Dion revient sur le devant de la scène avec un nouvel album en anglais, A New Day Has Come, incluant I'm Alive, la B.O. du film Stuart Little 2. L'album apparait comme très personnel, plus mature (notamment avec la chanson-titre et Goodbye's the saddest word), et témoigne de son nouveau statut de mère^,. N^o 1 dans 22 pays et 5^e meilleure vente de l'année (12 millions d'exemplaires), l'album est accueilli de façon sévère par la critique (« une collection longue de tartines pop mielleuses et gluantes »), qualifié tour à tour d'« oubliable », avec des paroles « sans vie », « banal » et « médiocre »^,.

En 2003, sort l'album One Heart, le même jour que le lancement du spectacle A new day? à Las Vegas. I Drove All Night, une reprise de Cyndi Lauper en sera le 1^er extrait. Cet album, qui diffère des précédents en incorporant majoritairement des sonorités dance, est jugé comme « banal » et « prévisible » par les critiques les plus indulgentes^,. Les ventes restent correctes, mais largement moins importantes que les records des années 1990. En octobre, sort également un album francophone, Une fille et quatre types, réalisé avec Jean-Jacques Goldman, Gildas Arzel, Erick Benzi et Jacques Veneruso. Tout l'or des hommes sera le 1^er single, suivi de Et je t'aime encore.

A New Day? est la concrétisation d'un contrat de 3 ans entre le Cæsars Palace à Las Vegas et Céline Dion. Afin d'accueillir le spectacle, 95 millions de dollars sont investis dans la construction d'un amphithéâtre baptisé le Colosseum^,. Le spectacle, mêlant chant, théâtre et danse sur un fond virtuel, est dirigé par le créateur belge Franco Dragone et débute le 25 mars 2003^,. Le succès est tel qu'elle signera pour deux années de plus, jusqu'au 15 décembre 2007. La salle de 4 296 sièges est pleine tous les soirs. Finalement, 723 représentations à guichets fermés auront été données, et seuls 18 concerts annulés^,. Le spectacle engendrera plus de 400 millions de dollars de recettes.

Le 6 janvier 2004, Céline Dion reçoit son étoile sur le Hollywood Walk of Fame à Los Angeles. Lors de la cérémonie des World Music Awards, elle reçoit le Chopard Diamond Award et est alors présentée par l'acteur Michael Douglas comme « l'artiste féminine ayant vendu le plus de disques de tous les temps^,,, ». Le 14 juin parait l'album de son spectacle A New Day: Live in Las Vegas. Le 12 octobre, sort un album-concept liant photos et chants de berceuses, Miracle, en collaboration avec la photographe d'enfants Anne Geddes. Une fois encore, les critiques sont mitigées : « sans surprises », « interprétation excessivement sentimentale », ne voyant dans le thème de la maternité « que de l'opportunisme »? Toutefois, Billboard qualifiera le single Beautiful Boy de « joyau inattendu », et Céline Dion d'artiste « hors du temps, extrêmement polyvalente ».

En 2005, paraît une compilation francophone, On ne change pas, incluant plusieurs inédits dont le single Je ne vous oublie pas et le duo avec le groupe Il Divo, I believe in you. Cette même année, elle est promue chevalière de la Légion d'honneur (mais elle ne recevra sa décoration que le 22 mai 2008). À l'occasion de la Fête de la musique, Céline Dion apporte son soutien à la candidature de Paris aux Jeux olympiques d'été de 2012 en enregistrant la chanson À Paris, le succès de Francis Lemarque. En 2006, elle compose et chante en duo avec Marc Dupré Tout près du bonheur^,,, participe à la musique d'Astérix et les Vikings avec le titre Tous les secrets, interprète If I Ruled The World sur l'opus Duets : An American Classic du crooner Tony Bennett et donne un concert de charité avec Elton John.

En 2007, après avoir chanté aux Oscars en hommage à Ennio Morricone, elle sort 2 albums, l'un francophone et l'autre anglophone. D'elles, dont tous les textes sont signés par des femmes. Ce double album est de nouveau supervisé par Jean-Jacques Goldman, bien qu'il ne participe ni à la composition ni à l'écriture. Les singles Et s'il n'en restait qu'une (n^o 1 en France), Immensité et À cause en seront les extraits. Bien accueilli au Canada, il ne connaîtra qu'un succès d'estime en France, où il se vend à un peu moins de 300 000 exemplaires.

Taking Chances, son album anglophone, sort en novembre 2007. Bien que l'album ne fonctionne pas en France (130 000 exemplaires vendus), il s'écoule à plus de 3,5 millions d'exemplaires dans le monde. Le 1^er single est Taking Chances (une reprise de Platinum Weird), suivi par Alone et Eyes on me. Au Japon, la chanson A world to believe in sort également en single, en duo avec la chanteuse Yuna It?. Le 15 décembre, elle donne la 723^e et dernière représentation de son spectacle A new day? à Las Vegas, dont un DVD vient d'être commercialisé. Au Canada, il devient le 1^er DVD à obtenir une certification triple disque de diamant. Dans un même temps, elle interprète le titre When I Fall in Love sur l'opus Duets : Friends & Legends d'Anne Murray. Elle devient également la nouvelle tête d'affiche de Resorts World Las Vegas.

Tournée mondiale et nouvelle pause (2008-2010)

En 2008, elle participe une 3^e fois au spectacle des Enfoirés. En février, elle entame une tournée mondiale de 132 dates à travers 25 pays, le Taking Chances World Tour. La tournée génèrera 279,2 millions de dollars de recettes, devenant ainsi l'une des tournées les plus rentables de l'histoire^,.

En août 2008, à l'occasion du 400^e anniversaire de Québec, elle donne un spectacle, Céline sur les plaines, devant 250 000 personnes, juste après avoir reçu le titre de Docteure d'université honoris causa de l'Université Laval à Québec^,. En fin d'année, elle sort une compilation de ses plus grands succès anglophones, My Love: Essential Collection, incluant des inédits comme There comes a time et la version live de My love (qui sortira en single). Après un duo avec Charles Aznavour sur l'album de duos de celui-ci, elle accède le 30 décembre au rang de compagnon de l'Ordre du Canada, le grade le plus élevé de la principale distinction civile canadienne.

En février 2009, elle termine sa tournée et se retire pour plusieurs mois. Elle sort momentanément de sa retraite, en participant au projet We Are the World 25 for Haiti, et en chantant en hommage à Michael Jackson aux Grammy Awards. Le film Celine : through the eyes of the world sort pour une durée limitée dans quelques salles aux États-Unis, au Canada, au Royaume-Uni et en Australie. Sortent ensuite le DVD du film, ainsi que l'album/DVD live Taking chances world Tour : the concert. En mai 2010, un sondage la désigne Chanteuse préférée des Américains^{[réf. nécessaire]}. Elle compose pour Marc Dupré le titre Entre deux mondes et l'accompagne en duo sur Y'a pas de mots. Ces deux chansons sont gravées en octobre sur le troisième album studio du chanteur, Entre deux mondes. Après une fausse couche en novembre 2009^,, la chanteuse annonce être enceinte de jumeaux : Nelson (en souvenir de sa rencontre avec Nelson Mandela) et Eddy (en hommage à Eddy Marnay) naîtront le 23 octobre 2010 au centre médical St Mary's de West Palm Beach, Floride.

En 2010, elle apparait en duo sur l'album de Michel Sardou Être une femme 2010, pour le titre Voler.

Retour à Las Vegas, Celine et nouveaux albums studio (2011-2014)

En 2011, Céline Dion remonte sur scène lors de la 83^e cérémonie des Oscars pour interpréter la chanson Smile de Charlie Chaplin, en hommage aux célébrités du cinéma disparues en 2010 et 2011. Elle effectue son retour sur scène au Colosseum du Cæsars Palace à Las Vegas le 15 mars 2011, avec un nouveau spectacle, Celine, pour lequel elle sera à l'affiche pour au moins trois années, à raison d'environ 70 spectacles par an. En 2011, ce spectacle aurait généré 40,1 millions de dollars pour 57 représentations ayant accueilli plus de 250 000 personnes.

L'album en français Sans attendre paraît le 5 novembre 2012, avec notamment les collaborations de Luc Plamondon, Maxime Le Forestier et Jean-Pierre Ferland, ainsi que des duos avec Henri Salvador et Johnny Hallyday. Porté par le single Parler à mon père, écrit par Jacques Veneruso, l'album est souvent jugé comme « inégal » et « banal » par la critique. Cependant, il rencontre un franc succès dès sa sortie, s'écoulant en une semaine à 92 000 exemplaires au Canada et à 95 000 exemplaires en France, où il reçoit un disque de diamant. Il devient ainsi le plus grand succès francophone de la chanteuse depuis S'il suffisait d'aimer en 1998. Il est l'album français le plus vendu en 2012.

En février 2013, elle interprète My Heart Will Go On ainsi que Molihua avec Song Zuying au Gala de Nouvel An de CCTV. L’interprète québécoise est la première vedette internationale à se produire lors de cet évènement.

Elle coproduit avec René Angélil le spectacle donné sur la scène du Bally's Hotel and Casino par Véronic DiCaire. Prévu pour un semestre, la première a lieu le 20 juin 2013^,.

L'album anglais Loved Me Back to Life, sorti en novembre 2013, est composé de chansons inédites et de deux reprises figurant au spectacle Celine. Il propose des collaborations avec Francis Eg White, Stevie Wonder, Ne-Yo, Babyface, Diane Warren et Fraser T. Smith^,.

Le jour du 10^e anniversaire de la première de A New Day, le public apprend que le spectacle Celine est annoncé jusqu’en 2019. René Angélil affirme que le contrat a été signé pour huit ans en 2011. La chanteuse se produit lors d'un concert unique sur les plaines d'Abraham à Québec le 27 juillet 2013, Céline Dion? une seule fois, ainsi qu'en France et en Belgique lors de neuf représentations entre le 21 novembre et le 5 décembre 2013.

La veille de ce retour au Québec après cinq ans, soit le 26 juillet 2013, le couple Angélil-Dion est honoré à la Citadelle de Québec par le Gouverneur général du Canada David Johnston : alors que René Angélil est fait membre de l'Ordre du Canada, Céline Dion, qui en est membre depuis 1998, est élevée au rang de compagne de l'Ordre du Canada. Ces distinctions soulignent la contribution exceptionnelle du couple Angélil-Dion au rayonnement mondial du Québec et du Canada.

Le 21 mars 2014, le film Muppets Most Wanted sort au cinéma, aux États-Unis. Dans ce récit cinématographique, il y apparaît plusieurs personnalités dont Céline Dion, qui interprète également un titre Something So Right en compagnie de Miss Piggy, Kermit et Les Muppets.

Mort de René Angélil et Encore un soir (2014-2018)

Céline Dion annonce le 12 août 2014 qu'elle suspend « toutes ses activités professionnelles pour raisons familiales et de santé », annulant notamment sa tournée en Asie et ses concerts à Las Vegas. En effet, elle est atteinte d'une inflammation et René Angélil a été opéré d'une tumeur cancéreuse. Le 20 mars 2015, elle déclare au magazine américain People que son retour à Las Vegas aura lieu en août de la même année. Sa porte-parole confirme la nouvelle au réseau de télévision TVA.

Le 14 janvier 2016, René Angélil meurt des suites d'un cancer de la gorge, à son domicile familial, à Las Vegas. Deux jours plus tard, le 16 janvier 2016, le frère de Céline Dion, Daniel, meurt lui aussi d'un cancer à l'âge de 59 ans. Le décès de son mari René Angélil apporte un tournant important dans sa vie personnelle et dans sa carrière. Elle remonte sur scène à Las Vegas quelques semaines après les obsèques.

Le 24 mai 2016, est publiée la chanson Encore un soir, écrite par Jean-Jacques Goldman en hommage à son mari. En seulement trois jours, le titre se classe n^o 1 en France et signe le meilleur démarrage de l'année. Après une tournée estivale en France à Bercy, en Belgique à Anvers, et au Canada à Montréal, à Québec et à Trois-Rivières, est publié l'album Encore un soir, qui présente des titres signés Zaho, Grand Corps Malade, Francis Cabrel ou encore Vianney (Goldman ne signant que le single éponyme). Dès la première semaine de sa sortie, l'album se retrouve au sommet des ventes au Canada, en France, en Belgique et en Suisse. Céline Dion présente cet album à l'automne 2016 à l'occasion de plusieurs émissions de variétés, notamment En direct de l'univers au Québec et Le Grand Show en France.

Le 22 mai 2016, Céline Dion fait une reprise du tube The Show Must Go On lors de la cérémonie des Billboard Music Awards 2016 qui se tient à Las Vegas.

Le 9 septembre 2016 est dévoilée la chanson Recovering, signée Pink, officialisant ainsi le projet du 37^e album de Céline Dion, dont la sortie est prévue pour 2018.

Elle monte sur la scène du Colosseum au Caesars Palace le 8 octobre 2016, pour une 1000^e prestation depuis 2003.

Le 9 mars 2017 est publiée sur Youtube la chanson How Does A Moment Last Forever. Celle-ci fait partie de la bande originale du film La Belle et La Bête, qui sort en 2017. Le 3 mai 2018, Dion sort un nouveau single, Ashes, figurant sur la bande originale du film Deadpool 2.

Elle commence le 15 juin 2017 une nouvelle tournée estivale en Europe, le Celine Dion Live Tour 2017, un programme de 16 concerts. Elle passera notamment par la Suède, les Pays-Bas, le Royaume-Uni, la Suisse, l'Allemagne et la France. La tournée est un succès et toutes les dates sont complètes.

Courage World Tour (2019-2020)

Le 3 avril 2019, Céline Dion se rend à Los Angeles pour un évènement qui lui est consacré. Elle dévoile une courte vidéo de son départ de Las Vegas dans lequel le spectateur peut entendre un extrait d'une nouvelle chanson Flying on My Own (en). La vidéo est une annonce pour sa tournée à venir baptisée Courage World Tour qui soutient l'album Courage, paru le 15 novembre 2019.

Le 2 avril 2019, Céline Dion annonce sur son compte Instagram qu'elle devient officiellement égérie de L'Oréal Paris.

Elle interprète Flying on My Own lors de ses derniers concerts donnés à The Colosseum at Caesars Palace (en)^,,. Quelques semaines plus tard, la chanson sort en version studio. Le 18 septembre, Céline Dion publie trois chansons issues de Courage : le titre éponyme, Imperfections et Lying Down signé Sia et David Guetta.

Le même jour, commence le Courage World Tour au Québec. Il est prévu que la première partie de la tournée s'étende jusqu'au 27 avril 2020 et traverse l'Amérique du Nord. Elle y interprète quelques chansons de son dernier album ; la principale partie du spectacle se concentre sur ses tubes ainsi que sur quelques reprises ou medley. La pandémie de Covid-19 entraine des reports et annulations de concerts^,,.

Absence de la scène (depuis 2022)

Le 29 avril 2022, dans une vidéo YouTube, Céline Dion annonce un nouveau report de sa tournée en Europe. Annulée une première fois en raison de la pandémie de Covid-19, la tournée est reportée en 2023 pour des raisons de santé.

En décembre 2022, Céline Dion annonce être atteinte du syndrome de la personne raide et devoir annuler une partie de sa tournée européenne qui devait avoir lieu à partir de février 2023. Dans une vidéo publiée sur ses réseaux sociaux, l’artiste déclare que cette condition l'empêche de se produire sur scène et confirme qu’elle doit reporter et annuler les spectacles prévus pour se concentrer sur sa santé.

En 2023, elle joue son propre rôle dans le film Love Again : un peu, beaucoup, passionnément (Aimer encore au Canada francophone).

En mai 2023, elle annonce l'annulation de ses concerts jusqu'en avril 2024, pour raison de santé. En janvier 2024 elle annonce la sortie prochaine de Je suis : Céline Dion, un documentaire sur Prime Video qui traite de sa maladie méconnue afin d'y sensibiliser le public^,,.

Le 4 février 2024, Céline Dion apparaît pour la première fois en public, après plusieurs mois d'absence, lors de la cérémonie des Grammy Awards. Après une standing ovation de la part de l'assemblée, elle a remis à Taylor Swift le prix du meilleur album de l'année.

La bande originale de Je suis : Céline Dion sort le 21 juin 2024. La diffusion du documentaire commence le 25 juin 2024.

Le 26 juillet 2024, lors de la cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques de Paris, elle interprète l'Hymne à l'amour depuis le premier étage de la tour Eiffel, peu après l'embrasement de la vasque olympique. Cette prestation constitue sa première représentation en public depuis quatre ans et exceptionnelle, car elle chante en live et non en play-back^,

Le 13 novembre 2024, soit 3 mois après sa prestation à la cérémonie d’ouverture des Jeux Olympiques de Paris, Céline Dion réapparaît en tant qu’invitée surprise au défilé d’Elie Saab pour célébrer les 45 ans de carrière du couturier à Riyad. Elle clôture donc le défilé intitulé les 1001 saisons d’Elie Saab en interprétant deux de ces tubes The Power of Love et I'm Alive. Il s’agit donc de son premier concert donné après sa pr]]> Wed, 30 Jul 2025 04:05:00 +0000 https://www.speed-one.fr/index.php/index.php/artistes/donna-summer-35 https://www.speed-one.fr/index.php/index.php/artistes/donna-summer-35 LaDonna Adrian Gaines, connue sous son nom de scène Donna Summer, née le 31 décembre 1948 à Boston (Massachusetts) et morte le 17 mai 2012 à Naples (Floride) ou à Key West (Floride) (mais cette information reste à vérifier !), est une chanteuse de disco et pop rock américaine. Surnommée « La Reine du Disco » (The Queen of Disco), elle est une vedette du genre durant les années 1970 et 1980.

Elle est l'interprète de nombreux succès comme : Could It Be Magic (1976), Love to Love You Baby (1975), I Feel Love (1977), Last Dance (1978), Grammy Award dans la catégorie Meilleure performance vocale R&B féminine, Hot Stuff (1979), Grammy Award dans la catégorie Meilleure performance rock féminine, Bad Girls (1979), On the Radio (1979), She Works Hard for the Money (1983) et No More Tears (Enough Is Enough) (1979) en duo avec Barbra Streisand. Au cours de sa carrière, elle a vendu plus de 130 millions de disques à travers le monde.

Biographie

Enfance et débuts

Née dans une famille afro-américaine de la « classe moyenne », troisième des sept enfants d'Andrew Gaines et Mary Ellen (son père, fils de prédicateur, fut boucher et électricien, sa mère institutrice), LaDonna Adrian Gaines grandit dans un quartier de blancs de Boston, Mission Hill, où elle est confrontée au racisme ignoré par ses parents, la mère de Mary Gaines étant blanche.
Élevée dans une famille chrétienne et de musiciens, à l'âge de huit ans elle remplace au pied levé une choriste malade de la chorale de gospel de l'église de son quartier, la Grant Avenue African Methodist Episcopal Church, puis devient soliste de ce chœur à dix ans.

En 1967, deux mois avant d'obtenir son diplôme à la Jeremiah E. Burke High School de Dorchester, elle abandonne l'école pour devenir chanteuse professionnelle dans Crow, un groupe underground de rock blanc (groupe formé sur le modèle de Blood, Sweat and Tears et avec l'approche multiraciale de Sly and the Family Stone) qui joue dans les clubs de Boston et parfois de New York, et dans lequel elle chante depuis l'âge de seize ans. C'est dans cette dernière ville qu'elle est repérée par RCA Records qui lui offre, exclusivement, son premier contrat d'enregistrement. Alors qu'elle a l'espoir de remplacer Melba Moore qui avait abandonné son rôle dans Hair, on lui propose ce rôle dans la version allemande. A 19 ans, après avoir obtenu l'accord de ses parents d'abord réticents, elle part donc pour une tournée en Europe où elle va jouer dans de nombreuses comédies musicales : en 1968, elle chante en allemand dans Haare, version allemande de Hair (comédie musicale), puis en 1970 dans Ich bin Ich et en 1971 dans Godspell.
Gagnant sa vie en tant que mannequin dans la journée, elle tourne notamment dans des spots télévisés. Elle participe également à cette époque aux comédies musicales Showboat et Porgy & Bess. Elle joue sous le nom de Donna Gaines et même de Gayn Pierre pour Ich bin Ich et Godspell.

Parallèlement, elle enregistre des chansons avec le groupe The Veith Marvos Red Point Orchestra, renommé And Other Friends en 1984, dont font aussi partie Les Humphries Singers et Liz Mitchell, future chanteuse de Boney M. L'Orchestra enregistre en 1973 un disque composé de neuf chansons où Donna Summer n'est parfois que l'élément d'un chœur. Il est par la suite réédité sous de nombreux titres, sans l'autorisation de la chanteuse (sous 32 versions différentes, avant des remixes en 1992 puis en 1999).

Vie privée

Donna a eu 3 filles. Natalia Pia Mélanie Sommer surnommé Mimi, née le 16 février 1973 qu'elle a eu avec son mari Helmuth Sommer d'origine allemande, l'actrice Brooklyn Sudano née en 1981 et enfin la chanteuse et mannequin Amanda Grace Sudano née en 1982, qu'elle a eu avec le musicien américain Bruce Sudano.

Premiers disques

Son premier single, intitulé Wassermann, sort en 1968. Suit en 1969 If You Walkin' Alone / Can't Understand, deux chansons blues-rock, publiées chez Philips puis l'année 1971 sort chez MCA/Decca : Sally Go 'round the Roses avec en face 2 So Said the Man, deux titres produits par Vince Melouney. Deux ans plus tard, en 1973, elle participe aux chœurs de l'album Hard Labor de Three Dog Night, mais son nom n'apparaît pas sur le disque.

Depuis Mannheim, où elle se marie avec le peintre autrichien Helmuth Sommer en 1973 et avec qui elle a un enfant, Mimi, elle répond en 1974 à une annonce demandant une choriste. C'est ainsi qu'elle rencontre les producteurs Pete Bellotte et Giorgio Moroder qui américanisent son nom marital en Summer, nom de scène qu'elle gardera après son divorce d'avec Helmuth Sommer en 1976. Son premier 45 tours, sorti aux Pays-Bas chez Lark, est Denver Dream (1974), écrit par Bellotte, avec en face 2 Something's in the Wind écrit par Moroder et Bellotte. Les chansons sont dans la lignée des « Story Songs » à la Cher, genres de petits mélodrames de trois minutes. Ce registre est idéal pour Summer qui, venue de la comédie musicale, se définit comme une actrice qui chante.

Avec Pete Bellotte et Giorgio Moroder, Donna Summer enregistre un album, Lady of the Night, sorti aux Pays-Bas chez Groovy en 1974. Le single The Hostage connaît un certain succès en France (n^o 2), en Belgique et aux Pays-Bas (n^o 1). L'album est cependant un échec. Une chanson a été récupérée pour l’album suivant, Full of Emptiness (1974), la seule où Summer chante avec la voix de tête qu’on lui connaîtra par la suite. L'album est suivi du simple Virgin Mary avec Pandora's Box en face 2, paru chez Groovy en 1975 aux Pays-Bas.

Love to Love You Baby

Un titre supplémentaire connaît par la suite une bonne fortune, Love to Love You (1975). C'est à l'origine un single uniquement sorti en Europe (chez Groovy aux Pays-Bas avec Need-a-Man Blues en face 2). Ce titre court devient Love to Love You Baby et dépasse les 15 minutes, à la demande de Neil Bogart, patron de Casablanca Records, après que, lors d'une fête privée à Los Angeles, il lui est demandé par ses invités de passer et de repasser la chanson. Moroder et Bellotte concoctent alors une nouvelle formule qui aboutit à l'album Love to Love You Baby où la chanson-titre est remixée et occupe toute la face 1 du disque. Le succès, testé d'abord dans les discothèques françaises, est immense et cette chanson fait date de par l'audace du concept : pendant plus de seize minutes, Donna Summer soupire des paroles clairement érotiques alternant avec de longs moments dévolus aux choristes et aux musiciens (basse, synthétiseur, violons) sur fond de grosse caisse envahissante, lente et sourde. C'est le triomphe d'une petite production incluant à peine une quinzaine de personnes, qui a enregistré le disque en deux mois (mai-juin 1975). Mais c'est surtout le triomphe d'un concept né sous la houlette de deux réalisateurs artistiques - Pete Bellotte et Giorgio Moroder - et l'apparition d'un son immédiatement identifiable par son utilisation du synthétiseur - le son de Munich (parallèlement, Levay et Kunze lançaient les Silver Convention qui, avec leur n^o 1 Fly Robin Fly, en 1975 procèdent de la même école qui a inventé l'Eurodisco. Love to Love You Baby devient un énorme hit dans les boîtes gay et marque l'avènement du disco tandis que de nombreuses radios refusent de la passer vu son caractère trop sexuel. Néanmoins, c'est le début du raz-de-marée Donna Summer. Love to Love You Baby entre dans les listes américaines en décembre 1975 et devient la meilleure vente pendant quatre mois. Classée n^o 2 en février 1976, elle dépasse rapidement le million de ventes. Au Royaume-Uni, elle est classée le 17 janvier 1976 et monte jusqu'à la cinquième place. Le 19 février, le simple est disque d'or aux États-Unis tout comme l'album (n^o 6 R&B et n^o 11 pop). Love To Love You Baby est aussi le cinquième simple le plus vendu de Summer tout au long de sa carrière. Il existe trois versions sensiblement différentes du LP : la version parue chez Oasis et distribuée par Atlantic, une autre édition, chez Casablanca (qui remplace la reprise de Full of Emptiness et The Hostage par Virgin Mary) et enfin une troisième avec The Hostage et Lady of The Night. Full of Emptiness est un titre repris de Lady of The Night. Le 45 tours est, lui, sorti avec Need-a-Man Blues (1975) en face 2 ou avec une deuxième partie de 3:27 du hit - la première faisant 4:57.

Confirmation du succès

Les albums suivants, A Love Trilogy et Four Seasons of Love, parus tous deux en 1976, s'inscrivent dans la droite ligne de Love to Love You Baby (1975). Ces deux LP sont aussi disques d'or. Le premier simple tiré de A Love Trilogy est une reprise de Barry Manilow, Could It Be Magic (1971), qui sur l'album est précédée d'une sulfureuse intro, Prelude to Love. Cette version très réussie est cependant beaucoup plus commerciale que la version originale. À noter qu'Alain Chamfort avait, dès l'été 1975, interprété la version française, Le Temps qui court. Suit Try Me, I Know We Can Make It (1976), morceau de près de dix-huit minutes, condensé en un peu plus de quatre minutes pour le single. (On la retrouvera par la suite, avec Could It Be Magic sur la bande originale du film Looking for Mr Goodbar). La réalisation artistique relevait jusqu'alors surtout de Pete Bellotte, mais désormais, c'est Giorgio Moroder qui semble plutôt piloter l'équipe. Le simple suivant, Spring Affair, est tiré de l'album Four Seasons of Love : il reprend la pochette de l'album où on la voit alanguie sur un croissant de lune. Il existe plusieurs pressages différents du simple : avec Come With Me ou Winter Melody en face 2, ou alors la chanson avec une partie sur chaque face au Mexique. Un argument de vente supplémentaire : un calendrier de 1977 avec des photos de la belle est inclus dans le LP.

Elle est surnommée par ses détracteurs « le sexe chantant » tandis que pour d'autres, c'est « la plus belle voix noire depuis Aretha Franklin » et, pour la promotion de ses disques, « The First Lady of Love » (la première dame de l'amour) est ironiquement transformé et renommée par certains en « The First Lady of Lust » (la première dame du désir). À la fin de l'année 1976, sort un album (appelé lui aussi Love To Love You Baby) qui reprend en face 1 Love to Love You Baby et en face 2 Try Me I Know We Can Make It (1976), toutes deux en versions intégrales. Dorénavant, elle prend une part de plus en plus active à l'écriture des chansons : Love to Love You Baby (1975), Try Me I Know We Can Make It (1976), Prelude to Love (1976) et la même année tout l'album Four Seasons of Love sont coécrits par elle et ses réalisateurs artistiques. Four Seasons of Love est d’ailleurs le plus solide de tous les « concept albums » de Summer, une formule à laquelle elle tient au moment de faire un LP mais qui s’avère parfois un peu bancale pour une chanteuse qui doit son succès aux discothèques et aux radios. Celle-ci est d’autant plus bancale que les concepts ne sont guère qu'un vague fil directeur. Four Seasons of Love n’a que peu à voir avec les Quatre Saisons (1725) de Vivaldi ou l’oratorio Les Saisons (1796-1798) de Haydn. Néanmoins, lors de l’élaboration de l’album les références sont là, non pas dans la musique, mais dans l’image qui va avec. Le calendrier présente quatre photos de la chanteuse (dont deux sont déjà connues puisqu’il s’agit de la pochette de l’album). Pour représenter l’hiver, on la voit encapuchonnée de fourrure avec de la fausse neige dans le style des films hollywoodiens de Noël. Deux larmes coulant sur ses joues complètent le tableau ; il va sans dire que Summer est très maquillée et que le maquilleur n’a lésiné ni sur l’ombre à paupières dorée ni sur le rouge à lèvres brillant. Pour le printemps, elle porte une robe qui se veut XVIII^e siècle et elle fait de la balançoire, en référence à la fois à Vivaldi (déjà cité) ainsi qu'à Jean-Honoré Fragonard. Les photos de l’été et de l’automne sont moins liées aux saisons en soi puisque l’on a la couverture du disque pour l’été (Summer sur son croissant de lune, dans la grande tradition des Pierrots kitschs) et l’arrière de la pochette pour l’automne (Summer avec la robe blanche de Marilyn Monroe dans Sept ans de réflexion en 1955). Ceux qui ont eu l’idée du calendrier n’ont pas tellement joué sur l’image sexuelle de Summer, sur son corps ou sur des poses provocantes ; de ce point de vue, on peut comparer les photos avec celles de vinyle Four New Seasons, une obscure adaptation disco de Vivaldi faite en France en 1978 par The Philarmonics : sur la pochette de l’album, quatre photos montrent un mannequin en maillot de bain - même en hiver - ouvrant la bouche et dansant devant des tableaux de facture classique mais inconnus des musées et réalisé par Steve Gray, Mike Butcher et Jean Kluger.

Au début de l'année 1977, Summer enregistre trois simples sans Moroder/Bellotte : une apparition dans Shut Out, un 45 tours en duo avec Paul Jabara, un ancien de Hair (sur Shut Out de Jabara), une autre dans Old Fashioned Girl, titre des Brooklyn Dreams (sur leur album Brooklyn Dreams), et Down, Deep Inside, qu'elle coécrit avec John Barry pour le film The Deep, la première incursion de Casablanca Records dans le cinéma. Shut Out est suivi, sur l'album de Paul Jabara du même titre, de Heaven Is a Disco où elle chante aussi. Old Fashioned Girl est anecdotique. Down, Deep Inside s’est classé n^o 3 disco et n^o 5 en Angleterre malgré sa relative insignifiance. Donna Summer ne s’est pas vraiment intéressée à ce titre, d'autant que le compositeur John Barry ne connaissait rien au disco et que Casablanca espérait un autre Love to Love You Baby, ce qui agaça la chanteuse, soucieuse de se démarquer de cette image réductrice. Cette chanson existe en version LP, en une version ralentie assez peu heureuse (A Love Song) et en version rallongée. Le 45 tours allemand existe en vinyle bleu. Le film, une sorte de « sous-Dents de la mer (1975) », n'est pas resté dans les mémoires.

Tournant de I Feel Love

Donna Summer coécrit toutes les chansons de l'album suivant (sauf une reprise), I Remember Yesterday, album où son style évolue. Chaque chanson représente une époque de la musique populaire américaine, des années 1920 au « futur ». De cet album disque d'or 1977, elle tire trois succès, I Remember Yesterday, Love's Unkind et I Feel Love (la chanson symbolisant avec adéquation le son du futur). À l'origine face 2 du simple Can't We Just Sit Down (And talk it over), n^o 20 soul, I Feel Love mènera une carrière indépendante à partir d'un n^o 1 disco (trois semaines en juillet) et d'un n^o 1 en Angleterre. En novembre, il est n^o 6 pop et n^o 9 R&B. Il se vend aux États-Unis à plus d'un million d'exemplaires. I Feel Love existe aussi en une version rallongée de deux minutes supplémentaires, (procédé inauguré avec Down, Deep Inside, chanson avec laquelle elle partage d'ailleurs le maxi). I Feel Love deviendra un classique et Patrick Cowley la remixera pour Disconet (le maxi sortira même officiellement en 1982) tandis que Jimmy Somerville et Marc Almond la reprennent en 1984, suivie plus tard par de nombreuses reprises et remixes en 1995.

L’idée de concept album a présidé à l’élaboration du disque. Le premier titre est I Remember Yesterday, rappelant les années 1940 des « big bands » et Glenn Miller. Suit Love's Unkind, représentant les années 1950. Back In Love Again rend hommage aux Supremes et à la Motown des années 1960. La face se termine par I Remember Yesterday (reprise). La face 2 contient Black Lady (les années 1920), Take Me (le disco des années 1970), Can't We Just Sit Down (And talk it over) (la ballade apparemment intemporelle) et I Feel Love (le futur). Le fil chronologique ne constitue pas un critère déterminant dans la réalisation de l’album, l’uniformité de l’orchestration n’aidant pas à bien faire les différences entre les styles. Les seules chansons à échapper au moule sont les deux dernières, qui ont d’ailleurs partagé le même 45 tours. Can't We Just Sit Down (And talk it over) est une carte de visite prouvant que Donna Summer sait chanter au-delà des soupirs et de la petite voix de ses trois premiers albums. Cette chanson est une reprise de David Soul (le blond de la série télévisée Starsky & Hutch l’avait sortie peu avant sur son album de 1977). L’autre chanson qui marque est bien sûr I Feel Love, qui constituera une référence majeure dans l’univers de la musique électronique et influencera de nombreux artistes durant les décennies suivantes. La chanson inaugure le disco sans instruments autres que des synthétiseurs.

En Angleterre, un 12" est édité avec Back In Love Again, Try Me, I Know We Can Make It et Wasted. Un 45 tours de cette chanson sort en Allemagne chez Atlantic avec l’inédit A Man Like You en face 2. Le 45 tours allemand connaît un nouveau pressage en 1978 avec I Remember Yesterday en face 2.

Can't We Just Sit Down (And talk it over) est aussi sorti en 45 tours promotionnel chez Casablanca aux États-Unis avec deux versions sensiblement différentes sur chaque face : une version de 3:42 et une autre de 3:56. Parallèlement Casablanca sort au Mexique un 45 tours avec quatre titres, procédé qui sera repris par la suite. On y trouve Love To Love You Baby, I Feel Love, Try Me, I Know We Can Make It et Take Me.

Fin de l'année 1977 et Thank God It's Friday

En juillet 1977, au moment où I Feel Love sort en simple, Donna Summer enregistre Last Dance. Cette chanson est prévue pour être incluse dans la bande originale du film Dieu merci, c'est vendredi (Thank God It’s Friday). Casablanca prépare en effet ce film en partenariat avec les films Columbia. Le thème, une nuit dans une boîte, permettra à Donna Summer d’apparaître dans le film pour chanter Last Dance. Cette chanson est écrite par Paul Jabara et les arrangements musicaux sont de Bob Esty. Ce dernier en est le réalisateur artistique de fait car Moroder était très réticent. Esty a en effet le projet de faire chanter Summer avec sa voix en puissance et son registre naturel, aux antipodes de la voix aiguë et haletante qu’on lui connaissait essentiellement jusqu’alors. Il s’oppose ainsi à Moroder qui, ne voulant pas tuer la poule aux œufs d’or, avait l’impression qu’il était encore trop tôt pour montrer que Summer pouvait chanter autre chose que des clones de Love to Love You Baby. Esty s’occupera alors de la réalisation artistique mais il n’est pas convié le jour où Summer enregistre sous la houlette de Moroder. Finalement, quand le disque paraîtra près d'un an plus tard, avec le film, on lira sur la pochette que la réalisation artistique est signée Moroder et Esty ; mais le nom de ce dernier sera remplacé par celui de Bellotte sur les compilations ultérieures.

Avant cela, Donna Summer continue sur sa lancée avec Once Upon A Time, double album claustrophobique, rapidement réalisé, qui se veut être un conte de fées moderne. Après la parution de cet album à l'automne 1977, devenu disque d'or, elle classe un simple en janvier 1978, I Love You (n^o 37). Auparavant, Rumour Has It avait été n^o 1 disco (pendant cinq semaines à partir du 17 décembre) mais seulement n^o 21 R&B et n^o 53 pop. Parmi les réussites de l'opus, on note le titre électronique Now I Need You, avec des choristes en contrepoint. Par ce disque double, le premier d'une longue liste, elle voulut prouver qu'elle pouvait écrire autre chose que des albums contenant une poignée de chansons rallongées. Elle fut aussi plus ou moins contrainte de faire des disques doubles du fait de son contrat signé en septembre 1977, à nouveau avec Casablanca records, stipulant qu’elle devait sortir neuf albums sur une période deux ans, tous devant être réalisés par Moroder et Bellotte. Ce chiffre délirant put être réduit à quatre albums doubles et un simple, ce qu’elle fit presque dans le délai imparti.

En 1978 paraissent donc les trois titres de la BO de Dieu merci, c'est vendredi (Thank God It's Friday) (n^o 6 R&B, n^o 10 pop et un million de ventes), film dans lequel elle joue le personnage de la chanteuse Nicole Sims : Last Dance (n^o 3 pop, n^o 1 disco le 3 juin 1978 pendant sept semaines et n^o 5 R'n'B, vendu à plus d'un million d'exemplaires), With Your Love (face 2 du précédent) et le quart d'heure de reprise mollement convaincante de la reprise de Je t'aime (moi non plus) de Serge Gainsbourg. Ce dernier titre est même sorti en maxi promotionnel pour les discothèques. Celles-ci se montrant peu enthousiastes, la chanson finira comme titre supplémentaire sur l'album du film : au double album, on ajoute simplement un maxi à une face de Je t'aime (moi non plus) dans la pochette. Le film Thank God it's Friday (mai 1978) est un projet commun aux labels Motown et Casablanca, sur la lancée de Saturday Night Fever. Ce film disco, qui devait être à l'origine un moyen de promouvoir les Commodores qui y jouent, en devient finalement un pour Donna Summer, dont c'est le premier rôle, et lui permet surtout de généraliser son succès hors des discothèques gays. Avec Last Dance, elle obtient un hit et un oscar et aide l'album à se classer n^o 10 ; resté 27 semaines dans les charts, il est aussi devenu disque de platine. Il existe de plus un remix long de With Your Love, mais destiné uniquement aux discothèques. Le 45 tours de Last Dance est édité par Casablanca en trois versions différentes : en version promotionnelle sans face 2, avec With Your Love ou I Love You en face 2. Au Mexique, Last Dance est couplée à d’autres chansons du film sur un 45 tours : After Dark (Pattie Brooks), Thank God It’s Friday (Love & Kisses) et Disco Queen (Paul Jabara). Toujours au Mexique, Je t'aime (moi non plus) est édité en 45 tours avec une partie de la première moitié de la chanson sur chaque face. Grâce à Last Dance, Summer obtient deux Grammies en 1978, celui de la meilleure chanteuse R&B et celui de la meilleure chanson R&B.

Live And More

Début septembre 1978, elle lance son double album Live And More où elle reprend ses principaux succès et des classiques de la comédie musicale en plus de Mimi's Song, une chanson qu'elle écrit sur sa fille. Cette dernière se trouve aussi sur le LP de l'Unicef pour commémorer l'année de l'enfant. En plus des morceaux en public, il y a sur l'album une face en studio inédite : Mac Arthur Park Suite qui contient la reprise de Mac Arthur Park que Richard Harris avait chantée une dizaine d'années plus tôt, One of A Kind et Heaven Knows en duo avec Brooklyn Dreams, le groupe de son (futur) époux Bruce Sudano. Mac Arthur Park et Heaven Knows se vendent à plus d'un million chacun (disques d'or). Le premier sera classé n^o 1 pop pendant trois semaines en septembre, n^o 1 disco le 21 octobre pendant cinq semaines et n^o 8 R&B. Le second sera n^o 4 pop et n^o 10 R&B début 1979. L'album lui-même sera aussi n^o 1 et restera classé pendant 65 semaines ! Il sera disque de platine. Mac Arthur Park est le troisième simple le plus vendu de sa carrière et Heaven Knows le septième. Heaven Knows connaîtra une version différente sur l'album des Brooklyn Dreams Sleepless Nights sorti début 1979 : Donna Summer n'y est que voix secondaire alors que c'étaient eux sur sa version à elle. Il manque à Heaven Knows une version longue ; bien que plusieurs versions soient sorties, elles sont toutes inférieures à quatre minutes. Il existe bien un remix de Hot tracks de 6:40 mélangeant la version de Summer avec celle des Brooklyn Dreams et de multiples versions non officielles qui sont en fait de simples collages répétitifs (dont une version mexicaine sortie en 1979).

Il existe plusieurs pressages du 45 tours de Mac Arthur Park dont un promotionnel avec une version de 6:24 (États-Unis), un autre avec Last Dance en face 2 (Brésil) et un mexicain avec Full of Emptiness, Once Upon A Time et Fairy Tale High.

Après Live And More, elle réalise Watchin' Daddy Dance avec Bruce Sudano et d'autres chansons avec Jüergen Koppers (son ingénieur du son) pour l'album Watchin' Daddy Dance de Sunshine, album finalement non commercialisé. On y trouve aussi sa composition It's Over qu'elle réenregistrera en 1984 sous le titre Maybe It's Over.

Donna Summer est à son apogée et de mai 1978 à janvier 1980, elle aura huit Top ten et une avalanche de prix. L'année 1979 est l'année des grandes récompenses : artiste disco de l'année pour le Billboard et artiste disco féminin de l'année pour Dick Clark (avec Last Dance meilleur simple disco de l'année et Live And More meilleur album disco de l'année). Last Dance recevra aussi le Golden Globe Award de la meilleure chanson de film en plus des « Grammies » en tant que meilleure performance vocale féminine R&B et meilleure chanson R&B. La National Association of Recording Merchandisers lui donne les récompenses du meilleur album chanté par une femme (Live And More, qu'elle partage avec le Greatest Hits de Barbra Streisand) et du meilleur album chanté par une artiste noire. Last Dance recevra aussi un Oscar en tant que meilleure chanson de film. Au sixième Disco Forum du Billboard, elle est la meilleure interprète disco, la meilleure chanteuse disco et elle partage le prix du meilleur album disco (Live And More) avec le groupe Chic (C'est chic). Ces récompenses s'étalent du 23 décembre 1978 au 15 juillet 1979 et elle en aura autant avec son album suivant.

Après une apparition sur un album de Gene Simmons en 1978 (Burning Up With Fever disponible sur l'album Gene Simmons) et une participation au disque de l'UNICEF A gift of Song, où elle chante Mimi's Song (janvier 1979), l'année 1979 marque cependant la fin de la première période de celle qui est appelée « la reine du disco ». On note un certain manque de renouvellement lors de cette période d'un peu plus de trois ans, dominée par quatre hits majeurs, Love to Love You Baby, le synthétique I Feel Love, Last Dance et Mac Arthur Park.

Bad Girls

Consciente de son aspect très marqueté, elle le fit voler en éclats en mai 1979 avec le double album Bad Girls qui efface enfin le syndrome « Love to Love You ». Cet album marque un intéressant renouveau musical tout en gardant la même réalisation artistique. Elle classe deux singles n^o 1 : Hot Stuff et Bad Girls, qui se vendront chacun à plus de deux millions d'exemplaires aux États-Unis. Hot Stuff, sera n^o 1 pop pendant trois semaines et n^o 3 R&B tandis que Bad Girls, lancée avant que Hot Stuff n'atteigne le n^o 1 pop, sera n^o 1 pop pendant cinq semaines et n^o 1 R&B une semaine. Les deux chansons, mixées en continu pour les discothèques, seront ensemble n^o 1 disco pendant sept semaines le 26 mai. Hot Stuff est d'ailleurs le single le plus vendu de Summer, suivi de près par Bad Girls. Neil Bogart, patron de Casablanca, lui avait cependant déconseillé de chanter Hot Stuff, trop rock, et lui avait proposé de le laisser à Cher, chanteuse du même label, qui sortait d'un n^o 2 disco (n^o 8 pop), Take Me Home. Donna Summer garda Hot Stuff mais Cher en enregistra un clone réalisé par Moroder pour le film Foxes : Bad Love. Puis, en troisième simple, suivra l'excellent Dim All The Lights, n^o 2, vendu à un million d'exemplaires. L'album Bad Girls est de tous le moins monolithique et comme le reconnaît Giorgio Moroder, son travail de réalisateur artistique le plus intéressant. On est toujours dans le « concept album » mais il faut avouer que l’idée directrice, les prostituées, n’est guère suivie de manière constante tout au long de l’album. Ce sera un album de platine, qui demeurera le plus gros succès de sa carrière. À côté des gros tubes disco superbement efficaces (avec une pointe de rock pour Hot Stuff), on trouve des ballades joliment agencées (celles de la troisième face dont There Will Always Be A You qui servira à de nombreuses faces 2 de simples), et des titres synthétiques au rythme hypnotique, héritiers de I Feel Love sans en être des clones (ceux de la quatrième face dont Sunset People, simple suivant et sa face B Our Love). L'album contient aussi My Baby Understands, pour lequel Donna Summer fait ses premières armes en production sur l'un de ses albums, avec J. Koppers sous la houlette de Moroder/Bellotte. Enfin, pour la première fois, il est à noter qu'elle signe trois titres paroles et musique : Dim All The Lights, There Will Always Be A You et My Baby Understands. Elle en signera quatre autres au cours des années suivantes.

Une curiosité : le slow All Through the Night, coécrit par Summer et Bruce Roberts, se retrouvera sur deux des trois albums du chanteur (Cool Fool en 1980 et Intimacy en 1995)

Il existe aussi un simple édité au Mexique avec la version longue de Dim All the Lights (A media luz) en face 1 et celle de Heaven Knows (El cielo sabe) en face 2. Leurs durées sont respectivement de 7:10 et 8:20. Au Brésil, le 45 tours de Hot Stuff a Heaven Knows en face 2. Au Japon, la face 2 est Bad Girls. Aux Pays-Bas, Mac Arthur Park est réédité en 45 tours avec Hot Stuff en face 2. Bad Girls est éditée avec On My Honor en face 2 mais en Angleterre les deux faces sont inversées -un autre simple anglais, promotionnel celui-ci est On My Honor avec en face 2 With Your Love. Au Canada, la face 2 de Bad Girls est Hot Stuff. En Espagne, Our Love est édité en 45 tours avec Sunset People en face 2. En 2003, l’album est réédité en double cd remastérisé avec une maquette de la chanson Bad Girls (effectivement assez différente de la version finale) et neuf versions longues de tubes, de I Feel Love à On the Radio.

Fin de l'année 1979

Summer enregistre ensuite Too Much For the Lady avec Brooklyn Dreams (sur l'album Joy Ride) puis le simple Never Lose Your Sense Of Humor avec Paul Jabara (moteur promotionnel du LP Third album de Jabara, paru chez Casablanca).

Suit No More Tears (Enough Is Enough) en duo avec Barbra Streisand coécrit par Paul Jabara. Il sera classé n^o 1 aux États-Unis avec plus d'un million de ventes et n^o 3 en Angleterre. La face 2 du 45 tours anglais de la chanson est sur certains pressages My Baby Understands. L’enregistrement de No More Tears (Enough Is Enough) fut assez houleux, non pas à cause de Summer, toujours très détachée quand il s’agit d’enregistrer un disque, mais plus à cause de Streisand qui se sentit menacée sur un terrain qui lui était étranger, le disco, aux mains de celle qu’elle considérait comme une nouvelle venue. Par la suite, Streisand n’inclura ce titre ni dans ses (rares) concerts, ni dans son concert d’adieu alors que ce titre a été son duo le mieux vendu (et accessoirement la seule chanson que le fils de Streisand (fan de Summer) avouait alors aimer dans le vaste catalogue de son auguste mère^{[réf. nécessaire]}). No More Tears (Enough Is Enough) deviendra alors un tube de plus pour Donna Summer, qu’elle chantera par la suite avec de multiples partenaires.

Elle fait le point sur sa carrière disco en publiant sa première compilation officielle aux États-Unis, On the Radio (novembre 1979), dont la chanson titre inédite, tirée du film Foxes, se classe n^o 5 avec encore une fois plus d'un million de ventes et un troisième album de platine consécutif. Quelques surprises sur ce double album : des enchaînements originaux entre les chansons et la version de Heaven Knows parue en simple (avec le solo de cuivres et non celle plus courte figurant sur Live And More), en plus de On the Radio en versions 4:00 et 5:50 (la version 7:30 est réservée à la BO du film), et de No More Tears en version intégrale, deux chansons jusque-là uniquement éditées en simple. Chaque disque est disponible séparément (volume I et volume II) ou en double album (édité avec une affiche).

Nouvelle maison de disques et nouvel album

En octobre 1980, Summer quitte Casablanca à qui elle fait un procès et signe chez Geffen records dont elle est la première artiste. Ce nouveau label distribué par Warner est celui de David Geffen. Son premier album chez Geffen, The Wanderer, tourne ostensiblement le dos au disco - il est ouvertement rock- mais c’est aussi la dernière réalisation (officielle) de Moroder/Bellotte pour Summer. La chanson-titre, dansante et bien ficelée, sera classée n^o 3 aux États-Unis, avec plus d'un million de ventes, mais pas en Angleterre. Auparavant, Casablanca sort une autre compilation (avec une pochette noire sans photo...), couvrant la période 1977-1979, Walk Away (n^o 54 R&B et n^o 50 pop). La chanson-titre, extraite de Bad Girls, n'est classée que n^o 36 malgré son excellence et le renfort d'un remix promo pour les discothèques -cette chanson avait déjà profité du n^o 1 disco commun à tous les titres de l’album en 1979. Une version longue de 8:30 refera surface en 1992, un peu plus longue que celle du maxi commercialisé qui fait 7:15. Les deux ont en commun quelques paroles supplémentaires que l’on ne trouve pas sur la version d’origine de l’album. Le 45 tours quant à lui propose en face 2 Could It Be Magic de 1976. Au Mexique, Walk Away est couplé avec Spring Affair, The Way We Were (du disque en public de 1978) et Rumour Has It.

Déjà en 1980, Donna Summer est assimilée à son âge d'or, même si elle a multiplié les déclarations et les actes pour le rejeter. C'est la fin d'une époque et les autres simples de The Wanderer seront assez mal classés en 1981 : Cold Love sera n^o 33 et Who Do You Think You're Foolin' n^o 40. Il faut dire que The Wanderer est composé de mélodies rock, parfois dans la veine immédiate de Hot Stuff, et new wave, et inclut le fascinant synthétique Grand Illusion. Il désoriente une grande partie de son public, alors même qu'il est salué par la critique. Le magazine musical Rolling Stone le considère comme son meilleur album. C'est aussi à l'occasion de la sortie de ce nouvel album que Summer commence à assumer ouvertement ses convictions religieuses de « born-again Christian » (elle signe d'ailleurs sur l'album un titre aux accents gospel, I Believe In Jesus). Sa foi désormais pleinement assumée est diversement accueillie par son public gay, en raison de déclarations jugées moralistes et qui seront plus tard ressenties par certains comme homophobes (elle aurait déclaré en 1984 « Dieu a fait Adam et Eve, pas Adam et Steve »), et cela générera un certain divorce. Il faut également ajouter un phénomène de "disco bashing" qui prend alors forme aux États-Unis, genre musical auquel l'artiste continue d'être associée. The Wanderer se vend cependant bien (onzième simple le plus vendu de sa carrière) et Cold Love se maintient honorablement à la dix-septième place, juste avant Walk Away, dix-huitième. L'album est disque d'or.

Toujours en 1980, elle enregistre deux titres avec Brooklyn Dreams : A Lover In The Night et I Won't Go (sur l'album du même nom du groupe). Elle coécrit la chanson Starting Over Again avec Bruce Sudano qu'elle épouse la même année, mais ne l'enregistre pas elle-même. C'est la chanteuse country Dolly Parton qui la fera paraître sur son album Dolly, Dolly, Dolly et le titre connaîtra un grand succès dans les charts, jusqu'à atteindre la première place dans le Top US country le 24 mai 1980. En 1981, elle participe aux chœurs de l'album Fugitive kind de Bruce Sudano, auquel elle vient de donner une fille, le 5 janvier 1981, Brooklyn Sudano, actuellement actrice, vue notamment dans la série Ma famille d'abord dans le rôle de Vanessa Scott. Un an plus tard, ils auront ensemble Amanda Sudano (en)qui deviendra mannequin, pianiste et chanteuse dans le duo Johnnyswim (en) avec son mari Abner Ramirez.

I'm a Rainbow (1981)

À la fin de l'année 1981 aurait dû sortir sa véritable dernière production Moroder/Bellotte, le double album I'm a Rainbow, finalement publié en 1996. Ce disque inabouti présente un patchwork de chansons tirant vers le rock-FM (Leave Me Alone et Highway Runner), la variété impersonnelle End of the Week et Walk On (Keep On Movin)) et le mid-tempo synthétique (You to Me, Sweet Emotion, I Need Time et Brooklyn). Sur cet album, on trouve même l'expérimental To Turn the Stone (avec des cornemuses synthétiques !) et I Believe In You, dernier duo avec Joe Esposito des Brooklyn Dreams. Quelques titres auraient mérité d'être sauvés, notamment I'm A Rainbow, deux titres rythmés (True Love Survives et Back Where You Belong) et quatre bons titres de hi-nrg à la Moroder (Melanie, A Runner With the Pack, People Talk et Romeo). La chanson-titre peut être entendue comme un adieu à Moroder-Bellotte, avec des réminiscences synthétiques de Once Upon A Time et Bad Girls. Certaines chansons ont été chantées par d'autres (une par Frida en 1982 et aussi par Joe Esposito en 1983 - To Turn the Stone - et deux par Amii Stewart en 1983 - You to Me et Sweet Emotion) et d'autres éditées par Summer elle-même sur des BO de films (Highway Runner pour Fast Times at Ridgemont High en 1982 et Romeo pour Flashdance en 1983). Highway Runner a cependant connu un remix Disconet distribué dans les boîtes en 1982 (remix de Frank Schmidt). I'm a Rainbow et Don't Cry For Me Argentina ont été remixées en 1993 par Giorgio Moroder pour la compilation The Anthology de Summer.

Dans un certain sens, on peut comprendre pourquoi cet album disco-new wave, ambitieux mais hybride, a été refusé par sa maison de disques. Mais les suivants, qui ont eu le blanc-seing de Geffen, étaient-ils vraiment meilleurs ? Aussi convient-il, quinze ans après son enregistrement, en 1996, d'apprécier I’m A Rainbow avec le recul nécessaire, d'autant que les chansons composant l'album sont restées à l'état de maquettes lorsque Geffen décida d'arrêter les frais et sont parues telles quelles lors de leur sortie officielle. En fait, le refus de cet album est révélateur de l'attitude de Geffen qui entend se comporter en maître tout-puissant chez lui. Face aux résultats commerciaux de The Wanderer qu'il juge insuffisants, Geffen estime que l'association Moroder/Bellotte/Summer a vécu et que c'est lui qui décidera des futurs réalisateurs artistiques de Summer. Pour celle-ci, il s'agit d'une réduction de sa liberté artistique, ce à quoi elle n'avait pas été habituée chez Casablanca. Deux autres faits viennent compliquer les relations entre Summer et Geffen : avant d'être son patron, Geffen était un ami de Summer et ouvertement homosexuel. Ces deux faits, assez anodins au moment de la signature du contrat, vont en fait empoisonner leurs relations et par voie de conséquence la carrière de Summer. Tout d'abord par le biais de l'amitié, Geffen impose des choix contraignants à Summer, choix qu'elle peut difficilement refuser. Ensuite, Geffen en tant qu'homosexuel militant espère bien tirer profit pour sa maison de disques de l'image de diva pour les gays qu'a Donna Summer. Néanmoins, celle-ci préfère marquer ses distances pour ne pas être phagocytée, ce qui au moment de l'apparition du sida sera malignement récupéré par certains gays nord-américains.

Années 1980

Au début des années 1980, Donna Summer conserve cependant encore quelques années son rang de star. À la place de l'album I’m A Rainbow, Geffen lui fait enregistrer un album avec Quincy Jones, qui la (sur)produit. L'album sorti en 1982 est l'ambitieux Donna Summer, un nouveau disque d'or. C'est la première fois que Donna Summer enregistre un album avec un réalisateur artistique confirmé. En effet, jusque-là, elle avait fait partie d'une équipe qui avait graduellement monté les échelons du succès et de la renommée avec elle. Et si en 1982, Moroder ou Bogart, le patron de Casablanca, comptent, c'est grâce à Summer qu’ils le doivent. Quincy Jones, lui, a par contre un quart de siècle de production musicale derrière lui et il considère Summer comme une goutte d'eau dans l'océan. Summer, de son côté, n'a pas fait un mystère de relations parfois tendues avec Jones au cours des séances d'enregistrement qui ont duré six mois, alors même qu'elle est enceinte de sa troisième fille. Elle ne coécrit que deux chansons sur les neuf de l'album (elle a aussi coécrit une troisième chanson qui figure sur la face 2 du premier simple extrait). Summer n'a pas bénéficié de la marge de manœuvre dont a bénéficié par exemple Michael Jackson sur les productions de Jones. Certains jugent même l'album Donna Summer comme une sorte de brouillon de Thriller sorti quelques mois plus tard. Cette vision quelque peu misogyne de la chanteuse contraste avec les années Casablanca où Summer était la reine en son palais.

Le premier simple, Love Is In Control est n^o 10 aux États-Unis et est disponible dans un remix long. La face 2 du 45 tours est l’inédit Sometimes Like Butterflies, une composition de Summer et de Bruce Roberts, qu'elle interprète à la façon Bette Midler et qui, bizarrement, sera reprise par Dusty Springfield en 1985 (n^o 82 anglais). Le simple suivant, la reprise de Jon et Vangelis, State of Independence, qui connait un relatif succès en Angleterre, inclut le concours de nombreuses personnalités dans les chœurs, le « All Star Choir », avec, entre autres, Dionne Warwick, Lionel Richie, Stevie Wonder ou Michael Jackson (le début d'un concept qui aboutira trois ans après à la chorale de USA for Africa). Il sera suivi de The Woman In Me, n^o 33 en mars 1983. Cet album enterre définitivement le disco mais ne le remplace que par une production truffée de tics propres à la production de Quincy Jones et de son équipe. Il inclut l'énergique Love Is In Control légèrement allongé sur l'album par rapport au 7". On y trouve également Mystery of Love, duo avec James Ingram qui commence par une réinterprétation du prélude n^o 2 en do mineur du "Clavier bien tempéré" de Bach (BWV 847) et Protection, écrit par Bruce Springsteen (le quatrième simple) ainsi qu'une excellente reprise du classique Lush Life, titre que la chanteuse considéra avoir été le plus difficile qu'elle ait eu à enregistrer dans sa carrière. Parallèlement cette année-là est commercialisé le remix de I Feel Love de Patrick Cowley pour Disconet, pratique encore rare à l'époque mais promise à un bel avenir. Ce simple 12" contient une version dépassant le quart d'heure sur la face 1 et une version raccourcie sur la face 2.

Love Is In Control est rallongé pour le 12" avec en face 2 un instrumental tandis que l'album est édité en série limitée « picture disc » en Angleterre.

Paraît également en 1982 un titre inédit et confidentiel, Walk Hand In Hand (signé d'un certain B. Brodersen) figurant sur une compilation allemande multi-artistes Various Artists: Disco Round 2. La chanson passera totalement inaperçue et le contexte dans lequel la chanteuse l'a enregistrée demeurera énigmatique : la piste vocale daterait de 1973 et la piste instrumentale serait un rajout de 1982.

Enfin, l'année 1982 est marquée par la mort de Neil Bogart, emporté par un cancer.

Les deux albums suivants marquent un pas vers un succès moindre, bien que cela ne soit pas encore trop visible commercialement (celui de 1983 sera son dernier disque d'or avant longtemps). She Works Hard for the Money (1983), réalisé par Michael Omartian (qui avait partiellement arrangé l'album Donna Summer), donne lieu à la parution de trois simples : la chanson titre (n^o 3 aux États-Unis et n^o 20 en Angleterre), Unconditional Love et Stop, Look and Listen. Les deux premières chansons connaissent des versions longues. She Works Hard for the Money est comme Bad Girls n^o 1 R&B et, tout comme Bad Girls encore, une chanson féministe qui lui a été inspirée par un événement réel. Ce titre restera son plus gros succès des années 1980. L'album est sorti chez Mercury, maison de disques dépendant de Polygram, le label ayant racheté Casablanca et à qui Summer devait encore un LP, suivant les conclusions du procès qui l'opposa à Casablanca. David Geffen, propriétaire de Geffen records, déclarera n'éprouver aucun regret que l'album ne soit pas paru sous son label, craignant que la collaboration des deux « born-again Christians » (Summer et son réalisateur artistique Michael Omartian) ne débouche sur la réalisation d'un album trop empreint de gospel. Puis, elle rend la politesse à Musical Youth qui avait chanté sur Unconditional Love en participant à leur album Different Style (sur Incomunicando). Un 12" anglais est édité avec Love Has a Mind of Its Own, She Works Hard for the Money en version longue et People People. People People est édité en 45 tours en Hollande et He’s a Rebel en Espagne.

Toujours en 1983 sort Romeo, un extrait de Flashdance disponible en 45 tours promotionnel à une face en Argentine. Parallèlement, Love to Love You Baby est réédité en Angleterre.

Ses obligations envers Polygram étant remplies, Summer retourne chez Geffen avec Cats Without Claws en septembre 1984. Considérant le succès de She Works Hard for the Money, David Geffen donne son aval à une nouvelle collaboration avec Omartian, mais malheureusement, l'album se solde par un échec commercial, le premier de la chanteuse depuis 1974. La reprise des Drifters There Goes My Baby se classera n^o 21 et Supernatural Love et Eyes ne devront leur salut qu'à des remixes longs (signés respectivement Jürgen Koppers et Jellybean). Supernatural Love est accompagné en face 2 d'une version longue de I'm Free et d'un inédit, Face The Music (face 2 du maxi There Goes My Baby en Europe). Ces deux albums réalisés par Omartian ne sont pas foncièrement mauvais, mais manquent de relief et de personnalité. « De bien petites griffes » titre un journaliste en parlant de Cats Without Claws^{[réf. nécessaire]}.

Sa foi évangélique semble alors prendre le pas sur la musique et avec elle, le début d'une rumeur qui plombera la suite de sa carrière : lors d'une interview pour le journal newyorkais Village Voice en 1983, elle aurait formulé des remarques homophobes, qualifiant l'épidémie de VIH de « punition divine » à l'égard des homosexuels. Summer et ses agents tardent à réagir puis apportent des démentis jugés peu convaincants, avant que la chanteuse n'adresse finalement une lettre d'excuses à l'association Act Up en 1989. Les conséquences de la polémique seront profondes et durables.

Sort en 1985 chez Polygram une compilation sans grand intérêt, The Summer Collection, contenant des titres de 1977 (I Feel Love), 1978 (Heaven Knows), 1979 (Bad Girls, No More Tears) et 1983 (She Works Hard for the Money).

Retirée dans son ranch californien, Summer s'adonne alors à une nouvelle passion, la peinture. Après des chœurs sur The Girl's Back In Town, chanson extraite de l'album De la noche : The True Story de Paul Jabara (1986), parait en 1987 chez Casablanca une nouvelle compilation, The Dance Collection, regroupant la plupart de ses titres ayant fait l'objet de versions longues 12" (promotionnelles ou parues dans le commerce) durant la période 77-79. Il faut attendre fin 1987 pour son retour avec un album inédit, All Systems Go (essentiellement réalisé par Harold Faltermeyer, co-arrangeur des albums Bad Girls et The Wanderer). Le premier simple est Dinner With Gershwin (pourtant la dernière chanson à avoir été ajoutée à l’album, écrite par Brenda Russell et réalisée par Richard Perry), suivi de All Systems Go. L'album, peu marquant, est à nouveau un échec commercial. Dinner With Gershwin se classe tout de même n^o 13 en Angleterre. Dans Thinking 'Bout My Baby, le titre le plus personnel du disque qu'elle co-réalise, elle va jusqu'à chanter comme Rickie Lee Jones. Le troisième simple est Only The Fool Survives, duo avec Mickey Thomas. Un titre n'est pas inclus sur l'album : le très variétal Tearin' Down The Walls, coécrit par Siedah Garrett et réalisé par Michael Omartian (face 2 du 12" britannique de Dinner With Gershwin), dont la production sonne très Whitney Houston. Pour la venue du Pape aux États-Unis, elle chante aussi dans The Planet Is Alive.

Avec All Systems Go se termine la période Geffen de Summer (quatre albums en plus de celui de 1981).

1989, une certaine renaissance

Cet album est suivi en 1989 de Another Place And Time, paru chez Atlantic aux États-Unis et Warner en Europe, réalisé par Stock, Aitken et Waterman alors au faîte de leur succès. C'est une opération commerciale couronnée de succès mais qui transforme Summer en un simple produit de l'usine à hits des trois Anglais. Les simples qui en sont tirés sont nombreux : This Time I Know It's For Real (février 1989 ; remixes de Pete Hammond), Love's About to Change My Heart (août 1989 ; remixes de Phil Harding pour le marché anglais et de Robert Clivillés & David Cole pour le marché nord-américain), When Love Takes Over You (novembre 1989 ; remixes de Dave Ford) et Breakaway (1990 ; remixes britanniques de Harding-Curnow sur un simple avec Love Is In Control en face 2, et de Tony Humphries et Pete Hammond sur un autre avec I Don't Wanna Get Hurt remixé par Phil Harding en face 2 aux États-Unis). This Time I Know It's For Real est classé n^o 7 aux États-U]]> Mon, 23 Dec 2024 06:46:00 +0000 https://www.speed-one.fr/index.php/index.php/artistes/earth-wind-fire-21 https://www.speed-one.fr/index.php/index.php/artistes/earth-wind-fire-21 Earth, Wind and Fire est un groupe de jazz-funk américain originaire de Chicago dans l'Illinois. Le groupe est formé en 1969 à l'initiative de Maurice White. Il est notamment connu pour les tubes Fantasy (1977), September (1978), Boogie Wonderland (1979) ou Let's Groove (1981).

Sa plus notable particularité est sa capacité à innover en introduisant et en mélangeant de façon savante et inédite des éléments issus des traditions musicales africaines, brésiliennes, cubaines et caribéennes à son funk caractérisé par une section de cuivre de grande qualité (les Phenix Horns) et des arrangements empruntés aussi bien au jazz qu'à la musique symphonique.

La musique d'Earth, Wind and Fire est d'ailleurs parfois qualifiée de « funk symphonique ». Le groupe se démarque également par la complémentarité de ses deux chanteurs Maurice White (baryton) et Philip Bailey (capable de chanter en falsetto et dont les remarquables capacités vocales couvrent plusieurs octaves).

Biographie

Création

Maurice White, batteur de Ramsey Lewis Trio, rejoint à la fin des années 1960 deux de ses amis à Chicago pour créer leur propre groupe, « The Salty Pepper », renommé ensuite Earth, Wind and Fire. Le nom de Earth, Wind and Fire (en français : « Terre, vent et feu ») est une association des éléments de l'astrologie, l'élément originel air (« air ») ayant été remplacé par wind (« vent »). Le groupe participe à la bande originale du film Sweet Sweetback's Baadasssss Song en 1971. L'idée de White, selon lui, est de former un groupe pour les jeunes de sa génération à l'aspect spirituel et émotionnel mais il engage des musiciens qui ne correspondent pas à ce concept. Aussi, Bob Cavallo, son premier manager l'incite à changer tous les membres par de nouveaux, plus jeunes. C'est ainsi qu'arrivent au fur et à mesure des musiciens dont la plupart viennent de Chicago comme le leader : Verdine White le bassiste, Philip Bailey le percussionniste et chanteur à la voix de fausset, Ralph Johnson le batteur et chanteur, Larry Dunn le claviériste, Andrew Wolfock le saxophoniste, Al McKay, Johnny Graham (en) les guitaristes, tandis que Maurice White avant d'être l'un des chanteurs du groupe pour contrebalancer la voix de Philip Bailey commence comme batteur. Ce vivier, nourri par différentes sources comme le jazz, le blues, le gospel ainsi que des éléments empruntés à différentes traditions musicales (africaines, brésiliennes, cubaines?) donnera une identité musicale très forte et très riche au groupe. Dès lors, Earth, Wind and Fire sera une source d'inspiration pour beaucoup de musiciens.

De l'afro-jazz funk des années 1970 aux concerts dans les stades

En 1974, Maurice White, selon ses propres termes, souhaite donner plus de musicalité aux chansons suivantes. Pour ce faire, il choisit comme coproducteur Charles Stepney, qui va s'impliquer dans son rôle jusqu'à arranger, composer et donner des techniques de chant, en plus de gérer les intérêts du groupe. La mort de ce dernier quelques mois plus tard est si regrettée que Earth, Wind and Fire compose en son hommage dans l'album Spirit la chanson éponyme. L'album de 1975, That's the Way of the World, marque un tournant car le succès englobe même le public blanc. En enchaînant les hits, le groupe voit de plus en plus grand ; pour ses concerts géants dans les stades, il engage le couturier Bill Whitten puis intègre de la prestidigitation derrière quelques idées de Doug Henning et David Copperfield et enfin appelle George Faison pour les chorégraphies.

L'apogée, le déclin et la séparation momentanée

À la fin des années 1970, le groupe emprunte, à la demande de sa maison de disques, une voie plus grand public en réalisant des titres disco-funk, correspondant au « format radio », très en vogue à l'époque. Earth, Wind and Fire atteint son apogée avec les albums Gratitude (1975), All 'n All (1977), The Best of Earth, Wind & Fire, Vol. 1 (1978) et I Am sorti en 1979, année où il remplit le Wembley Arena cinq soirs de suite. Dès lors, les maisons de disques veulent accaparer les décisions artistiques du groupe pour qu'il continue de produire des hits, mais ceci précipite le déclin du groupe, puis la séparation de ses membres. Petit à petit, les éléments du groupe s'en vont, les tournées épuisent le leader Maurice White et l'année 1984 marque le premier arrêt du groupe.

La renaissance

Le retour de Earth, Wind and Fire s'opère en 1987. À partir de là, les albums sont plus espacés dans le temps. De nouveaux éléments intègrent le groupe, comme le chanteur et guitariste Sheldon Reynolds, les tournées continuent mais sans la participation de Maurice White, atteint de la maladie de Parkinson, qui pourtant apporte sa contribution aussi bien compositrice que vocale à chaque nouvel album.

Récemment, Wyclef Jean ou encore Eric Benet participent aux derniers opus.

Le 4 février 2016, Maurice White meurt.

Philip Bailey, Verdine White et Ralph Johnson, membres d'origine, se produisent toujours. Ils donnent un concert à l'Olympia en France le 24 juin 2016 et encore récemment le 7 juillet 2018 au Palais des Congrès à Paris.

Une formation parallèle : The Earth, Wind and Fire Experience

Al McKay, guitariste du groupe de 1973 à 1981, crée avec le trompettiste Michael Harris, lui aussi ancien membre du groupe, une formation : Earth, Wind and Fire Experience featuring Al McKay All Stars, qui reprend le répertoire de Earth, Wind & Fire. Cette formation surfe sur le nom du groupe et entretient le flou envers ceux qui pensent assister à des concerts du vrai groupe Earth, Wind & Fire.

Le vrai groupe Earth, Wind & Fire a rappelé entre autres le 20 février 2013 sur son compte Facebook qu'il n'avait rien à voir avec cette formation : « Une fois de plus, Earth, Wind & Fire ne se produira PAS en Allemagne. Le groupe qui se produira est Earth, Wind and Fire Experience. Pour ceux qui se posent la question, nous ne serons PAS là, c'est un tout autre groupe qui interprétera nos chansons ».

Al McKay fut aussi le guitariste de Ike et Tina Turner, des Temptations et de Sammy Davis Jr.

Dans la culture populaire

• Le générique de Ciné Dimanche, utilisé de juillet 1989 à août 1996 sur TF1, est l'intro du titre In the stone.
• Le groupe est cité dans la série télévisée Chuck avec le morceau September. De plus, Big Mike dit être un ancien membre du groupe avant son succès sous le nom de pluie (rain en anglais). Le groupe s'appelait alors Earth, Wind, Fire and Rain.
• Dans le film La Nuit au musée, le morceau September est interprété à la fin dans l'enceinte du museum d'histoire naturelle et, dans le deuxième volet, c'est le morceau Let's Groove qui y est interprété à la fin.
• Dans le film Intouchables, le personnage de Driss, alias Omar Sy, danse sur la chanson Boogie Wonderland. September passe en musique de fond pendant le générique.
• Dans le film Drumline (2002), la fanfare de l'université d'Atlanta A & T interprète une version instrumentale et différente, quoique rythmée et très bien soutenue, de la chanson In the Stone, retrouvée sur l'album I Am.
• Dans le dessin animé Kuzco 2, Kronk et Birdwell dansent sur Let's Groove.
• Dans la série The Mentalist, September est la chanson concluant la série.
• Dans le film Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978)
• Dans l'anime Pop Team Epic (2018), la chanson Let's Groove est parodiée durant l'épisode 4.

Membres

Membres actuels

• Verdine White - basse, voix (1970-1984, depuis 1987)
• Philip Bailey - voix, percussion, conga (1972-1984, depuis1987)
• Ralph Johnson - voix, percussion, batterie (1972-1984, depuis1987)
• B. David Whitworth - voix, percussion (depuis 1996)
• Myron McKinley - clavier, chef d'orchestre du groupe (depuis 2001)
• John Paris - batterie, voix (depuis 2001)
• Morris O'Connor - guitare principale, voix (depuis 2008)
• Serg Dimitrijevic - guitare rythmique, voix (depuis 2012)

Anciens membres

Phenix Horns

Phenix Horns fût la section cuivre d'Earth, Wind and Fire entre 1975 et 1983, qui collabora notamment avec Phil Collins et Genesis. Elle était composée de Don Myrick, Louis Satterfield, Rahmlee Michael Davis et Michael Harris. Elmer Brown n'a fait qu'un passage éclair puisqu'il n'est resté que quelques semaines dans le groupe. Les Phenix Horns se sont définitivement séparés en 1993 à la suite du décès de leur leader, Don Myrick, tué par la police.

Earth, Wind & Fire Horns est la section cuivre d'Earth, Wind and Fire depuis 1987. Elle est composée de Gary Bias, Reggie Young et Bobby Burns Jr., Raymond Lee Brown ayant quitté le groupe en 2004. Ils ont notamment travaillé en parallèle avec Kelly Clarkson et Queen Latifah.

Membres actuels

• Gary Bias - saxophone (1987-aujourd'hui)
• Reggie Young - trombone (1987-aujourd'hui)
• Bobby Burns. Jr. - trompette (2004-aujourd'hui)

Anciens membres

• Rahmlee Michael Davis - trompette (1975-1983)
• Michael Harris - trompette (1975-1983)
• Don Myrick - saxophone (1975-1983; mort en 1993)
• Louis Satterfield - trombone (1975-1983; mort en 2004)
• Raymond Lee Brown - trompettet (1987-2004)
• Elmer Brown - trompette (1979)

Chronologie des différentes formations d'Earth, Wind and Fire depuis 1970

Discographie

Albums

Albums live

• Gratitude (1975)
• Greatest Hits Live (1996)
• That's the Way of the World: Alive in 75 (2002)
• Live in Rio (2002)

Compilations notables

Singles

Liste non exhaustive

Notes et références

Notes

Références

Voir aussi

Articles connexes

• Maurice White
• Philip Bailey

Liens externes

• (en) Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • All About Jazz
  • AllMusic
  • Carnegie Hall
  • Discogs
  • Last.fm
  • Munzinger Pop
  • MusicBrainz
  • Muziekweb
  • Rate Your Music
  • Rock Hall of Fame
  • Rolling Stone
  • Songkick
  • SoundCloud
• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • Radio France
• Ressource relative à l'audiovisuel :
  • IMDb

Il se fait connaître en 1988 avec le titre N'importe quoi, qui sera suivi par plusieurs succès tels que Si tu veux m'essayer, Bienvenue chez moi, Caruso, Savoir aimer, Chanter, Et un jour une femme, Ma liberté de penser, ou encore Là où je t'emmènerai. Au total, il a vendu plus de 15 millions de disques.

Il est également une personnalité télévisuelle, il fait partie du jury de The Voice : La Plus Belle Voix en France de 2012 à 2018 ainsi que de 2021 à 2022.

Biographie

Enfance et jeunesse

Florent Pagny naît le 6 novembre 1961 à Chalon-sur-Saône. Fils de Jean Pagny, ébéniste, et d'Odile, secrétaire et fan de Luis Mariano, tous deux originaires de Saint-Laurent-d'Andenay dans un quartier ouvrier en bordure de champ appelé « la cité des quarts » en Bourgogne, il a grandi au sein d'une famille de quatre enfants. De Bourgogne, à Châtenoy-le-Royal puis à Saint-Rémy (où il vit de six à onze ans) sa famille déménage en 1972, passe par Divonne-les-Bains puis s'installe à Bonneville en Haute-Savoie^,, ville dont il devient citoyen d'honneur en 2017. À treize ans, il commence à chanter dans les cafés, sur les podiums de sa région et lors de radio-crochets reprenant des chansons de Luis Mariano, Michel Sardou ou Gérard Lenorman. À seize ans, en accord avec ses parents, il abandonne l'école et monte à Paris où il vit de petits boulots (baby-sitter, courtier en publicité, barman?). Parallèlement, il prend des cours de théâtre puis fréquente le conservatoire de Levallois-Perret durant trois ans^,. Il y apprend les bases du chant classique et développe sa voix de baryton-martin mais refuse d'entrer au Conservatoire national supérieur de musique de Paris pour devenir chanteur d'opéra, aspirant à une carrière pop française.

Années 1980 : de la comédie à la chanson

Florent Pagny commence sa carrière d'artiste comme acteur au cinéma ainsi qu'à la télévision. Barman de nuit dans la boîte Broad du quartier des Halles, il est repéré par Dominique Besnehard. Recalé lors de l'audition pour un petit rôle dans le film Diva, il rencontre en 1980 Marceline Lenoir qui devient son agent. Elle lui trouve, dès 1981, de petits rôles, notamment dans La Balance, L'As des as, L'Honneur d'un capitaine, Fort Saganne, Inspecteur la Bavure, Les Surdoués de la première compagnie et La Chaîne.

En 1987, il écrit et compose sa première chanson, N'importe quoi, qui est un réquisitoire contre la drogue, et qu'il a écrit pour un ami. Ce titre, produit par Gérard Louvin, connaîtra un grand succès (8 semaines à la première place du Top 50). Suit un second succès (Laissez-nous respirer) en 1988 et une reprise remarquée de Comme d'habitude en 1989.

Années 1990 : succès et difficultés

Son premier album, Merci, sort en 1990 et est certifié disque d'or.

Florent Pagny vit alors une histoire d'amour avec Vanessa Paradis^,, relation qui fait les choux gras de la presse, qui ne se prive pas de critiquer leur différence d'âge ainsi que sa forte personnalité. Principal auteur de ses chansons, Pagny réplique avec le titre Presse qui roule qui s'attaque directement aux journalistes. Le boycott de la presse écrite et des problèmes personnels causent un déclin des ventes^{[source insuffisante]}. Son deuxième album, Réaliste (1992), n'est pas un succès.

De 1993 à 1995, il participe aux spectacles des Enfoirés.

L'album Rester vrai (1994), dont il a écrit cinq titres, marque un renouveau : Jean-Jacques Goldman lui compose sous le pseudonyme de Sam Brewski trois chansons et lui présente de nouveaux collaborateurs. Si le premier single Est-ce que tu me suis est un échec en mai 1994 (2 semaines au bas du top 50), Si tu veux m'essayer, écrit également par Goldman, devient un succès en fin d'année. Finalement, l'album franchit la barre des 300 000 exemplaires. Bienvenue chez moi (1995), et la semi-compilation qui suit lui, permettent de renouer vraiment avec le succès avec près de deux millions d'exemplaires écoulés. Florent Pagny y reprend Caruso de Lucio Dalla et Oh Happy Day. Sa tournée en 1996 est une réussite avec un passage au Zénith de Paris et à Bercy.

Par la suite, Pagny décide de ne plus écrire ses chansons et d'être simplement interprète. Sa stratégie est couronnée de succès. Pour son nouvel album en 1997, Savoir aimer, Florent Pagny fait appel aux compositeurs du moment, Jean-Jacques Goldman, Erick Benzi, Jacques Veneruso ainsi qu'à un nouveau compositeur, Pascal Obispo, qui lui signe Savoir aimer avec Lionel Florence. Ce premier single a un succès immédiat tout comme l'album, salué par la profession qui lui décerne la Victoire de la musique de l'artiste interprète masculin remise le 20 février 1998.

Après un double-album live, Pagny sort un album de reprises, en 1999 : RéCréation. De Jolie môme à Antisocial, il mélange les genres sur des arrangements électroniques dans la veine du moment .

Années 2000 : des années créatives

Les années 2000 sont des années très riches pour Florent Pagny qui alterne les albums originaux et de reprises (du moins en partie) en changeant régulièrement de look et de style musical : Châtelet Les Halles en 2000, dont la plage-titre est signée par Calogero puis 2, un album de duos en 2001. La même année, il est le parrain de la première saison de la Star Academy sur TF1. Il prête sa voix à deux livres-disques pour enfants (les contes de la Baleine Bleue chez MFG) sur des textes de Jérôme Eho. Il sort l'album Ailleurs land en 2003 dont le premier extrait signé Obispo-Florence, traite de ses problèmes avec le fisc (Ma liberté de penser) et, enfin, en 2004, un album issu du répertoire lyrique, Baryton. Artiste apprécié d'un large public, Pagny connaît un succès régulier.

En 2006, il est condamné à 15 000 euros d'amende et six mois de prison avec sursis pour fraude fiscale, après ne pas avoir payé de TVA en 1997 et minoré ses revenus d’un demi-million d’euros pour les années 1996 et 1997^,,.

En 2006, son album Abracadabra est le premier depuis 1997 à ne comporter aucune chanson écrite par Pascal Obispo. Pagny se tourne davantage vers d'autres compositeurs comme Daran.

Il sort en 2007 un album de reprises de Jacques Brel intitulé Pagny chante Brel. En novembre 2008, il sort De part et d'autre, triple best-of comprenant 49 chansons dont quatre inédites. Il enregistre ensuite en Floride l'album C'est comme ça (2009) qui, contrairement à ce que son titre peut faire croire, est entièrement en espagnol.

Années 2010 : des projets diversifiés

En novembre 2010, il sort l'album original Tout et son contraire qui marque ses retrouvailles avec Pascal Obispo avec qui il chante en duo. En 2011, Florent Pagny se lance dans une tournée acoustique pour fêter ses 50 ans : il sillonne la France du 6 au 30 novembre. Pour cette série de spectacles dont les billets sont mis en vente sur vente-privee.com, il a choisi la configuration d’un set acoustique des plus intimistes qui fait suite à ses concerts au Théâtre Marigny en juin 2011. C’est simplement accompagné d’un piano et d’une contrebasse qu’il revisite des chansons de son répertoire et celles des grands noms de la chanson française tels que Piaf, Nougaro, Brel, Aznavour, Trenet, Barbara, Bécaud, ou encore Ferré.

De 2012 à 2018, il est coach de l'émission The Voice : La Plus Belle Voix. Stéphan Rizon, qu'il a coaché, remporte la première édition du télé-crochet, alors que Slimane lui offre une seconde victoire en tant que coach dans la saison 5. En 2016, il annonce qu'il arrêtera de participer à l'émission après celle de 2018.

Le 22 octobre 2012 sort l'album Baryton. Gracias a la vida, qui se vend à 100 000 exemplaires.

En juin 2013 sort le single Les murs porteurs, premier extrait de l'album Vieillir avec toi édité le 4 novembre de la même année, entièrement composé par Calogero et certifié disque de diamant.

En novembre 2014, il participe à l'album A Musical Affair d'Il Divo.

Le 29 avril 2016 sort son troisième album en espagnol, Habana. Enregistré à Cuba, l'album est écrit et composé par Raúl Paz et porté par le single Encore. Un nouvel album, Le Présent d'abord paraît le 22 septembre 2017. Le premier single, qui donne le titre à l'album, est sorti en mai 2017 et a été composé par Maître Gims. Un album de reprises de chansons francophones, intitulé Tout simplement, sort le 30 mars 2018.

Le 7 juin 2019 sort son 19^e album studio, Aime la vie. Il comprend C'est ta route, en duo avec Anne Sila.

Années 2020 : de nouveau coach dans The Voice

Florent Pagny est coach de The Voice : La Plus Belle Voix depuis la saison 1, avec 10 participations. Après une pause en 2019 et 2020, il retrouve son rôle de coach en 2021, dans la dixième saison, avec à ses côtés : Amel Bent, Marc Lavoine et Vianney, le nouveau venu. Atteint d’un cancer, il ne retrouve pas son fauteuil en 2023, pour la saison 12.

Vie privée

Entre 1982 et 1985, il a une relation tumultueuse et "toxique", selon ses propres dires, avec l'actrice Patricia Millardet.

Entre 1988 et 1991, il est le compagnon de la chanteuse Vanessa Paradis^,. Les médias s'émeuvent de cette relation, au vu de la différence d'âge des deux artistes (elle a alors 15 ans et lui 26 ans).

Depuis 1993, il vit en couple avec Azucena Caamaño (artiste peintre et ancien mannequin argentin), avec qui il a eu deux enfants, Inca (né le 17 mars 1996) et Aël (née le 26 mai 1999). Ils se sont mariés le 13 mai 2006. À partir de 1997, il partage sa vie entre la France et la Patagonie (Camarones). Cet exil lui permet, dit-il, de vivre une vie normale et équilibrée. En quittant la France, il a également choisi l'expatriation fiscale.

Le 27 janvier 2005, il est condamné pour fraude fiscale.

Depuis 2010, en fonction de ses activités, il jongle entre la France, Miami (États-Unis) et la Patagonie (Argentine).

En 2017, il s'installe au Portugal pour de « vraies raisons fiscales »^,. Il évoque ainsi les « trois règles fiscales » qui l’ont attiré : « pas d’impôt sur la succession, pas d’impôt sur la fortune, pas d’impôt sur les royalties pendant 10 ans ». Il rencontre en 2018 le président français Emmanuel Macron afin de discuter de ses impôts. Il revient en France en 2021, après la suppression de l’impôt sur la fortune décidée par le président français et la chute de l’industrie du disque, qui rendait moins avantageuse l’absence d’impôts sur les royalties offertes par le Portugal.

En 2023, il prend la décision de renoncer à consommer de la viande, pour participer à son échelle à la protection de l'environnement.

Problèmes de santé

Le 25 janvier 2022, il annonce souffrir d’un cancer du poumon et annule la tournée de ses 60 ans. En octobre 2022, sur le plateau de l'émission Taratata, il déclare aller mieux, après avoir déjà rassuré sur son état de santé en août.

Le 5 mars 2023, dans une interview donnée pour l'émission de TF1 Sept à huit, on apprend que sa maladie aurait récidivé. Le 2 avril, il confirme que son cancer est de retour et annonce qu'il va entamer une troisième chimiothérapie^,.

Le 17 juin 2023, il annonce sur RTL qu'il va désormais beaucoup mieux et que son cancer s'est désormais éloigné, il reste cependant prudent et continue à suivre un traitement.

Fin août 2023, il est réhospitalisé à la suite d'une évolution de son cancer.

Écriture

En avril 2023, Florent Pagny sort son autobiographie, Pagny par Florent (Fayard), écrite en collaboration avec Emmanuelle Cosso-Merad.

?uvres caritatives

Florent Pagny est parrain membre d'honneur de l'Association européenne contre les leucodystrophies (ELA). Le 1^er septembre 2023, un concert solidaire tourné en juin 2023 au profit de l’association est diffusé sur TF1, dans le concert, la carrière du chanteur est célébrée.

Il participe à sept reprises aux concerts des Enfoirés au profit des Restos du cœur (1993, 1994, 1995, 2002, 2016, 2019 et 2021).

Dans la culture populaire

• En 1991, le groupe d'humoristes Les Inconnus monte l'interview parodique d'un chanteur « moraliste » fictif, « Florent Brunel », suivi d'un clip caricatural. Le sketch est clairement inspiré de Florent Pagny et de Patrick Bruel.

• Le rappeur Kalash Criminel l'évoque dans son titre La Sacem de Florent Pagny (La Fosse aux lions, 2018).

Discographie

Albums studios

Compilations et intégrale

Albums live

Collaborations musicales

Chansons

Filmographie

Cinéma

Télévision

Films institutionnels

• 1982 : Tous les garçons s'appellent Philippe de Claude Lallemand (films SIRPA) : Philippe

Émissions de télévision

• 2001 : parrain de la Star Academy (saison 1) sur TF1
• 2012 à 2018, 2021 à 2022 et depuis 2025: coach dans l'émission The Voice : La Plus Belle Voix sur TF1

Hommage

L'astéroïde (197864) Florentpagny est nommé en son honneur.

Sources et références

• www.lescharts.com (classement des singles)

Voir aussi

Bibliographie

• 2002 : Il était une fois? Florent Pagny, Abécé (Éditions de la Lagune)
• 2009 : Florent Pagny, libre et vivant, Annie et Bernard Reval (Volum Editions)
• 2018 : Florent Pagny, l’homme qui marche, Hors Collection, Stéphane Deschamps et Valérie Alamo)
• 2023 : Pagny par Florent (Fayard)
• 2024 : Pagny par Ael (HapperCollins) (Livre de photos inédites)

Articles connexes

• Chanson française

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Elle commence, enfant, à chanter et faire de la musique avec ses frères avant d'enregistrer son premier disque. Elle est le symbole d’une jeunesse gentiment irrévérencieuse avec des tubes tels que Sacré Charlemagne, repris par les chorales et les écoles. Sa popularité dépasse les frontières à partir de 1965, date à laquelle elle remporte le premier prix en tant que candidate du Luxembourg au Concours Eurovision de la chanson avec le titre Poupée de cire, poupée de son, écrite et composée par Serge Gainsbourg. Cette chanson est traduite dans de nombreuses langues et France Gall devient célèbre en Europe, comme en Italie, et surtout en Allemagne, où elle est très populaire au début des années 1970.

Par la suite, sa popularité s'estompe en France jusqu'à sa rencontre avec l'auteur-compositeur Michel Berger, qu’elle épouse en 1976. Elle retrouve un important succès populaire à ses côtés, avec une série de tubes de 1974 jusqu'au début des années 1990. Elle interprète ainsi des chansons qu'il compose pour elle, comme La Déclaration d'amour, Si, maman si, Il jouait du piano debout, Résiste, Débranche, Diego libre dans sa tête, Babacar, Ella, elle l'a, Viens, je t'emmène ou Évidemment.

Outre ces chansons, ce couple d’artistes lance l'opéra-rock Starmania et s'engage contre la famine et la sécheresse au Mali, notamment avec l'ONG Action Écoles. France Gall et Michel Berger viennent de coécrire un nouvel album lorsque ce dernier meurt brutalement, en 1992. Après le décès de leur fille Pauline en 1997, elle quitte la scène. En hommage à Michel Berger, elle crée et veille aux représentations de la comédie musicale Résiste en 2015. Elle meurt d'un cancer à l'âge de 70 ans en 2018.

La chanteuse comptabilise plus de 20 millions de disques vendus dans le monde.

Biographie

Enfance et famille

Isabelle Geneviève Marie Anne Gall naît le 9 octobre 1947 dans le 12^e arrondissement de Paris.

Le père d'Isabelle Gall, Robert Gall (1918-1990), ancien élève du conservatoire, est un chanteur et auteur, entre autres, des Amants merveilleux pour Édith Piaf (1960) et de La Mamma pour Charles Aznavour (1963). Sa mère, Cécile Berthier (1921-2021), est la fille de Paul Berthier (1884-1953), cofondateur de la Manécanterie des Petits Chanteurs à la croix de bois. Elle est la nièce de Jacques Berthier (1923-1994), compositeur et organiste, cousine du guitariste Denys Lable, de Vincent Berthier de Lioncourt (fils de Jacques), fondateur, en 1987, du Centre de musique baroque de Versailles (CMBV) et de François Brochet, sculpteur.

La petite Isabelle est surnommée « Babou » par sa famille, surnom qu’elle portera jusqu'à sa mort.

Son père, devant son caractère affirmé, lui octroie le titre de « petit caporal ». Elle commence le piano à cinq ans, puis la guitare vers onze ans. Ses violons d’Ingres sont la peinture et les jeux de société. Vers l’âge de treize ou quatorze ans, elle fait de la musique avec ses deux frères, les jumeaux Patrice et Philippe : ils ont fondé un petit orchestre et jouent l'été sur les plages et l'hiver à Paris.

Elle voit défiler chez ses parents de nombreux artistes comme Hugues Aufray, Marie Laforêt ou Claude Nougaro. Enfant, elle accompagne quelquefois son père dans les coulisses de l'Olympia. Il lui fait même manquer l'école pour l'emmener voir Piaf, Bécaud ou Aznavour en concert à Bruxelles. Redoublante au lycée Paul-Valéry, elle rate son baccalauréat et abandonne ses études.

Carrière artistique

Débuts

Isabelle Gall donne son premier concert privé à Auxerre dans l'atelier de Noël Brochet, un cousin éloigné, qui est sculpteur.

Pendant les vacances de Pâques 1963, son père l'incite à enregistrer quelques chansons et remet les bandes à un éditeur musical, Denis Bourgeois. Le 11 juillet suivant, Denis Bourgeois lui fait passer une audition au théâtre des Champs-Élysées, où elle interprète cinq chansons^,. Du fait qu'elle est encore mineure (majorité à 21 ans à l'époque), c'est son père qui signe pour elle le contrat chez Philips où Denis Bourgeois est déjà directeur artistique de Serge Gainsbourg. Elle enregistre quatre titres avec l'arrangeur Alain Goraguer, jazzman et compositeur, qui a notamment travaillé avec Gainsbourg et Boris Vian.

Pour ne pas interférer avec Isabelle Aubret, alors grande vedette de la même maison de disques Philips, Isabelle Gall, à la demande du directeur artistique Denis Bourgeois, change de prénom. Elle devient « France Gall » à la scène. Ce prénom aurait été choisi par son père ou par Denis Bourgeois, tous deux grands amateurs de rugby, pour faire un jeu de mots avec le match France-Galles de rugby, médiatisé lors de l'enregistrement de ses chansons. Sur ce prénom France, la chanteuse commentera simplement plus tard :

« J’ai toujours été contre « France », je trouvais que c’était trop dur. « Isabelle », ça me correspondait, ça me plaisait. Je ne sais pas ce qui s’est passé pour que je me mette à aimer mon nom. Et maintenant c’est « France Gall ». C’est exactement moi. »

Le jour de ses seize ans, le 9 octobre 1963, ses chansons sont diffusées pour la première fois à la radio française. C'est le titre phare, Ne sois pas si bête, qui obtient le succès. France Gall se place à la 44^e place du hit-parade de Salut les copains du mois de novembre (derrière Tu n'y crois pas de Michel Berger et devant La Mamma de Charles Aznavour). Denis Bourgeois a alors une idée qui va s'avérer fructueuse. La carrière de son poulain Serge Gainsbourg piétine malgré plusieurs albums à son actif, ainsi que des compositions estimées pour des chanteurs rive gauche, comme Michèle Arnaud ou Juliette Gréco. Il propose à Gainsbourg d'écrire pour France Gall. Le compositeur signe N'écoute pas les idoles sur le deuxième 45 tours de la chanteuse, titre qui se place en tête du hit-parade du mois de mars 1964. À propos de Serge Gainsbourg, France Gall confie :

« C’est quelqu’un que j’avais du plaisir à voir parce que je l’admirais et j’aimais ce qu’il écrivait. Et j’aimais bien sa timidité, son élégance et son éducation. C’était très agréable comme relation. [?] J’étais très impressionnée que cet homme travaille pour moi et s’intéresse à moi? »

Avec le succès, elle quitte le lycée Paul-Valéry, où elle redoublait sa troisième. Paris Match du 21 mars 1964 lui consacre un article pour la première fois. Elle fait ses premiers pas sur scène le 14 avril 1964, en première partie de Sacha Distel, à l'Ancienne Belgique de Bruxelles. Elle hérite de l'impresario de ce dernier, Maurice Tézé, qui est également parolier. Sous la direction de cette équipe composée de vétérans du métier, France Gall a des difficultés à défendre le choix de son répertoire (la seule chanson qu’elle a coécrite, avec son père, est Pense à moi, sur une musique jazzy de Jacques Datin, un des quatre titres de son premier 45 tours).

Mais, cette équipe lui permet de créer un répertoire original, alors que la plupart de ses collègues yéyés recourent systématiquement à des adaptations de succès anglo-saxons. Formée à cette école, elle confie plus tard :

« Une interprète, déjà qu'elle n'écrit pas les paroles et la musique, si en plus elle pique les chansons des autres, si elle ne crée pas la chanson, cela n'a pas un grand intérêt. »

Outre son père et son frère Patrice, elle doit ses succès des années 1960 à la plume de grands auteurs et compositeurs français, dont beaucoup d’œuvres s’inscrivent au patrimoine de la chanson populaire : Gérard Bourgeois, Jean-Pierre Bourtayre, Vline Buggy, Pierre Cour, Joe Dassin, Jacques Datin, Pierre Delanoë, Jean Dréjac, Alain Goraguer, Hubert Giraud, Georges Liferman, Guy Magenta, Eddy Marnay, André Popp, Jean-Michel Rivat, Jean-Max Rivière, Gilles Thibaut, Frank Thomas, Maurice Vidalin et Jean Wiéner. S’ils donnent à cette femme-enfant de la chanson francophone les textes souvent stéréotypés d’une adolescente vue par des adultes, c’est Serge Gainsbourg qui apporte la note insolite en la promouvant « Lolita française » puisqu'elle en a toutes les caractéristiques : jeune, belle, ingénue au visage d'ange. De plus, les orchestrations hautement élaborées du jazzman Alain Goraguer harmonisent et unifient le style de cette jeune chanteuse qui navigue entre jazz, chansons enfantines et équivoques. À la scène, elle est successivement accompagnée par les groupes « Patrick Samson et les Phéniciens » puis par « Les Français ».

Cette période voit sortir Jazz à gogo (paroles de Robert Gall et musique de Goraguer), ainsi que Mes premières vraies vacances, œuvre du tandem Datin-Vidalin. L'association Gainsbourg-Gall se démarque durant l'été 1964 avec le tube Laisse tomber les filles, renforcé par Christiansen des duettistes Datin-Vidalin. Entretemps, Gainsbourg a capté son rire pour le coller sur Pauvre Lola, l'une des chansons de son album Gainsbourg Percussions, qui paraît la même année. Fin 1964, France Gall se plie aux demandes de ses managers en enregistrant un 45 tours destiné aux enfants. Son père lui écrit, sur une musique du compositeur Georges Liferman, un titre qu'elle enregistre à regret, Sacré Charlemagne :

« Sacré Charlemagne, j'en étais malade, je me souviens, je n'aimais pas du tout ça. Je ne l'aimais pas et pourtant je l'ai laissé sortir. C'est vous dire à quel point je ne maîtrisais pas la situation. »

Sacré Charlemagne connaît un grand succès en France, où il se classe n^o 2 des ventes, mais aussi en Espagne (n^o 20) et en Turquie (n^o 5). Cette chanson devient même l'hymne du mouvement de la jeunesse algérienne et donne, quelques décennies plus tard et à la demande des élèves du pôle scolaire d'Auvillers-les-Forges (Ardennes), le nom de « Rue du Sacré-Charlemagne » à celle qui passe devant leur école.

Eurovision et premiers succès

À l'automne 1964, France Gall apparaît sur la couverture du magazine Mademoiselle Âge tendre et tape dans l’œil de Serge Gainsbourg, qui en achète un exemplaire. Rentré chez lui, il commence à composer la chanson qui deviendra Poupée de cire, poupée de son. Il s'inspire pour les paroles de sa chanson des réponses de la jeune chanteuse dans l’interview du magazine. France Gall est ensuite sélectionnée pour représenter le Luxembourg au 10^e Concours Eurovision de la chanson qui a lieu en mars 1965. Elle est choisie par le biais de la station de radio RTL qui soutient le Luxembourg au concours et sélectionne des artistes pas forcément originaires du pays comme la chanteuse grecque Nana Mouskouri en 1963 ou l'auteur-compositeur-interprète français Hugues Aufray en 1964. France Gall a gain de cause en choisissant Poupée de cire, poupée de son sur les dix chansons qui lui sont proposées.

Le 20 mars 1965, l'équipe des « 3 G », Gainsbourg-Gall-Goraguer, est à Naples, à la Sala di Concerto della RAI (la salle de concerts des studios napolitains de la télévision italienne) où se tient le Grand Prix Eurovision de la chanson. Alors âgée de 17 ans, France Gall est la plus jeune concurrente de cette édition. Les répétitions sont interrompues par des incidents entre l'orchestre italien et la délégation luxembourgeoise. Les musiciens n'apprécient guère l'attitude à leur égard de l'auteur-compositeur de la chanson. Certains comparent sa partition au bruit d'une cavalcade et d'autres huent la chanteuse. Gainsbourg, furieux, claque la porte des répétitions et menace de retirer sa chanson du concours.

Un compromis finit par être trouvé, mais persiste une certaine tension qui se reflète dans l'attitude et la prestation de France Gall, déstabilisée par l'incident^,. En 2015, elle indiquera : « J’y suis allée, dans ma tête, tellement perdante. » Passant en quinzième position sur les dix-huit participants et sous la direction d'Alain Goraguer, elle chante en effet d'une voix mal assurée devant plus de 150 millions de téléspectateurs.

La singularité de la chanson étonne. Elle sera en tête du vote final (jurys nationaux uniquement lors de cette édition) du début jusqu'à la fin et finit par remporter le Grand Prix. La chanson obtient quatre fois la note maximale, mais huit pays, dont la France, ne lui attribuent aucun point. France Gall apporte ainsi la deuxième victoire au Luxembourg, quatre ans après le chanteur français Jean-Claude Pascal et son titre Nous les amoureux. Gainsbourg et France Gall reçoivent chacun la médaille du Grand Prix des mains de Mario Del Monaco. Pour la première fois dans l'histoire du concours, la chanson gagnante n'est pas une ballade. Elle rechante alors le titre tout à la fin de la soirée.

Le succès de Poupée de cire, poupée de son dépasse les frontières européennes et France Gall l'enregistre en trois langues : allemand, italien et japonais. La chanson atteint le top 10 de plusieurs pays : France, Allemagne, Espagne, Norvège, Danemark, Japon, Turquie, Argentine, Chili, Singapour, Autriche, Pays-Bas, Finlande, Suède? Elle est l'une des premières chansons de l'histoire du concours à rencontrer un tel succès. Le public français s'émeut et reproche à Gall et à Gainsbourg d'avoir gagné pour le Luxembourg et non pour leur propre pays ; elle rétorque qu'elle ne connait guère les coulisses de sa sélection par RTL, affirmant avoir choisi la chanson avec l'accord de l'« état-major du pays du Luxembourg ».

Elle confiera par la suite que Claude François, resté en France, lui a annoncé la rupture de leur couple au téléphone juste après l'annonce de sa victoire, ce qui l'aurait déstabilisée alors qu'elle devait retourner sur scène interpréter la chanson^,. « Tu as gagné, mais tu m’as perdu », lui aurait alors dit le chanteur. De plus, juste après avoir remporté le concours, France Gall est giflée dans les coulisses par Kathy Kirby, la représentante du Royaume-Uni, classée deuxième avec la chanson I Belong et persuadée de s'être fait voler la victoire alors qu'elle était la favorite de cette édition. France Gall éclate en sanglots, la presse, ignorant la situation, pense qu'il s'agit de larmes de joie. Elle est bouleversée lorsqu'elle réinterprète la chanson à la fin de l'émission. Elle n’assiste pas à la conférence de presse du lendemain afin de regagner Paris pour se réconcilier avec Claude François.

• France Gall, aux Pays-Bas en mai 1965 après sa victoire à l'Eurovision

• « Nous avons découvert le fiancé secret de France Gall » (Claude François).

Elle part pour une tournée d'été de plusieurs mois sur les routes françaises avec le chapiteau du Cirque de France. Son frère Philippe a remplacé le bassiste de l'orchestre. Elle continue d'engranger des succès écrits par Gainsbourg : il y a Attends ou va-t'en puis, à la fin de l'année, Nous ne sommes pas des anges ainsi que L'Amérique du parolier Eddy Marnay et du compositeur Guy Magenta.

Le 5 mars 1966, elle est présente à la villa Louvigny à Luxembourg, au Grand Prix Eurovision de la chanson européenne 1966. Pour rappeler le vainqueur de l'année précédente, l'orchestre joue Poupée de cire, poupée de son. À la fin du morceau la caméra filme une vue d'ensemble de l'orchestre avant un gros plan sur France Gall. Au terme de la soirée, elle remet la médaille du Grand Prix à Udo Jürgens, le gagnant autrichien avec la chanson Merci, Chérie.

À la suite de cette collaboration avec la chanteuse, Serge Gainsbourg rend hommage à France Gall, en 1978, dans l'émission Numéro un, en confiant à son mari Michel Berger :

« France Gall m'a sauvé carrément la vie, puisque j'étais un marginal. En 1964, N'écoute pas les idoles, en 1965, l'Eurovision avec Poupée de cire, poupée de son et là, les portes se sont ouvertes. Maintenant, je ne suis plus un marginal, mais c'est toi qui es avec France Gall. »

Nouvelles collaborations avec Gainsbourg

L'année 1966 débute avec un nouveau tube de Gainsbourg, Baby pop, un texte que France Gall qualifie de « brutal », mais dont on n'écoute pas la noirceur des paroles chantées par cette adolescente de dix-huit ans.

France Gall figure sur la « photo du siècle » regroupant 46 vedettes françaises du yéyé en avril 1966.

En revanche, l'œuvre suivante de Gainsbourg, Les Sucettes, commentée par les propos appuyés de son auteur, déclenche un vent de scandale grandissant au fil des mois. Ce succès s'accorde mal avec les autres chansons naïves du même disque, telles que Je me marie en blanc, Ça me fait rire et Quand on est ensemble. D'autant plus que, parallèlement, dans le spectacle télévisé Viva Morandi, qui s’inscrit dans la mouvance psychanalytique du dernier film de Fellini, Juliette des esprits (1965), elle incarne l’une des deux jeunes filles en fleurs, sorties des bouches d'ombre, qui troublent le yéyé italien Gianni Morandi à la recherche de l'amour. Elle est « La Grâce » qui chante Les Sucettes (précédée d'un écriteau spécifiant « Fantaisie ») aux côtés de Christine Lebail qui est « La Pureté ». Ces interprétations contradictoires des Sucettes déroutent et provoquent un malaise dont France Gall ne sort pas indemne quand elle comprend, trop tard, qu'elle a été manipulée dans un but médiatique. Ce qui lui fait dire : « Je n'aime pas susciter le scandale. J'aime qu'on m'aime. »

Désormais, ses disques suivants, même expurgés de la signature gainsbourgienne, sont suspectés de visées bassement mercantiles. Ainsi, on lui reproche sa chanson Bonsoir John-John dédiée au fils de John Fitzgerald Kennedy, John Fitzgerald Kennedy, Jr. :

« ? France Gall : En France, on m'est encore tombé dessus.
? Philippe Constantin : Ah ! Oui ! Accusée de nécrophilie? Braves ménagères françaises, si elles avaient vu, aux USA, les ravissants coquetiers à l'effigie de Kennedy, avec la trace des balles dessinées en rouge sur le support? »

Au début de l'année 1967, son duo avec Maurice Biraud, La Petite, évoquant une gamine convoitée par un ami du père, traîne ce disque vers le bas en éclipsant la poétique Néfertiti de Gainsbourg.

Son 45 tours suivant est enregistré avec l'orchestrateur David Whitaker, talentueux compositeur anglais. De nouveaux auteurs, Frank Thomas et Jean-Michel Rivat, associés au compositeur-chanteur Joe Dassin, ont écrit pour France Gall Bébé requin, succès qui occulte les autres titres. Teenie weenie boppie, chanson avec laquelle Gainsbourg signe une charge contre le LSD, fait un flop qui marque la fin de leur collaboration au moment où Gainsbourg diversifie ses productions pour France Gall, notamment avec leur duo consacré à la peine de mort, Qui se souvient de Caryl Chessman ?, qui n'est pas commercialisé.

Succès en Allemagne et déclin en France

Dès 1966, France Gall entame une carrière en Allemagne où elle enregistre régulièrement jusqu'en 1972 avec une équipe, notamment avec le compositeur et orchestrateur Werner Müller. Des vedettes comme Heinz Buchholz ou le compositeur de musiques de films Giorgio Moroder (Midnight Express, Top Gun) lui écrivent Love, l'amour und liebe (1967), Hippie, hippie (1968), Ich liebe dich, so wie du bist (1969) et Mein Herz kann man nicht kaufen (1970). Quelques-uns de ses autres succès en allemand : Haifischbaby (Bébé requin), Die schönste Musik, die es gibt (« Music to Watch Girls By »), Was will ein Boy (1967), A Banda (Zwei Apfelsinen im Haar), Der Computer Nr. 3 (1968), Ein bißchen Goethe, ein bißchen Bonaparte, I Like Mozart (1969), Komm mit mir nach Bahia, Miguel (1972).

En France, elle ne connait plus de succès discographique et son association avec Serge Gainsbourg ne fonctionne plus. Même certaines de ses chansons pour enfants enregistrées en 1966 ne lui épargnent pas des jugements peu amènes, car soupçonnées rétrospectivement d'être pernicieuses (Les Leçons particulières)^{[réf. nécessaire]}. Les mises en scène corrosives de Jean-Christophe Averty lui faisant commander un troupeau d'hommes à quatre pattes pour illustrer sa chanson enfantine J'ai retrouvé mon chien dans son émission télévisée Les Raisins verts, n'arrangent pas les choses, comme en témoigne France Gall dans Les Inrockuptibles : « Mon personnage s’est parfois retrouvé transformé par les gens avec lesquels je travaillais. Je pense notamment à une émission de télé où je chantais J'ai retrouvé mon chien. Jean-Christophe Averty avait imaginé une mise en scène ahurissante où j’étais debout, en jupette, avec trois laisses à la main et, au bout des laisses, il y avait des vieillards et des clochards à la place des chiens. Dans le monde prude de la télé de l’époque, ça a provoqué un scandale incroyable ! »^{[source insuffisante]}.

Avec David Whitaker, elle enregistre un autre 45 tours avec une nouvelle œuvre du trio Thomas, Rivat et Dassin, Toi que je veux, mais cela ne fonctionne pas non plus. Les arrangements de bonne facture, tels ceux de la Chanson indienne, composée par Whitaker, ne sauvent pas le disque. En 1968, elle retrouve son orchestrateur Alain Goraguer pour son nouveau disque. Les quatre titres, le jazzy Le Temps du tempo (paroles de Robert Gall et musique de Goraguer), le pop Dady da da (paroles de Pierre Delanoë sur la musique composée par Michel Colombier pour l'indicatif original nommé The Big Team du magazine TV Dim, Dam, Dom), le folk La Vieille Fille de Rivat et Dassin et le classique Allo ! Monsieur là-haut du compositeur Gérard Gustin avec des paroles écrites par le comédien Philippe Nicaud, sont balayés par Mai 68. Elle quitte alors Paris pour ne pas vivre ces événements :

« Ah la la, ce que j'ai pu avoir peur. Au début, je n'éprouvais qu'une certaine irritation. À cause des batailles du Quartier latin et des grèves, voilà que la sortie de mon nouveau super 45 tours était compromise. Moi qui avais tant travaillé pour qu'il soit réussi. Et à l'irritation a succédé la peur. Une peur carabinée. »

Ses chansons suivantes, malgré la sensuelle et délicate jazzy Y'a du soleil à vendre écrite par Robert Gall sur une musique d'Hubert Giraud ou les compositions de Dassin (Toi que je veux, 24 / 36, Souffler les bougies), ne suscitent pas d'intérêt. France Gall profite, fin 1968, de sa récente majorité, vingt et un ans à l'époque, et de l'échéance de son contrat chez Philips la même année pour voler de ses propres ailes en se séparant de Denis Bourgeois.

Elle enregistre début 1969 pour une nouvelle maison de disques, La Compagnie, née de l'association d'artistes comme Hugues Aufray, Nicole Croisille et Michel Colombier.

Avec La Compagnie et Norbert Saada comme producteur de musique et directeur artistique, France Gall commence une traversée du désert avec des enregistrements où le meilleur côtoie souvent le pire, sans qu'elle réussisse à trouver un style cohérent. Elle s'égare dès 1969 avec deux adaptations : l'une originaire d'Italie, L'Orage (La Pioggia), qu'elle défend pourtant avec Gigliola Cinquetti au festival de Sanremo 1969, et l'autre créée par la Britannique Barbara Ruskin, Les Années folles (Gentlemen Please). Elle se remémore cette époque lors d'un entretien accordé aux journalistes de Platine magazine en 1996 :

« ? Platine : Vous avez souffert de ce creux de la vague ?
? France Gall : Qu'est-ce que je n'étais pas bien ! C'est assez angoissant à vingt ans de ne pas avoir d'argent quand on en a eu beaucoup à seize.
? Platine : La Compagnie, c'était une galère ?
? France Gall : Galère, c'est le mot ! Hallucinant. Je suis même allée au festival de Sanremo défendre L'Orage avec Gigliola Cinquetti. Là, j'ai même chanté avec little Stevie Wonder. Je me souviens avoir été très mauvaise. »

Le meilleur est ignoré, tels Les Gens bien élevés de Frank Gérald et Hubert Giraud et La Manille et la Révolution de Boris Bergman et Hubert Giraud et, en 1970, Zozoï, paroles de Robert Gall sur une musique du brésilien Nelson Angelo et Les Éléphants, paroles de Jean Schmitt et musique de Jean Géral. De plus, sa maison de disques La Compagnie fait faillite.

Parallèlement, France Gall est la spectatrice assidue de la version française de la comédie musicale Hair où Julien Clerc tient le premier rôle ; c'est ainsi qu'en août 1969 elle entre dans la vie de Julien Clerc. Mais, souffrant de rester dans son ombre alors qu'elle est en pleine traversée du désert artistique, elle finit par le quitter en 1974. Bien avant leur rupture, il a néanmoins composé la musique d'une chanson conçue pour elle, Chasse-neige (1971), tandis que leur séparation lui inspire Souffrir par toi n'est pas souffrir (1975), les paroles de ces deux chansons sont signées Étienne Roda-Gil.

En 1971, elle est la première artiste à enregistrer en France pour le label américain Atlantic. Mais même avec des prestigieux auteurs comme Jacques Lanzmann et son C'est cela l'amour (sur une musique blues de Paul-Jean Borowsky ? ex-Martin Circus) ou Étienne Roda-Gil avec Chasse-neige et Caméléon, caméléon, cela ne fonctionne pas. France Gall se tourne alors à nouveau vers Gainsbourg. Il lui écrit, en 1972, Frankenstein et, sur une musique de Jean-Claude Vannier, Les Petits Ballons, tentative de réédition du succès sulfureux des Sucettes qu'elle accepte d'enregistrer pour le label EMI-Pathé, mais cela ne fonctionne toujours pas. Elle travaille avec Jean-Michel Rivat comme directeur artistique et, malgré la maturité des textes de celui-ci, c'est encore le flop avec 5 minutes d'amour et La Quatrième Chose (1972), puis avec les deux chansons de son 45 tours suivant, Par plaisir et Plus haut que moi (1973).

En 1971, elle participe avec son frère Patrice à un roman-photo que le magazine Télé Poche publie en huit épisodes, et qu'elle commente ainsi aux journalistes de Platine magazine : « Pour moi, ce roman-photo, c'était la déchéance. L'étape d'après aurait été de faire un film porno (rires) ».

Rencontre avec Michel Berger

Au printemps 1973, France Gall, au volant de sa petite Austin, roule dans les rues de Paris. Son poste de radio allumé, elle entend, subjuguée, la chanson Attends-moi interprétée par Michel Berger. À l'occasion de leur rencontre lors d'une émission de radio, elle lui demande s'il peut lui donner son avis à propos des chansons que son producteur voudrait lui faire enregistrer. Bien que Michel Berger soit déconcerté par la pauvreté des chansons proposées à France Gall, il n'est pas question pour lui d'une collaboration entre eux. Ce n'est que six mois plus tard, en 1974, qu'il accepte d'écrire pour elle, après qu'elle a fait une voix sur le titre Mon fils rira du rock'n'roll du nouvel album de Berger (Chansons pour une fan), et après que l'éditeur de Gall le lui a proposé. La chanteuse a déjà décidé : « Ce sera lui ou ce sera personne ».

C'est ainsi que naît en 1974 La Déclaration d'amour, premier succès d'une longue liste, et que la carrière de la chanteuse prend un nouvel essor :

« Premier disque, première chanson. J'attendais tellement de cette première fois que quand il m'a joué la chanson au piano, j'ai été? comment dire? un peu déçue. Je rêvais d'une chanson rythmique, et me voilà avec une sensuelle déclaration. Le jour du studio, j'étais un peu tendue. Après une ou deux prises, Michel était content. Dans la foulée, il me demande d'écrire un texte parlé sur l’ad lib de la fin comme si j'avais fait ça toute ma vie, écrire ! Il s'est rendu compte qu'il manquait un solo de guitare à deux heures du matin. Effondré, il ouvre la porte du studio et croise un guitariste qui travaillait à côté et qui rentrait chez lui. En un quart d'heure, la guitare de Jean-Pierre Castelain s'imprimait sur la bande seize-pistes où le piano de Michel, omniprésent, donne à lui seul le balancement bien particulier de cette chanson. Premier cadeau. Le public a été là tout de suite. »

Elle ajoutera à propos de cette rencontre décisive : « Ça a transformé mon existence, ma vie. Ça m’a apaisée ».

Le 6 janvier 1976, après douze ans de carrière, paraît son premier album studio enregistré comme tel (les neuf précédents étant plutôt des compilations des titres parus en 45 tours), France Gall, enregistré en 1975. L'interprète s'entretient à ce sujet avec le journaliste Richard Cannavo : « C'est mon premier album ! C'est un truc énorme pour moi ». Richard Cannavo ajoute : « Ce premier album, c'est une manière d'effacer définitivement la France Gall des sixties : on est passé à autre chose. »^,.

Création familiale et musicale

Comme un cadeau prénuptial, Michel Berger consacre son Numéro un, diffusé le 22 mai 1976 sur TF1, à l'écriture d'une comédie musicale, Émilie ou la Petite Sirène 76, inspirée du célèbre conte d'Hans Christian Andersen et dont l'héroïne est, bien sûr, France Gall : « C'est la date de cette émission qui a déterminé la date de notre mariage un mois plus tard ». Il en reste un duo du couple, succès de l'été : Ça balance pas mal à Paris. Les deux artistes se marient effectivement le 22 juin 1976 à la mairie du 16^e arrondissement de Paris. Par cette alliance, France Gall devient la belle-fille du professeur Jean Hamburger, membre de l'Académie française, et de la pianiste Annette Haas. Deux enfants naissent de cette union : Pauline Isabelle (Neuilly-sur-Seine, 14 novembre 1978 - Paris, 15 décembre 1997 morte de la mucoviscidose) et Raphaël Michel (Boulogne-Billancourt, 2 avril 1981). Gall partage avec Berger ses années de travail et une vie familiale qu'elle privilégie.

Sous l'impulsion de Berger, elle reprend goût à la scène. En 1978, elle monte de nouveau sur les planches, celles du théâtre des Champs-Élysées (où elle a auditionné quinze ans plus tôt), pour un spectacle intitulé Made in France. Outre le fait que les duettistes travestis brésiliens Les Étoiles assurent un intermède (contesté) en milieu de spectacle et que France Gall enchaîne avec eux en reprenant une de ses chansons de 1973, la bossa nova Plus haut que moi (adaptation française de Maria vai com as outras, écrite, composée et interprétée à l'origine par les Brésiliens Vinícius de Moraes et Toquinho) ; une des originalités de ce spectacle est qu'il repose sur une formation exclusivement composée de femmes : à l'orchestre, aux chœurs et à la danse. Comme un pied de nez à son ancienne carrière, le spectacle commence par les premières notes mélodieuses de Poupée de cire qui laissent place au rythme survolté de Musique présentant « la nouvelle France Gall » au public.

En 1979, c'est un spectacle inédit auquel France Gall participe dans le rôle de Cristal et qui restera dans les mémoires. L'opéra-rock Starmania est présenté pendant un mois au Palais des congrès de Paris. Composé par Michel Berger et écrit par l'auteur québécois Luc Plamondon, c'est une réussite, alors que ce genre musical ne rencontrait pas les faveurs des producteurs en France.

Le tube Il jouait du piano debout, qui fait écho au rocker et musicien américain Jerry Lee Lewis, issu de l'album Paris, France, obtient un grand succès populaire durant l'été 1980. À la même époque, Elton John qui vit une partie de l'année en France, découvre la musique du couple. Il les contacte pour une collaboration. De cette rencontre naîtront Donner pour donner et Les Aveux, deux titres réunis en 1980 sur un 45 tours qui atteindra bientôt le sommet du hit-parade français, et une solide amitié en découlera.

Après la sortie de l'album Tout pour la musique en 1981, France Gall investit début 1982 le Palais des sports de Paris pendant 3 semaines à guichets fermés, pour présenter un spectacle novateur, haut en couleur et en musiques électriques. Le public reprend en chœur les chansons, dont deux titres devenus depuis des standards de la chanson française : Résiste et Il jouait du piano debout.

Entre 1980 et 1985, elle est présente pendant 36 semaines au classement du Top album, avec ses albums Paris, France et Débranche ! ayant respectivement été n^o 1 pendant 12 et 9 semaines.

Musique et actions humanitaires

Les années 1980 sont celles des grandes actions humanitaires dont l'impulsion est donnée par des Anglo-Saxons et le tube de leur Band Aid. France Gall se joindra aux Chanteurs sans frontières, à l'initiative de Valérie Lagrange et sous l'égide de Renaud, pour offrir, en 1985, un SOS Éthiopie au profit du pays en question.

En septembre 1984, elle prend le relais du même Renaud, au nouveau Zénith de Paris, pour une série de concerts durant trois semaines. Elle y interprète notamment les chansons de son album Débranche ! sorti en avril 1984 : Débranche, Hong-Kong Star, Calypso et Cézanne peint.

Les années 1985 et 1986 voient France Gall avec Michel Berger, Richard Berry, Daniel Balavoine et Lionel Rotcage œuvrer notamment pour le Mali grâce à leur association Action Écoles. Ce sont des écoliers volontaires qui récolteront des denrées de première nécessité pour ces pays d'Afrique où sévissent la famine et la sécheresse. Ainsi, des tonnes de nourriture et des pompes à eau seront expédiées sous l'œil vigilant des artistes.

À la suite de la mort accidentelle de Daniel Balavoine le 14 janvier 1986, France Gall chante en 1987 le titre Évidemment, naturellement écrit par Berger, en hommage à leur ami disparu. Ce titre figure sur l'album Babacar. Dans cet album, est également gravé le titre Ella, elle l'a, hommage à la chanteuse de jazz Ella Fitzgerald, qui est resté en tête des ventes durant quatre semaines en Allemagne, cinquième single le plus vendu cette année-là et qui a eu encore plus de succès qu'en France. Comme un apogée, Babacar reste l'album le plus vendu de sa carrière pourtant déjà très riche en succès.

Lors d'un passage à Grenoble en octobre 1987, France Gall est abordée par un jeune fan de seize ans venant de participer à une émission de RTL consacrée à de jeunes talents. Elle décèle immédiatement les qualités du jeune Calogero et en parle à sa maison de production Apache. Calogero dira plus tard « qu'après l'avoir rencontrée, [il] étai[t] certain de réussir [s]on rêve ».

L'album Babacar donne lieu à un nouveau spectacle. C'est l'éblouissant Tour de France 88 mis en scène par Berger. Représenté à guichets fermés durant 6 semaines au Zénith de Paris fin 1987, il est suivi d'une tournée triomphale qui s'étalera jusqu'en 1988. France Gall est accompagnée sur scène par le groupe de cuivres américains Phenix Horns (section de cuivre de Earth, Wind and Fire, Phil Collins et Genesis) et par la troupe africaine de Doudou N'diaye Rose. Elle considérera ce spectacle et la puissance du mélange de musiques des trois continents comme le sommet de sa carrière.

France Gall, qui a déjà songé à arrêter sa carrière, est interviewée à cette occasion par Richard Cannavo :

« ? Lorsque vous préparez un spectacle, vous vous dites que c'est peut-être le dernier ?
? Non, mais je me dis que je n'en offrirai plus des quantités, ça c'est sûr? Mais ce n'est pas le dernier, parce que le dernier ce sera Michel et moi. En attendant, vous n'imaginez pas combien je vais en profiter, de celui-là. Vous ne pouvez pas vous imaginer ! De chaque soir, de chaque seconde ; il faut que j'amasse un maximum, des émotions, des souvenirs, pour « après »? Parce que le jour où je m'arrêterai, ce sera quelque chose de très douloureux? Mais c'est une chose à laquelle je me prépare depuis des années déjà. Tant que je me sens proche de mon public, ça va. Mais un jour je m'arrêterai, c'est sûr. Je crois que ce qui sera plus fort que ma passion pour ce métier, c'est la crainte de tout gâcher. Parce que ce qui me fait peur surtout, c'est l'idée de ne pas me rendre compte que je vieillis, et que je ne parle plus le même langage. C'est ça qui me fera décrocher : lorsque je ne parlerai plus « leur » langage. Et je veux que ce soit par ma propre volonté, par-delà ma tristesse. »

Elle désire pourtant interrompre sa carrière après le tourbillon du succès de l'album Babacar et de la tournée consécutive ? à la surprise de Michel Berger, qui lui en veut beaucoup sur le moment au point de se sentir trahi.

Mort de Michel Berger

France Gall prend du recul et enregistre peu pendant les années qui suivent. Elle ne consent à reprendre le chemin des studios qu'à condition d'enregistrer un album avec Michel Berger. Elle s'investit comme jamais dans cette création à deux voix, pas tout à fait un duo ; l'album Double Jeu sort en juin 1992. France Gall et Michel Berger ont tourné ensemble le clip du titre-phare Laissez passer les rêves. Ils annoncent une série de concerts dans des salles parisiennes comme La Cigale et Bercy.

L'été 1992, Michel Berger se repose aux côtés de son épouse dans leur propriété de Ramatuelle, dans le sud de la France, où il meurt le 2 août d'une crise cardiaque à la suite d'une partie de tennis avec Marie-Françoise Holtz.

Selon les confidences en 2012 de Franka Berger, la sœur de Michel Berger, et de Bernard Saint-Paul, un proche collaborateur de Véronique Sanson, Michel Berger vivait une histoire sentimentale avec Béatrice Grimm, jeune mannequin et apprentie-chanteuse durant les mois précédant son décès en 1992, et projetait de s'installer avec elle dans une maison à Santa Monica. Grégoire Colard, l'agent de Michel Berger et de France Gall qui avait cessé de travailler pour eux en 1990, affirme que France Gall était parfaitement au courant de la liaison extraconjugale de son époux et qu'elle en parlait librement. À contrario, Serge Perathoner et Jannick Top, musiciens et proches collaborateurs de Michel Berger jusqu'à sa mort n'ont pas eu connaissance d'une liaison de l'artiste avec Béatrice Grimm^{[source insuffisante]}.

Michel Berger est inhumé au cimetière de Montmartre à Paris, dans la 29^e division. Après une bataille juridique l'opposant à Franka Berger (alors tutrice d'Annette Haas, la mère de Michel), France Gall obtient en octobre 1999 le transfert de la sépulture dans la concession de leur fille Pauline, située quelques mètres plus loin, et que la chanteuse fait transformer en maison de verre le 12 décembre 2012.

Fin de carrière et comédie musicale Résiste

Avec la disparition de Michel Berger, le projet de concerts en duo est interrompu et France Gall décide de « ne pas enterrer » ce dernier album et de le défendre seule sur scène à Bercy. Rendez-vous est pris au printemps 1993.

France Gall participe au spectacle des Enfoirés : Les Enfoirés chantent Starmania le 26 février 1993 à la Grande halle de la Villette à Paris. Ce spectacle, réunissant 25 artistes (suivi de la sortie de l'album en octobre de la même année), est uniquement composé de chansons issues du spectacle musical Starmania. France Gall y interprète Un garçon pas comme les autres. C'est sa première apparition publique après le décès de Michel Berger.

Très affectée par le décès de Michel Berger, elle apprend pendant les répétitions de son spectacle de Bercy être atteinte d'un cancer du sein. Le spectacle et la tournée sont repoussés en septembre 1993, le temps des soins et du rétablissement.

Prévu pour 6 dates, Bercy rencontrera un vif succès et 2 dates supplémentaires devront être ajoutées. 1^re scène depuis plus de 6 ans, le public communie avec France dans un spectacle minimaliste et dantesque à la fois (elle le présentera en disant « il y aura, je crois, un esprit... »).

Le 27 janvier 1994, elle fait partie des 28 artistes du spectacle Les Enfoirés au Grand Rex.

À peine la tournée de Bercy terminée, France Gall décide d'enchaîner avec la création d'un nouveau spectacle qui donnera lieu à des représentations à la salle Pleyel ainsi qu'à une nouvelle tournée en France et en Belgique en septembre 1994. Le spectacle se veut plus joyeux et dansant qu'à Bercy. Elle confiera plus tard s'être « noyée dans la musique » après la disparition de Michel, comme une bouée pour surmonter l'épreuve et vivre dans la musique de son pygmalion.

En 1995, elle vit quelques mois à Los Angeles avec ses enfants. Loin des souvenirs, elle enregistre l'album France constitué de reprises de chansons de Michel Berger et d'elle-même, dans un style New Jack. Elle est entourée de très grands musiciens américains et de son nouveau compagnon Bruck Dawit.

En 1996, elle est l'invitée d'honneur de l'émission Graines de star, présentée par Laurent Boyer sur M6. Les candidats du télé-crochet, parmi lesquels se trouvent Nâdiya et Thierry Baumann, interprètent ses chansons.

L'album France annonce une nouvelle tournée et un spectacle à l'Olympia à l'automne 1996.

Les problèmes de santé de sa fille Pauline étant de plus en plus fréquents, elle décide de mettre définitivement un terme à sa carrière de chanteuse en donnant un Concert Privé sur la chaîne M6 en 1997. Comme pour boucler la boucle, elle y reprend notamment Attends ou va-t'en, sa « chanson préférée » de Gainsbourg que celui-ci lui avait écrite en 1965, et interprète en duo avec Charles Aznavour La Mamma, chanson écrite par son père Robert Gall. Fin 1997, Pauline meurt à 19 ans de la mucoviscidose.

Approchée en 1998 par Pascal Obispo, qui lui présente des compositions, elle ne donne pas suite.

Les 12 et 15 août 2000, elle fait deux apparitions sur la scène de l'Olympia, pour interpréter Quelque chose de Tennessee en duo avec Johnny Hallyday. C'est la dernière fois qu'elle chante sur scène. Elle n'apparaît quasiment plus dans les médias.

En septembre 2002, les participants à la deuxième saison de Star Academy font de la chanson Musique leur hymne qui figurera sur l'album Star Academy chante Michel Berger. Après avoir vu leur prestation lors du deuxième prime-time en direct sur TF1, France Gall se plaint de cette reprise à la production de l'émission. Les apprentis chanteurs se verront dans l'obligation de réenregistrer une nouvelle version. Elle refuse de participer au conte musical Le Soldat rose, présenté en 2006, que lui propose Louis Chedid pour le rôle finalement tenu par Vanessa Paradis.

Après une très longue période de deuil et de repli dans l'ombre et « le silence », le 2 août 2012, jour anniversaire des vingt ans de la mort de Michel Berger, la radio Europe 1 diffuse un entretien dans lequel France Gall annonce travailler à « l’écriture d’un spectacle musical autour de la musique de Michel, chantée par lui ou par [elle] ». Ce projet, qui répond selon elle « à une attente du public », consiste à « monter en spectacle, revivre les tournées même si elle ne va pas chanter », confie-t-elle lors de cet entretien. Début 2015, elle laisse toutefois planer le doute sur un éventuel retour à la chanson.

Écrite par France Gall et son compagnon Bruck Dawit et mise en scène par Ladislas Chollat, Résiste est une comédie musicale rendant hommage à Michel Berger. France Gall supervise les répétitions. Le spectacle est présenté au Palais des sports de Paris du 4 novembre 2015 au 3 janvier 2016. Une tournée en France, en Belgique et en Suisse suit et s'achève le 23 décembre 2016 au Zénith de Lille.

Fin de vie et mort

Le cancer du sein de France Gall, traité en 1993 et alors révélé au grand public, connaît une récidive en 2015.

Le 30 janvier 2017, elle participe à la cérémonie des Globes de cristal, où son spectacle Résiste reçoit le prix de la meilleure comédie musicale ; il s'agit de sa dernière apparition publique.

Le 9 décembre 2017, elle ne peut assister aux obsèques de Johnny Hallyday, ce qui alimente les rumeurs sur son état de santé. Dix jours plus tard, le 19 décembre, elle est admise en soins intensifs à l'hôpital américain de Neuilly pour une « infection pulmonaire sévère ». Elle y meurt le 7 janvier 2018, à l'âge de 70 ans, des suites de la récidive de son cancer^,.

Le cercueil de France Gall est exposé au public au funérarium du Mont Valérien pendant deux jours. Ses obsèques civiles (sans office religieux) ont lieu le 12 janvier 2018 au cimetière de Montmartre, « dans la plus grande intimité », selon le souhait de la famille et en présence de quelque 80 personnes, du cercle amical et familial^,. Carole Bouquet et Jacques Attali prennent la parole pendant la cérémonie. France Gall repose auprès de Michel Berger et de leur fille, Pauline^,,.

Vie privée

En 1964, à l'âge de 17 ans, France Gall vit une histoire d'amour avec Claude François, qui est marié. Leur séparation définitive, en juillet 1967, inspire au chanteur les paroles de Comme d'habitude qui connaîtra un succès international, notamment dans sa version anglophone My Way. S'étant séparés en mauvais termes, ils ne se revoient qu'en septembre 1974 pour chanter quelques-uns des titres de France Gall dans une émission de télévision diffusée le même mois. Elle vit avec le chanteur Julien Clerc de 1970 à 1974^,.

Sa collaboration avec Michel Berger, entamée en 1973, se mue progressivement en relation amoureuse. Ils se marient le 22 juin 1976 à Paris^,, à la mairie du 16^e arrondissement. Ils ont deux enfants :

• Pauline Isabelle, née le 14 novembre 1978 et morte le 15 décembre 1997 de la mucoviscidose ;
• Raphaël Michel, né le 2 avril 1981.

À Paris, elle a vécu avec Michel Berger dans la villa de Beauséjour (16^e arrondissement).

En 1986, le couple emménage dans un immeuble haussmannien près du parc Monceau (17^e arrondissement), où ils passent le reste de leur vie.

Dans les années 1970, ils acquièrent aussi la maison du Clos Saint-Nicolas, une résidence à Vasouy, près d'Honfleur (Normandie), qu'agrandit par la suite le frère architecte de Michel Berger. C'est ici que le chanteur aurait composé le tube Résiste. France Gall la délaisse en 1997 après la mort de sa fille, préférant se reposer au Sénégal.

Michel Berger meurt le 2 août 1992, des suites d'un infarctus, alors qu’il passe ses vacances en famille dans sa résidence d’été à Ramatuelle. Quelques mois après ce drame, dont elle souffre énormément, elle se voit diagnostiquer un cancer du sein, dont elle est opérée avec succès le 22 avril 1993. Elle déclarera par la suite : « À l'annonce de la mort de Michel, j'ai ressenti une douleur dans le ventre, dans le corps, tellement forte, je me suis dit qu'elle devait ressortir d'une manière ou d'une autre. Mon cancer était la concrétisation de mon mal intérieur ».

Marquée par ce tragique événement, frappée par un cancer du sein puis par le décès de Pauline, France Gall, si elle fait ensuite quelques apparitions sur la scène musicale (Bercy 1993, Pleyel 1994, Olympia 1996), est moins présente dans l'univers médiatique.

De 1995 à sa mort, ]]> Wed, 30 Jul 2025 03:55:00 +0000 https://www.speed-one.fr/index.php/index.php/artistes/gilberto-gil-33 https://www.speed-one.fr/index.php/index.php/artistes/gilberto-gil-33

Gilberto Passos Gil Moreira, connu sous le nom de Gilberto Gil, né le 26 juin 1942 à Salvador de Bahia (Brésil), est un guitariste, chanteur et compositeur brésilien. Il fut ministre de la culture du gouvernement Lula da Silva du 2 janvier 2003 au 30 juillet 2008.

Diplômé en gestion, il obtient son premier emploi dans l'entreprise Gessy Lever (actuelle Unilever) à São Paulo. Mais c'est la musique qui le rend célèbre dans les années 1960, au sein du mouvement tropicaliste.

Carrière

Gilberto Gil commence sa carrière comme musicien de bossa nova, mais se met rapidement à composer des chansons centrées sur l'engagement politique et social, avec son camarade Caetano Veloso. Dans les années 1970, Gil enrichit sa musique de nouveaux éléments, inspirés de la musique africaine et nord-américaine. Continuant sa carrière, il écrit également pour d'autres artistes à l'instar de João Gilberto avec Eu Vim Da Bahia.

En 1969, après la promulgation de l'AI-5 par le régime militaire brésilien instauré en 1964, Gil et Veloso, dont l'importance au Brésil était d'une certaine forme comparable à celle de John Lennon et Paul McCartney dans le monde anglophone, sont taxés de subversion et emprisonnés. C'est en prison que Gilberto Gil commence à s’intéresser aux religions orientales et devient végétarien. Une fois relâchés, Gil et Veloso s'exilent tous deux à Londres. Gilberto Gil joue alors avec les groupes Yes, Pink Floyd et Incredible String Band, tout en continuant sa carrière solo.

Dans les années 1970, il fait une tournée aux États-Unis et enregistre un album en anglais. En 1977, il participe au FESTAC 77, un festival des cultures et arts noirs et africains qui se tient à Lagos, au Nigeria, et réunit près de 60 nationalités. Il travaille aussi avec Jimmy Cliff et sort en 1980 une version portugaise de No Woman, No Cry (en portugais, Não chores mais) le succès de Bob Marley & The Wailers, qui introduisit le reggae au Brésil, et y connut également le succès. L’un de ses plus grands succès est le titre Toda menina baiana de 1979.

Il continue à enregistrer des disques et à donner des concerts, mais s'implique également dans diverses causes sociales. À la fin des années 1980, il se lance en politique et devient conseiller municipal à Salvador, sa ville natale. Son album de 1993, Tropicália 2, avec Caetano Veloso comporte une chanson de Jimi Hendrix, Wait Until Tomorrow, et est considéré comme l'un de ses meilleurs depuis la fin des années 1960.

Le 16 octobre 2001, Gilberto Gil est nommé ambassadeur de bonne volonté de l’Organisation des Nations unies pour l'alimentation et l'agriculture (FAO).

Quand le président Lula da Silva est élu en janvier 2003, il choisit Gilberto Gil pour être son ministre de la Culture. Ainsi, Gilberto Gil devient le deuxième Noir (descendant d'esclaves) à rentrer dans un gouvernement brésilien après le footballeur Pelé en 1995. En tant que ministre de la Culture, il intègre les licences Creative Commons sur le site de son ministère ; cette disposition sera révoquée par sa successeure Ana de Hollanda en 2011.

Il est grand officier de la Légion d'honneur (France).

Il a participé à la compilation The Wired CD (en), diffusée par le magazine américain Wired en 2004 sous licence Creative Commons.

En 2005, il est récompensé du prix Polar Music.

Le 30 juillet 2008, Gilberto Gil démissionne de son poste de ministre de la Culture pour retourner à sa carrière de musicien. Son successeur est Juca Ferreira, qui lui-même en janvier 2011 sera remplacé par une musicienne et chanteuse, Ana de Hollanda.

En décembre 2018, le ministère de la Culture espagnol lui décerne la médaille d'or du mérite des beaux-arts.

En décembre 2022, son opéra Amor Azul est créé à Paris.

Politique

• 1989 à 1992 : Conseiller municipal à Salvador
• 2003 à 2008 : Ministre de la Culture, représentant le Parti vert brésilien.

Discographie

Filmographie

• 2010 : 2012: Time For Change, film documentaire de João Amorim : lui-même
• 2013 : Viramundo : Un voyage musical avec Gilberto Gil, film documentaire de Pierre-Yves Borgeaud : lui-même

Références

Liens externes

• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
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  • Discografia Nazionale della Canzone Italiana
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• Ressource relative au spectacle :
  • Les Archives du spectacle
• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • Radio France
• Site officiel
• Biographie de Gilberto Gil
• Portrait, interviews et vidéos de Gilberto Gil

Révélé par le titre L’Aventurier en 1982, le groupe connaît un grand succès dans les années 1980 avec des tubes comme Trois nuits par semaine, 3^e sexe, Tes yeux noirs ou Canary Bay. Après quelques albums ayant rencontré un succès moindre et un désintérêt manifeste des médias dans les années 1990, le groupe retrouve le succès en 2002 avec la sortie de l'album Paradize dont est issu le single J'ai demandé à la lune.

Indochine est le premier groupe français à remplir le Stade de France en 2010. En 2011, il reçoit une Victoire d'honneur lors des Victoires de la musique ; avec plus de 13 millions de disques vendus, c'est le groupe français ayant vendu le plus de disques. En 2017, Indochine reçoit un prix d'honneur lors des NRJ Music Awards.

Le samedi 21 mai 2022, alors que le groupe bat le record du nombre de spectateurs présents au Stade de France lors de sa tournée Central Tour (97 036 personnes), un sondage place Indochine en troisième position du classement des artistes préférés des Français. L'année suivante, le groupe se hisse à la deuxième place de ce même classement.

Biographie

Formation et ascension (1980?1984)

En septembre et décembre 1980 paraissent deux annonces dans Rock & Folk pour un groupe parisien nommé Les Espions qui cherche un bassiste et un chanteur. Dominique Nicolas et Nicola Sirkis répondent et sont recrutés, le premier à la basse et le second au chant, mais la musique de ce groupe étant trop compliquée, ils décident alors de monter leur propre formation le 10 mai 1981 : Indochine, le nom étant l'idée de Nicola Sirkis qui admirait Marguerite Duras. Il ne leur faut que quelques mois pour composer leurs premiers morceaux.

Le 29 septembre 1981 Marc Barriére produit leur tout premier concert au Rose Bonbon à Paris avec l'aide d'un ami qui débute au saxophone, Dimitri Bodiansky, et de Stéphane Sirkis au son. Grâce à ce court passage sur scène, ils décrochent leur premier contrat avec le producteur Didier Guinochet de la maison de disques Clemence Mélody, un label créé par Gérard Lenorman. En 1986, à la suite de certains différends, Indochine engagera un procès contre Didier Guinochet et Clemence Melody. Le groupe le gagne et fonde son propre label « Indochine Musique ». En novembre 1981, ils enregistrent leur premier simple avec les chansons Dizzidence politik et Françoise (Qu'est-ce qui t'a pris ?). Celui-ci ne leur vaut qu'un succès d'estime mais il a le mérite de faire découvrir le groupe aux critiques rock et aux médias.

Stéphane Sirkis, frère jumeau de Nicola Sirkis, rejoint officiellement le groupe et, en avril 1982, ils assurent les premières parties de Depeche Mode et de Taxi Girl. L'engouement pour Indochine prend de l'ampleur à chaque passage sur scène, à tel point que le manager de Taxi Girl décide de les déprogrammer de la tournée, craignant qu'ils ne fassent de l'ombre à son propre groupe dont le déclin a commencé. Indochine enregistre alors son premier album L'Aventurier qui sort le 15 novembre. Le simple du même nom, référence à l'univers de Bob Morane de l'auteur belge Henri Vernes, fait un véritable carton durant l'été 1983 en s'écoulant à 500 000 exemplaires. L'album s'écoule quant à lui à plus de 250 000 exemplaires. La presse s'enthousiasme et décerne au groupe le Bus d'Acier 1983, qui récompense alors les artistes de la scène rock.

Le 28 novembre 1983, ils sortent leur deuxième album Le Péril jaune qui reprend les thèmes exotiques et dansants du précédent. Un concert à guichets fermés est donné le 5 décembre 1983 à l'Olympia. Ils enchaînent avec une tournée à travers toute la France durant l'année 1984. Le succès se confirme avec les simples Miss Paramount et Kao Bang, permettant à l'album de se vendre à 225 000 exemplaires en France.

Consécration (1985?1986)

Le 10 mai 1985 paraît leur troisième album 3 dans lequel Indochine délaisse les univers BD et asiatique qui ont fait leur succès pour aborder des thèmes plus ambigus. Les chansons 3^e sexe, Canary Bay et Trois nuits par semaine (inspirée de L'Amant de Marguerite Duras) connaissent un grand succès. Une émission spéciale leur est consacrée dans Les Enfants du rock.

C'est à cette période que le groupe commence à exporter sa musique, remportant notamment un véritable succès dans certains pays scandinaves et au Québec. Une tournée de huit dates est organisée à travers la Suède et le Danemark. En 1986, leur tournée française passe par le Zénith de Paris pour quatre concerts à guichets fermés : devant le succès remporté, elle sera prolongée par une tournée d'été. Serge Gainsbourg réalise le clip du titre Tes yeux noirs qui est un des tubes de l'été 1986 (n^o 8 au Top 50). En un peu plus d'une année, Indochine a écoulé plus de 750 000 albums et 1 300 000 simples en France^,.

En octobre 1986, pour fêter son cinquième anniversaire, le groupe décide de publier l'enregistrement du concert donné au Zénith de Paris. L'album se vend à plus de 350 000 exemplaires en France et marque le début du succès du groupe au Pérou : l'album y est certifié quadruple disque de platine pour plus de 150 000 ventes.

7000 danses et Le Baiser : déclin critique (1987?1992)

L'enregistrement de l'album 7000 danses se déroule entre la France, l'île de Montserrat et Londres. Le premier extrait, Les Tzars, sort pendant l'été 1987. Certains critiques musicaux n'hésitent pas à dire que le groupe est une vulgaire copie de The Cure, tandis que d'autres considèrent que Nicola Sirkis chante faux et que leur musique ne tient la route en concert que grâce à des bandes pré-enregistrées. Malgré tout, l'album se vend à près de 340 000 exemplaires et, en mars 1988, Indochine entame une tournée qui les conduit en France, Belgique, Suisse, Canada ainsi qu'au Pérou pour quatre concerts à guichets fermés à Lima rassemblant 48 000 personnes. À cette occasion, les concerts de la tournée sont filmés et une vidéo est publiée en 1989 sous le titre Indochine Tour 88 conçu sous la forme d'un documentaire entrecoupé de titres live. L'année 1989 marque également une première rupture dans la vie du groupe : Dimitri Bodiansky décide de prendre ses distances pour se consacrer davantage à sa famille.

Devenu trio, Indochine sort un nouvel album, Le Baiser, en février 1990. Au-delà des références cinématographiques et littéraires qui ont inspiré Nicola Sirkis pour l'écriture des textes, l'album se veut plus abouti au niveau des arrangements et de la production avec un son plus acoustique qui se détache de la new-wave des années 1980. L'apport d'instruments tels que le violoncelle, l'harmonica, le santour ou le kamânche, renouvelle le « son » Indochine. L'album reçoit cependant un accueil critique peu enthousiaste de la part de certains médias. Entré à la 9^e place du Top Albums, le disque se vend finalement à près de 250 000 exemplaires.

En 1991, Indochine fête ses dix ans d'existence et publie Le Birthday Album, une compilation qui rencontre un succès considérable : plus de 600 000 albums sont vendus à travers l'Europe. En 1992, Marc Éliard rejoint le groupe. Indochine reprend la route à l'occasion du Birthday Tour qui attire une nouvelle génération de fans et permet au groupe d'entrevoir les années 1990 sereinement. Cependant, la suite des événements est plus chaotique.

Un jour dans notre vie et Wax : traversée du désert (1993?1998)

L'album Un jour dans notre vie sort en novembre 1993. À l’époque où dominent le grunge et la techno, les médias considèrent Indochine comme un groupe du passé. L’album ne remporte pas le succès escompté (environ 90 000 exemplaires vendus en France). Une tournée suit en 1994, Une nuit dans votre ville, au cours de laquelle Indochine se produit sur la grand-place de Spa (Belgique) lors des Francofolies. Un album en concert y est enregistré et sort sous le nom de Radio Indochine à la fin de l’année.

Fin 1994, Dominique Nicolas, compositeur des six premiers albums et des plus grands tubes d’Indochine, décide de quitter le groupe, n'étant plus en phase avec Nicola Sirkis sur la direction à prendre pour Indochine. Les deux frères Sirkis se retrouvent seuls, et partent à la recherche d’un nouveau guitariste qu’ils trouvent en la personne d’Alexandre Azaria (futur compositeur de musique de films). Une nouvelle compilation, Unita, est commercialisée en 1996 (incluant un inédit issu du futur album, Kissing My Song) et s’écoule à plus de 100 000 exemplaires. Elle est accompagnée d’un deuxième CD, Les Versions longues, regroupant les versions sorties entre 1984 et 1991 sur maxi 45 tours ou maxi CD single.

En l'absence de soutien médiatique et de promotion de la part de la maison de disques, la sortie de l'album Wax en novembre 1996 passe quasiment inaperçue (environ 50 000 exemplaires vendus^{[source insuffisante]}). Principalement composé par les frères Sirkis avec l'aide d'Alexandre Azaria (guitariste) et de Jean-Pierre Pilot (claviériste), l'album a une tonalité plus « pop » que le précédent. Bien que les textes de Nicola Sirkis restent fidèles à l'univers d'Indochine, une touche nouvelle apparaît, une sorte de « fausse naïveté adolescente ».

Aux yeux des médias et de leur propre maison de disques, Indochine est ringard et n'a plus d'avenir. Au cours de l'année 1997, Indochine est remercié par BMG qui ne les trouve plus assez vendeurs. Le salut vient de la scène qu'Indochine arpente depuis dix-sept ans : le Wax Tour remplit de nombreuses salles. Au mois de mai 1997, ils enregistrent le concert donné à l'Ancienne Belgique (Bruxelles), qui sort quelques mois plus tard sous la forme d'un double CD Indo Live : édité par le label de TF1, Une Music, il bénéficie d'une grosse campagne publicitaire et s'écoule à 300 000 exemplaires.

Au sein de la formation, les guitaristes se succèdent : Alexandre Azaria est remplacé par M. Tox qui est lui-même remplacé par Boris Jardel. En 1998, Indochine décide de poursuivre sa série de concerts et entame une nouvelle tournée, le Live Tour, qui attire un public de plus en plus nombreux.

Dancetaria : mort de Stéphane Sirkis et renaissance (1999?2000)

Pour l'album Dancetaria, Nicola Sirkis fait appel pour les arrangements à Olivier Gérard, un fan du groupe qui s'est fait connaître en lui envoyant ses remixes. Les compositions restent néanmoins l'œuvre de Jean-Pierre Pilot et des frères Sirkis.

Le 27 février 1999, alors que l'enregistrement de l'album Dancetaria vient de commencer, Stéphane Sirkis meurt d'une hépatite foudroyante. Nicola Sirkis décide alors de continuer l'aventure et déclare : « Indochine vivra, comme Stéphane le souhaitait. » La sortie du CD est décalée pour éviter une médiatisation malsaine, et sort en août 1999. Album sombre aux accents pop, glam et gothique, il bénéficie des arrangements modernes et des trouvailles sonores d'Olivier Gérard et sonne comme un hommage à Stéphane Sirkis avec des chansons comme She Night ou Atomic Sky. L'album entre à la 14^e place du Top Albums. Il est le deuxième acte, et certainement le plus important, de la trilogie qui ramène le groupe au-devant de la scène. Près de 120 000 exemplaires sont vendus^{[source insuffisante]}. Indochine repart en tournée pour le Tour 99, passant notamment par le Forest National de Bruxelles et le Zénith de Paris. En 2000, le Dancetaria Tour reprend. Finalement, la tournée dure deux ans et donnera lieu à 80 concerts auxquels ont assisté plus de 150 000 personnes. Un documentaire mi-live mi-reportage, Les Divisions de la joie, est commercialisé le 16 avril 2002.

Du concert acoustique donné à la Maroquinerie de Paris le 27 février 2000 à la mémoire de Stéphane Sirkis naît l'idée des Nuits intimes, une tournée acoustique d'une trentaine de dates dans de petites salles et dont le concept est repris pour l'album enregistré en studio dans des conditions live Nuits intimes, sorti le 9 janvier 2001. C'est également en 2000 que leur ancienne maison de disques BMG fait paraître la compilation Génération Indochine sans l'accord du groupe. Les trois membres fondateurs et Lou Sirkis (la fille de Stéphane Sirkis) décident d'assigner en référé en demandant l'interdiction de la commercialisation du disque, ce qu'ils finissent par obtenir.

Paradize : seconde consécration (2001?2005)

En mars 2002, Indochine sort l'album Paradize qui marque le retour médiatique et commercial du groupe. Pour la première fois, Indochine s'ouvre aux collaborations, de nombreux artistes ayant participé à sa conception dont Melissa Auf der Maur, Mickey 3D, Gérard Manset, Jean-Louis Murat et les romancières Ann Scott et Camille Laurens. Les textes abordent « le flou de l'identité sexuelle, la religion, l'exotisme asiatique et une certaine idée de la spiritualité ».

Musicalement, le groupe ressent le besoin de remettre en avant les guitares électriques et leur énergie après la tournée acoustique Nuits intimes. Les compositions sont principalement de Nicola Sirkis et d'Olivier Gérard, qui devient membre du groupe à part entière et dont les influences comme le metal industriel (Marilyn Manson, Nine Inch Nails?) se font ressentir sur les arrangements et la production. Gareth Jones (producteur habituel de Depeche Mode et d'Erasure) a été chargé du mixage et de la réalisation.

Dès sa sortie, l'album entre directement 3^e des meilleures ventes et surprend les programmateurs qui s'emparent du titre J'ai demandé à la lune en lui offrant un large support radiophonique. Face à ce succès inattendu, les médias présentent de nouveau Indochine comme la référence rock en France, oubliant qu'ils avaient méprisé le groupe tout au long de la décennie 1990, les traitant notamment de « sinistre ringardise échappée des années 1980 ».

2002 est donc l'année du retour en grâce pour Indochine qui obtient un MTV Europe Music Awards, une Victoire de la musique ainsi qu'un NRJ Music Awards. L'album se vend à plus d'un million d'exemplaires en France et reçoit un disque de diamant. Le total des ventes des 6 simples extraits approche pour sa part les 1 500 000 exemplaires^{[source insuffisante]}. La tournée Paradize Tour s'étale sur 2 ans et 94 dates, rassemblant 500 000 spectateurs. Le dernier concert a lieu le 3 juin 2003 à Bercy devant 17 000 personnes : Indochine devient alors le troisième groupe français à remplir cette salle (après Kassav' en 1996 et les 2Be3 en 1998).

En janvier 2004, Indochine publie l'enregistrement public 3.6.3, en référence à la date de son enregistrement, le 3 juin 2003. Cet album entre directement à la première place du Top Albums en France, ce qui n'était jamais arrivé pour Indochine jusqu'alors. Il est suivi d'un triple DVD, Paradize Show. Le succès est au rendez-vous : 200 000 albums et 100 000 DVD vendus^{[source insuffisante]}. En septembre 2004, BMG décide en accord avec Indochine de rééditer Le Birthday Album 1981-1991 : la compilation Le Birthday album 1981-1996 comporte six titres de plus et bénéficie d'une remastérisation SACD. Le 14 décembre 2004, c'est au tour de L’Intégrale des clips de sortir en DVD.

Alice et June (2005?2008)

Le dixième album studio d'Indochine, Alice et June, sort le 19 décembre 2005. Avec un son plus rock, ce double album se situe malgré tout dans la lignée de Paradize. Cette fois, Indochine a collaboré avec Brian Molko, Didier Wampas, le groupe AqME et la chorale Scala. Le titre de l'album fait référence au livre de J. D. Salinger L'Attrape-cœurs et raconte les tracas adolescents de deux filles.

Quatre simples sont extraits : Alice et June, Ladyboy, Adora et Pink Water. Si les ventes de l'album n'atteignent pas celles de Paradize (450 000 exemplaires vendus en France^{[source insuffisante]}, contre plus d'un million pour Paradize), la tournée Alice et June Tour est un véritable triomphe puisqu'elle rassemble plus de 600 000 spectateurs entre mars 2006 et mai 2007, avec trois Bercy complets et plusieurs dates doublées, triplées voire quadruplées. Cette tournée est également marquée par deux concerts donnés au Viêt Nam les 6 et 7 juin 2006 à l'opéra de Hanoï, avec l'orchestre philharmonique de Hanoï à l'occasion des 25 ans du groupe. Ces concerts font l'objet d'une parution en double CD et DVD en février 2007.

La tournée est prolongée par trois dates dans des festivals au cours de l'été 2007, dont un concert en plein air devant 11 000 personnes à la foire aux vins de Colmar durant lequel Nicola Sirkis accueille sur scène sa nièce, Lou Sirkis, membre du groupe Toybloïd et fille de Stéphane Sirkis. La tournée est à nouveau prolongée en décembre 2007 par le Dernier petit Tour d’Alice & June, composé de cinq dates dans des petites salles.

Afin de conserver une trace discographique de cette tournée, un CD et DVD live est publié le 3 décembre 2007. Le DVD est certifié Triple platine. En avril 2008, Indochine participe à la campagne de boycott des Jeux olympiques de Pékin. À cette occasion, le groupe enregistre et tourne le clip de You spin me round (reprise du groupe Dead or Alive) au profit de RSF.

La République des Meteors et premier Stade de France (2009?2011)

L'album La République des Meteors sort le 9 mars 2009, soutenu par les simples Little Dolls, Play Boy, Le Lac, Un ange à ma table (dont le clip est réalisé par Nicola Sirkis) et Le dernier jour. Musicalement, cet album se démarque des deux précédents par l'utilisation de nouveaux instruments tels que le toy piano, le ukulélé ou l'accordéon, et par sa sonorité beaucoup plus pop. La thématique générale des textes est basée sur la séparation et la rupture amoureuse, symbolisée notamment par les hommes partant au front durant la Première Guerre mondiale.

À sa sortie, l'album est certifié disque de platine en France et disque d'or en Belgique. Au total, près de 400 000 exemplaires ont été vendus en Europe, dont 300 000 en France.

Le Meteor Tour débute le 26 juin 2009 à l'Olympia, puis est suivi d'un concert donné le 14 juillet 2009 sur les plaines d'Abraham lors du Festival d'été de la ville de Québec. La tournée d'une soixantaine de dates affichant complet quasiment partout, se poursuit en France, en Belgique et en Suisse, avec en point d'orgue le concert du 26 juin 2010 au Stade de France devant 80 000 spectateurs, durant lequel Dimitri Bodiansky et Lou Sirkis montent sur scène pour accompagner le groupe sur Tes yeux noirs. Offrant un spectacle de grande dimension avec trois scènes et 690 m² d’écrans^{[source insuffisante]}, Indochine devient le premier groupe de rock français à remplir le Stade de France.

Durant l'été 2010, Indochine participe à plusieurs festivals, notamment aux Vieilles Charrues, au festival Musilac d'Aix-les-Bains, au Paléo Festival de Nyon, ainsi qu'à la Foire aux vins d'Alsace à Colmar. Le 2 septembre, Indochine donne un concert privé au Studio 104 de la Maison de la Radio. Après trois nouvelles dates en septembre (dont l'inauguration de l'Arena Montpellier), le Meteor Tour s'achève à Bercy le 15 septembre en ayant réuni plus de 800 000 spectateurs.

L'album enregistré en public et le DVD du concert au Stade de France, Putain de stade, sortent le 17 janvier 2011. À cette occasion, Indochine repart sur les routes en janvier pour six concerts en version club, Le Meteor Club Tour. Toutes les places de ces concerts sont vendues en moins de deux heures. Le 9 février 2011, le groupe reçoit une Victoire d'honneur aux Victoires de la musique, trophée que Nicola Sirkis remet immédiatement à une personne du public pour symboliser le lien entre le groupe et ses fans. Quelques jours plus tard, le chanteur refuse d'être nommé Chevalier des Arts et des Lettres à cause du remettant de l'époque, Nicolas Sarkozy.

Le 18 mars 2011, Indochine enregistre avec la chanteuse japonaise Amwe Un ange à ma table en version japonaise, afin de soutenir l'action de la Croix-Rouge au Japon à la suite du séisme et du tsunami que le pays a connu le 11 mars 2011. La vente de ce titre, proposé sur le site officiel du groupe, permet de verser plus de 12 000 ? aux Japonais sinistrés.

Paradize +10 et Black City Parade (2012-2016)

Afin de fêter les dix ans de l'album Paradize, une nouvelle édition remastérisée, Paradize+10, sort le 13 février 2012. Indochine organise alors deux concerts au Zénith de Paris. Lors de la mise en vente des billets, les 12 000 places sont vendues en douze minutes.

En février 2013, paraît l'album Black City Parade, qui reçoit un très bon accueil critique et public (l'album sera certifié double disque de platine). Après le simple Memoria, Indochine sort le titre College Boy, dont le clip réalisé par Xavier Dolan est censuré (la vidéo montre un enfant martyrisé par ses camarades, qui finit crucifié et exécuté par des tirs de mitraillettes).

Dix jours après la sortie de l'album, Indochine entame une nouvelle tournée à travers la France, Black City Tour 1, première étape d'une tournée en trois actes : d'abord dans des petites salles (dans lesquelles le groupe n'avait pas joué lors du Meteor Tour), puis Black City Tour 2 dans des Zéniths et des grandes salles, et enfin Black City Tour 3 avec une date au Palais 12 de Bruxelles et deux dates au Stade de France, les 27 et 28 juin 2014. Quelques mois plus tard, le groupe se produit à l'Institut du Monde Arabe, à Paris.

Après avoir publié en décembre 2014 le DVD live du Black City Tour enregistré à Bruxelles (le live Black City Concerts enregistré au Stade de France sortira un an après), le groupe annonce une série de concerts dans des petites salles de grandes villes européennes pour le printemps 2015 (Barcelone, Milan, Berlin, Copenhague, Stockholm, Oslo, Anvers et Amsterdam). Lors de la première date de cette tournée, Europe City Club Tour, le public découvre que François Soulier et François-Régis Matuszenski ne font plus partie du groupe : Ludwig Dahlberg officie désormais à la batterie tandis que les claviers ont disparu au profit d'un ordinateur, en attendant un futur remplaçant.

En 2016, le groupe renoue avec les festivals d'été en participant à sept dates lors d'un Festivals Tours.

13 (2017-2019)

Le 8 juin 2017, dans l'émission de télévision Quotidien, le groupe dévoile le titre La vie est belle, premier extrait de l'album 13, annoncé pour le 8 septembre 2017. Le 21 juin 2017, la billetterie pour le 13 Tour ouvre, 100 000 billets sont vendus en une seule journée. L’album dépasse les 100 000 exemplaires vendus en trois semaines, puis est certifié disque de platine. Avec ce nouvel opus, Indochine est nommé aux NRJ Music Awards 2017 dans la catégorie « groupe francophone de l'année » et « clip de l'année » (où le groupe recevra un prix d'honneur) et pour l'« album de l'année RTL ».

De février à novembre 2018, Indochine entame le 13 Tour, un spectacle pour lequel un écran géant est accroché au-dessus du public. La date du 16 novembre à Bercy est diffusée en direct sur TMC. La première partie des concerts est assurée par le groupe Requin Chagrin sur 17 dates (à partir du 10 février 2018 à Epernay).

Un concert a lieu le 22 juin 2019 au Stade Pierre Mauroy à Lille pour fêter les soixante ans de Nicola Sirkis. Les 27 000 places étant vendues en quatre heures, le groupe décide d'ajouter une seconde date et annonce que le concert sera retransmis sur YouTube^,.

Singles Collection et Central Tour (2020-2022)

Le 7 mars 2020, Indochine offre un concert pour fêter les 20 ans de La Coopérative de Mai, à Clermont-Ferrand. Le 26 mai 2020, en direct du Stade de France, le groupe annonce la sortie du nouveau simple Nos célébrations, d'une nouvelle tournée pour l'été 2021, le Central Tour, composée uniquement de concerts dans des stades (qui sera reportée en 2022 à cause de la pandémie), et de la sortie de deux compilations, Singles Collection (1981-2001) et Singles Collection (2001-2021). Les deux volets sont certifiés double disque de platine (plus de 200 000 ventes chacun).

Le 29 mai 2021, le groupe participe au concert expérimental Ambition Live Again à l’Accor Arena, afin de vérifier s'il est possible de reprendre les concerts debout malgré la pandémie de Covid-19 sans provoquer des foyers de contamination. La participation, soumise à un protocole, est gratuite, et conclue à un faible nombre de contaminés.

En septembre 2021, paraît le livre Indochine par Nicola Sirkis et Rafaelle Hirsch-Doran. Un concert gratuit est donné à Bruxelles le 25 septembre sur la Grand-Place.

Le Central Tour se déroule en 2022, avec six dates dans cinq stades français, chacun marquant un record d'affluence : le 21 mai au Stade de France (97 036 spectateurs), le 4 juin au Matmut Atlantique de Bordeaux (53 483), le 11 juin à l'Orange Vélodrome de Marseille (59 400), le 25 juin au Groupama Stadium de Lyon (72 561), et les 2 et 3 juillet au Stade Pierre Mauroy de Villeneuve-d'Ascq (67 838 et 67 481). Au total, 417 799 spectateurs y assistent pour les 6 concerts complets. Le concert lyonnais est filmé par 22 caméras IMAX, et le film, dédié à Jonathan Destin, est diffusé dans 473 salles de cinéma en novembre^,. Il est dédié à Jonathan Destin, figure de la lutte contre le harcèlement scolaire décédé quelques jours avant le concert et avec qui Nicola Sirkis avait posé en Une de La Voix du Nord.

Le 8 septembre 2022, Sirkis collabore avec Moby sur le titre This is not our World (Ce n'est pas notre monde).

Central Tour et Festival Tour 2023 (2023)

Le 13 janvier 2023 sort l'album enregistré en public Central Tour qui se classe à la première place du Top Albums en France. L'album est certifié disque de platine (100 000 exemplaires) et le DVD diamant (40 000 exemplaires).

Entre avril et mai 2023, le groupe est aux AIR Studios de Londres, puis aux studios ICP de Bruxelles.

Le 11 juin 2023, un concert est donné à la Roundhouse de Londres devant 3 000 spectateurs.

Le 17 juin 2023, un concert est donné au Nancy Open Air devant 22 000 spectateurs.

Du 29 juin au 4 août 2023, le groupe participe à neuf festivals d'été : La Nuit de l'Erdre (20 000), Les Eurockéennes (25 000), Beauregard (30 000), Musilac (25 000), Déferlantes (25 000), Pause Guitare (17 500), Paléo Festival (40 000), Les Nuits de Fourvière (4 200) et Ronquières (30 000). Le groupe a été en tête d'affiche à tous les festivals auxquels il a participé avec, au total, plus de 217 000 personnes qui assistent à la tournée.

Babel Babel et Arena Tour (2024-2025)

Le 15 mars 2024, la photo The Salingers reviennent est publiée dans plusieurs magazines. Cette dernière contient des indices et semble amorcer le retour du groupe et ce qui pourra être son quatorzième album studio. Dans les jours qui suivent, des comptes sont créés sur différents réseaux sociaux (Instagram, Facebook, Twitter, TikTok et YouTube). Le 16 mai 2024, le groupe laisse paraître sur ses réseaux sociaux une photo de leurs silhouettes ainsi que la date « 14/06/2024 ». Quelques heures plus tard, TF1 annonce que leur hymne officiel pour la diffusion des matchs et des bandes annonces sur cette chaine sera issu d'un simple du groupe.

Le 14 juin 2024, le simple Le chant des cygnes est dévoilé. Son clip est publié sur YouTube, ainsi que la version album, la version instrumentale et la version radio.

Le 28 juin 2024, la date de sortie du quatorzième album studio Babel Babel est annoncée pour le 7 septembre 2024. Il s'agit d'un double album de 17 titres. 10 des 17 titres sont joués en avant-première au cours d'un concert privé le 3 septembre retransmis sur TMC la veille de la sortie du disque, le 6 septembre. Ce 6 Septembre est également annoncée la tournée nommée Arena Tour qui aura lieu dans 17 villes en France, Belgique et en Suisse, le groupe jouera 2 dates dans chaque ville. 34 dates entre janvier et juin 2025 dont deux dates à l'Accor Arena (Bercy) de Paris les 20 et 21 Juin 2025. Aux 34 dates, complètes en quelques heures, 2 dates sont rajoutées dans chaque ville, à l'exception de Lausanne où une seule date est ajoutée. Cela porte la tournée à 67 dates et près de 700 000 places disponibles. Deux dates à l'Accor Arena (Bercy) de Paris sont ajoutées les 17 et 18 Juin 2025.

Le 1er novembre 2024, Indochine reçoit le NRJ Music Awards du groupe francophone de l'année.

Personnel

Membres actuels

• Nicola Sirkis - chant, guitare, claviers, harmonica (depuis 1981)
• oLi dE SaT - guitare rythmique, sample, claviers, compositeur (depuis 1999)
• Boris Jardel - guitare solo (depuis 1998)
• Marc Eliard ? basse (depuis 1992)
• Ludwig Dahlberg - batterie, percussions (depuis 2015)

Anciens

• Dominique Nicolas - guitare solo, basse, claviers, compositeur des six premiers albums (1981-1994)
• Dimitri Bodiansky - claviers, saxophone, percussions (1981-1989)
• Stéphane Sirkis - guitare rythmique, claviers, compositeur de quinze chansons (1982-1999) - décédé alors qu’il était membre du groupe
• Arnaud Devos - batterie (1984-1987)
• Diego Burgard - basse (1987-1992)
• Jean-My Truong - batterie (1987-1994)
• Philippe Eidel - claviers et accordéons (1989-1994) - mort en 2018
• Jean-Pierre Pilot - claviers, compositeur, album Dancetaria (1994-2001)
• Replicant - guitare solo, compositeur, album Wax (1996)
• Mr. Tox - guitare solo (1997)
• Mr. Yann - batterie (1997-1998)
• Matthieu Rabaté - batterie (1999-2002)
• Frédéric Helbert - claviers (2001-2004)
• Mr. Shoes - batterie (2002-2014)
• Matu - claviers (2005-2015)

Chronologie

Discographie

Albums live

Compilations

Tournées

Reprises

En 1998, le groupe reprend Seasons in the Sun qui est le titre adapté en anglais de Le Moribond interprété lors d'une émission télévisée en hommage à Jacques Brel diffusée sur France 2 le 9 octobre 1998.

En 2010, le groupe Nouvelle Vague reprend L'Aventurier en version bossa nova dans son quatrième album Couleurs sur Paris. Michaël Gregorio en avait également fait de même précédemment mais en imitant Nicola Sirkis dans son spectacle Michael Gregorio pirate les chanteurs.

Le groupe américain Nada Surf a fait lui aussi une reprise de L'Aventurier, arrangée par Benjamin Biolay en 2003. Vincent Malone a apporté sa touche en reprenant L'Aventurier dans une sorte de parodie bossa nova. Une reprise du groupe Brett de 3 nuits par semaine a également été faite.

Le groupe de black metal français Anorexia Nervosa reprend le titre Les Tzars sur leur album Redemption Process sorti en 2004. En 2011, la troupe des Enfoirés reprend le titre J'ai demandé à la lune intitulée On ne demande pas la lune, ce sera leur hymne de l'année.

En 2013, le groupe The Hiram Key sur leur album Escape from Tzolk'in, reprend la chanson Electrastar, arrangée et chantée en anglais sous le nom d'Electrostar.

En 2015, la troupe des Enfoirés reprend le titre Trois nuits par semaine chanté par Michaël Youn, Jenifer, Patrick Fiori, Lââm, Emmanuel Moire, Tal et Kad Merad. Pendant la chanson, Dany Boon, Grégoire et Jean-Baptiste Maunier interprètent le refrain de L'Aventurier.

Distinctions

Dans la culture populaire

La notoriété du groupe lui vaut d'être caricaturé par Les Inconnus lors de l'un de leurs sketches diffusé dans le cadre de l'émission de télévision La Télé des Inconnus en 1990. Ils y parodient le groupe ainsi que Partenaire particulier en interprétant une chanson tendance new-wave volontairement bêtifiée, Isabelle a les yeux bleus, adoptant le look typique de ces années-là et mimant les attitudes qui leur sont associées. Le clip de Punishment Park ainsi que les paroles au sens abstrait sont repris de la même manière par les Inconnus dans leur chanson Et vice et versa.

Notes et références

Annexes

Bibliographie

Ouvrage utilisé pour la rédaction de l'article.

• Thomas Chaline, Indochine, la véritable histoire, biographie, City éditions, 2018.
• Sébastien Bataille, Indochine. La BD, Éditions Fetjaine/La Martinière, 2012, (ISBN 978-2354252786).
• Nicola Sirkis et Agnès Michaux, Kissing my Songs : textes et conversations, Paris, Flammarion, 2011, 372 p. (ISBN 9782081268142).
• Jean-?ric Perrin, Indochine : Le livre officiel du premier groupe de rock français, Paris, E/P/A (Hachette Livre), 10 novembre 2010, 312 p. (ISBN 978-2-85120-733-3 et 2-85120-733-4, EAN 978-2851207333).
• Anouk Vincent, L'intégrale Indochine : Tout Indochine de A à Z, City Éditions, coll. L'intégrale, 2010, 366 p. (ISBN 9782352884095).
• Alain Wodrascka et Pierre Terrasson, Les 7 vies d'Indochine, Didier Carpentier, 2010, 138 p. (ISBN 9782841676729).
• Nicola Sirkis, Les petites notes du Meteor tour, Carnet de route de la tournée d'Indochine, Lattès, 2010, 160 p. (ISBN 978-2709636223).
• Guillaume B. Decherf, Indochine : pas de repos pour l'aventurier, Premium, 2010, 191 p. (ISBN 978-2356360915).
• Rachel Flora, Indochine, Fan de toi, 2009, 86 p. (ISBN 9782356010230).
• Thierry Desaules et Sandra Klein, Indochine : l'ombre des mots, Éditions Alphée, 2009, 285 p. (ISBN 9782753803619).
• Anouk Vincent, Indochine story : 30 ans de saga rock, City Éditions, coll. Biographies, 2009, 317 p. (ISBN 9782352883289).
• Aude Réco, Il était une fois? en Indochine, Books on Demand, 2008, 160 p. (ISBN 9782810601776) ; réédité fin 2009 chez The book edition puis chez Lulu.com, 160 p.
• Philippe Crocq et Jean Mareska, Sur la muraille d'Indochine, Éditions de la Lagune, coll. Biographies, 2007, (ISBN 9782849690543).
• Philippe Crocq et Jean Mareska, Petit dico Indochine, Éditions du Rocher, coll. Documents, 2007, 133 p. (ISBN 9782268071756).
• Chloé Delaume, La dernière fille avant la guerre, Éditions Naïve, coll. Sessions, 2007, 116 p. (ISBN 9782350210995) (le titre fait référence à une chanson très rare datant des débuts du groupe).
• Jean-Claude Perrier, Le roman-vrai d'Indochine, Paris, Bartillat, 27 octobre 2005, 271 p. (ISBN 2-84100-365-5, EAN 9782841003655).
• Tiziana, Indochine, Michel Rouchon, 2005, 60 p., (ISBN 9782847410389).
• Christian English et Frédéric Thibaud, L'aventure Indochine, City Éditions, 2004, 286 p. (ISBN 9782915320039).
• Sébastien Michaud, Indochine : Insolence rock, Camion Blanc, 2004, 296 p. (ISBN 9782910196356).
• Sébastien Bataille, Indochine de A à Z, Éditions L'Express, coll. Les guides MusicBook, 2003, 3^e éd. 2005, (ISBN 9782843433023).
• Marc Thirion, Indochine : Le septennat, Carrère / Kian, 1988, 235 p. (ISBN 9782868045812) (+ 24 p. de photos).
• Jean-?ric Perrin, Indochine, Calmann-Lévy, 1986, 111 p. (ISBN 9782702115374).

Partitions

• Indochine, compilation L’Aventurier & Le Péril Jaune, Musicom distribution, 1986
• 3, Musicom distribution, 1985
• 7000 Danses, Musicom distribution, 1987
• Le Baiser, Musicom distribution, 1990
• Indo Live, Éditions Musicales Françaises, 1998
• Songbook Intégral, Beuscher/Bookmakers International, 2004
• Alice & June, Beuscher/Bookmakers International, 2006
• La République Des Meteors, Beuscher/Bookmakers International, 2009

Liens externes

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Histoire

Débuts

Leee John (chant, claviers) est né à Londres et élevé à New York, où il fait des chœurs pour les Delfonics et les Chairmen of the Board. Détecté par Trevor Horn, il rencontre Ashley Ingram (basse) lors d'une audition et ils forment ensemble le duo Fizz. De retour en Angleterre ils rencontrent Errol Kennedy, le batteur du groupe américain Midnight Express avec lequel ils vont créer le trio funk Imagination. Le nom du groupe est un hommage à l'une des plus célèbres chansons de John Lennon : Imagine.

Succès

Produit par le duo de producteur Tony Swain et Steve Jolley leur premier album Body Talk (1981) connaît un succès immédiat (il contient plusieurs hit-singles comme Flashback, Body Talk, etc.), mais c'est avec son deuxième album, In the Heat of the Night, paru fin 1982, que la formation anglaise atteint son apogée, notamment avec le single Just an Illusion qui demeure son plus grand hit, classé n^o 2 au Royaume-Uni et au Top 10 un peu partout dans le monde ; Music and Lights, toujours extrait du même album, rencontre également un grand succès et fait partie des tubes funk emblématiques des années 1980.

Déclin progressif et séparation

En 1983 sort l'album Scandalous qui marque le début du déclin du groupe (même s'il est encore, comme ses prédécesseurs, certifié disque d'or au Royaume-Uni). Cet album contient les singles Looking at Midnight, New Dimension et State of Love qui rentrent dans les classements, mais loin des premières places cependant. Leee John fait une pause en 1984 pour se consacrer à la comédie et à la télévision.

Le groupe édite à la fin de cette même année le titre inédit Thank You My Love qui rencontre un certain succès en Angleterre et en France, donnant à Imagination un bref regain de popularité ; les singles suivants, Found My Girl, Last Days of Summer et Sunshine seront en effet des échecs commerciaux. En 1986, paraît l'album Trilogy qui devait s'intituler à l'origine The Key. La chanson ayant été retirée du disque, c'est le slow Trilogy qui donnera son nom à cet album (dont la réalisation aura été tumultueuse) qui n'aura que très peu d'impact dans les classements.

En 1987, le groupe s'exile aux États-Unis et s'entoure de producteurs de renom : Nick Martinelli, Preston Glass et Ron Kersey. L'album Closer sort cette année-là et Instinctual - son deuxième single - deviendra finalement un tube dans les clubs U.S. (classé n^o 1 dans le Hot Dance Club Songs) ; ce single permet également au groupe de refaire une apparition dans le Top 75 anglais (n^o 62), mais tout ceci n'égale cependant pas le succès important qu'il rencontrait au tout début des années 1980. À noter sur ce disque, la participation du saxophoniste Kenny G sur la chanson The Last Time, premier single de l'album. Les autres titres extraits, I Know What Love is et Hold Me in Your Arms ne se classeront pas. C'est durant cette période qu'Errol Kennedy quitte le groupe. Il sera remplacé par Peter Royer. En 1989, Imagination réarrange ses tubes et sort l'album-compilation Like It Is - All the Hits qui atteint alors une bonne 4^e place au Royaume-Uni (meilleur score du groupe dans ce pays depuis des années et certifié disque d'or). Quelque temps plus tard, Ashley Ingram, l'âme musicale de la formation, s'en va et travaillera comme producteur (Des'ree, etc.).

L'album studio paru en 1992, The Fascination of the Physical reste anecdotique. À partir de cette date, le trio ne sortira plus que des compilations puis se séparera en 1995. Depuis, Leee John fait vivre l'âme du groupe en interprétant ses plus grands succès ; il a sorti en 2005 un album de jazz intitulé Feel My Soul unanimement salué par la presse spécialisée.

Ashley Ingram quant à lui est à présent propriétaire et fondateur du A.I.S.M. Language Institute, une école de langue qui a pour but de fournir des systèmes d’éducation nécessaires pour les élèves en difficulté avec l’apprentissage des mots, de l’écoute et de la compréhension dans la langue anglaise.

Discographie

Albums studio

• 1981 : Body Talk
• 1982 : In the Heat of the Night
• 1983 : Scandalous
• 1986 : Trilogy (remasterisé en 2023)
• 1987 : Closer
• 1992 : The Fascination of the Physical
• 2016 : Retropia (Imagination featuring Leee John)

Albums de remix

• 1983 : Night Dubbing
• 1989 : All the Hits - Hot Sensational Re-Mixes
• 2014 : Night Dubbing II (featuring Errol Kennedy)
• 2017 : You Can Be All You Want to Be, Pt. Z (16 Exclusive DJ Mixes)
• 2018 : Just an Illusion The Legay (15 international DJ Remixes)
• 2018 : You Can Be All You Want to Be, Pt. Z (9 International Remixes)
• 2021 : Flashback, - Revised & Remixed Classics (40t Anniversary Edition)

Albums en concert

• 1982 : Live at the Dominion Theater (remasterisé en 2024)
• 2023 : Live at the Olympia Paris (Imagination featuring Leee John)

Compilations

• 1984 : Gold
• 1985 : The Best of Imagination
• 1989 : Like it is: Revised and Remixed Classics
• 1990 : The Love Songs
• 1992 : Flashback
• 1994 : The Very Best of Imagination
• 1995 : Best of Imagination
• 1999 : Double Gold
• 2000 : The Very Best of Imagination
• 2004 : Golden Hits
• 2006 : Just an Illusion - The Best Of
• 2009 : Burnin' Up - The Greatest Hits
• 2013 : Flashback - The Very Best of Imagination
• 2014 : Greatest Hits
• 2023 : 40 Years (Imagination featuring Leee John) (Coffret 17CD/189 titres incluant tous les albums du groupe et du chanteur, agrémentés de remixes, Live, démos, inédits,...)

Singles

• All I Want To Know (1982)
• Body talk (1981)
• Flashback (1981)
• In and out of love (1981)
• So good, so right (1981)
• Tell me do you want my love (1981)
• Burnin'up (1981)
• Just an Illusion (1982)
• Music and Lights (1982)
• In the heat of the night (1982)
• Heart N Soul (1982)
• Changes (1983)
• Looking at midnight (1983)
• New Dimension (1983)
• State of love (1984)
• Point of no return (1984)
• This Means war (1984)
• Thank you my love (1984)
• Found my girl (1985)
• Body and soul (1985)
• Last days of summer (1985)
• Sunshine (1986)
• Rock me slow (Leee John)(1986)
• The last time (1987)
• I Know what love is (1987)
• Hot nights (1987)
• Closer (1987)
• Instinctual UK (1987)
• Instinctual US (1988)
• Hold me in your arms (1988)
• Love's taking Over (1989)
• The Megamix (1989)
• Just an Illusion '89 (Promo) (1989)
• Loving tight (1992)
• I like it (1992)
• Call on me (1993)
• Passion (2001)
• The Megamix (2009)
• Betcha By Golly Wow (feat. Leee John) (2011)
• Secrets (2016)

Notes et références

Liens externes

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Après avoir joué dans le groupe des Red Mountain Gospellers, il en fonde un autre, « The Phalansters », puis intègre Taï Phong en 1975, grâce à « des capacités vocales dans les aigus, qui collent tout à fait à leur musique ». Passionné par le travail en studio et chantant en anglais, le groupe sort son premier album en 1975, marqué par le titre Sister Jane. Il rencontre le Franco-Gallois Michael Jones venu le remplacer quand le groupe part en tournée.

Toutefois, c'est fondamentalement sa carrière solo qui lui permet de s'imposer comme l'un des chanteurs les plus populaires de sa génération, avec des titres comme Il suffira d'un signe (1981), Quand la musique est bonne (1982), Je te donne (1985) ou Là-bas (1987). De 1990 à 1995, il fait partie du trio Fredericks Goldman Jones avec Michael Jones et l'Américaine Carole Fredericks, avant de reprendre une carrière solo, qu'il interrompt en 2002.

Au total, il a vendu, selon les différentes sources, de 28,5 millions à plus de 30 millions de disques en son nom propre. Tous ses albums studio (neuf) et en public (six) parus à partir du début des années 1980 ont au moins la certification platine (300 000 exemplaires). Huit de ses albums ont été certifiés diamant (soit plus d'un million d'exemplaires chacun) : sept albums studio et une compilation. Huit de ses singles sont certifiés or, dont sept sortis dans les années 1980 pour plus de 500 000 exemplaires chacun. Trois autres titres des années 1980 sont certifiés argent (plus de 250 000 exemplaires chacun). La chanson Je te donne, sortie en 1985, est son plus gros succès commercial avec une certification platine (plus d'un million d'exemplaires vendus).

En plus de ses propres chansons, Jean-Jacques Goldman écrit et compose pour de nombreux autres artistes, parmi lesquels Johnny Hallyday (albums Gang et Lorada) et Céline Dion (plusieurs collaborations dont D'eux, qui est l'album francophone le plus vendu à ce jour), mais aussi pour des bandes originales de films et génériques d'émissions télévisées.

Jean-Jacques Goldman s'est aussi considérablement engagé auprès d'œuvres humanitaires ou caritatives, notamment Les Restos du cœur, via Les Enfoirés dont il est l'un des fondateurs. Parrain pendant six ans, il est membre jusqu'en 2016, année durant laquelle il annonce son retrait de la troupe.

Des sondages publiés dans Le Journal du dimanche et Le Parisien^,, l'ont désigné à douze reprises personnalité préférée des Français, jusqu'à deux décennies après qu'il eut mis un terme à sa carrière musicale en 2004. Au cours des années 2000, il avait en particulier demandé à être retiré de la liste, par respect pour l'abbé Pierre, longtemps en tête de ce classement, auquel il succède à nouveau de juillet 2013 à janvier 2016, puis de décembre 2017 à décembre 2023^,,,.

Biographie

Famille et formation

Jean-Jacques Goldman naît à Paris dans le 19^e arrondissement de Paris, troisième d'une famille de quatre enfants. Sa mère, Ruth Ambrunn (1922-2008), est juive allemande ; son père, Alter Mojsze Goldman (1909-1988), né à Lublin (Pologne), est un juif polonais. Communiste, il a participé à la Résistance pendant la Seconde Guerre mondiale. Son frère cadet Robert, né en 1953, est auteur-compositeur sous le pseudo J.Kapler.

À sa naissance, il est élevé avec son aîné, le demi-frère Pierre Goldman, et sa sœur Évelyne, née en 1950, future médecin, dans l'appartement du 20^e arrondissement de Paris où « la foule de camarades » de son père « vient se réunir » en 1955 après l'inauguration d'une rue mémorielle, dédiée au "Groupe-Manouchian", située juste en face de chez eux, à l'époque où « une violente discussion » oppose leur père à un autre militant PCF de la famille peu après la mort de Staline à cause du complot des blouses blanches.

Alors que ses parents tiennent un magasin d'articles de sport à Montrouge, avec la franchise Sport 2000, il passe une enfance assez heureuse mais solitaire, puis s'ouvre aux autres dans un groupe parisien des Éclaireuses Éclaireurs de France, association laïque du scoutisme français, qu'il fréquente pendant dix ans^,. De 1958 à 1968, il prend des cours de piano puis de violon, mais il est surtout passionné par la guitare, découverte au coin du feu chez les Éclaireurs. Par la suite, Jean-Jacques Goldman sera plutôt habitué à jouer avec des guitares de type Gibson SG.

Son demi-frère, Pierre Goldman, militant d'extrême gauche dans les années 1960, a rejoint pendant quatorze mois les maquis au Venezuela - où le gouvernement a fait interdire le Parti communiste et le Mouvement de la gauche révolutionnaire -, y attaquant la Royal Bank of Canada pour survivre. Revenu en France, il commet trois attaques à main armée, qu'il a reconnues, lui valant une condamnation à douze ans de réclusion. Il est par ailleurs condamné à perpétuité en 1974 pour le double meurtre de la pharmacie du boulevard Richard-Lenoir en décembre 1969, malgré des démentis et alibis de plusieurs amis antillais^,, lors d'un premier procès au cours duquel « dans les travées, toute la famille se tenait par le bras, comme dans une manif ». Jean-Jacques lui rend visite à la prison de Fresnes, ne partage pas les idées de ses amis, mais « tous s’entendent bien ». En 1976, après la publication d'un livre, son frère est acquitté en appel lors d'un procès retentissant, Pierre Goldman est assassiné en 1979, comme Henri Curiel en 1978, par une nébuleuse clandestine d'extrême droite. Les deux crimes, jamais élucidés, restent mystérieux jusqu'aux révélations du livre de Jean Bataille, ex-inspecteur de police. L'acquittement de Pierre Goldman sera critiqué par un documentaire télévisé utilisant la notoriété de son petit frère, mais sans convaincre, car il élude le principal témoin^,.

Jean-Jacques, lui, n'est qu'un lycéen médiocre au collège du Haut-Mesnil à Montrouge puis, à partir de 1966, au lycée parisien François-Villon, mais surprend en décrochant son baccalauréat D avec mention en 1969. Il intègre ensuite les classes préparatoires économiques et commerciales, où il réussit en 1970 le concours de l'EDHEC, dont il sort diplômé en 1973. En parallèle, il suit deux années d'études en faculté de sociologie et revient à Paris en 1973 avec deux diplômes, celui de l'EDHEC et la licence de sociologie. Au cours de ses années d'études, il visite la Suède (1971), la Turquie (1972), puis le Canada, les États-Unis et le Mexique (1973), se présentant comme un « hippie à traveller's chèques ».

Avec son frère Robert, qui est d'ailleurs devenu son manager, il fonde, le 30 septembre 1980, la maison de production JRG.

Vie privée

Jean-Jacques Goldman se marie le 7 juillet 1975 avec Catherine Morlet, avec laquelle il a trois enfants : Caroline (1975), Michael (1979) et Nina (1985). Caroline devient psychologue pour enfants, comme sa mère ; Michael Goldman est, depuis 2007, cofondateur et président du label My Major Company et Nina est pédiatre.

Divorcé en 1997, il se remarie en octobre 2001 avec une fan, Nathalie Thu Huong-Lagier, née en 1979, franco-vietnamienne, alors étudiante en mathématiques. Elle obtient l'agrégation de mathématiques en 2003, puis un doctorat de mathématiques pures en juin 2007. Ils ont trois filles : Maya (2004), Kimi (2005) et Rose (2007). Nathalie étant originaire de Marseille, le couple s'installe dans un appartement à Plan-de-Cuques, et, à partir de 2011, dans une villa du Roucas-Blanc, un quartier chic de la cité phocéenne.

En octobre 2016, ils s'installent dans une maison d’une banlieue résidentielle de Londres.

Il est de retour à Marseille avec sa famille depuis début 2021.

Carrière

Premiers groupes

À quatorze ans, Jean-Jacques Goldman entre dans la chorale de l'église de Montrouge, les « Red Mountain Gospellers » (traduction littérale de « chanteurs de gospel de Montrouge »), formation musicale dans laquelle il joue du tout nouvel orgue numérique acquis par la paroisse et s'impose rapidement comme le leader. Deux ex des « Red Mountain Gospellers » rejoindront les Gibson Brothers, qui auront un énorme succès disco à la fin des années 1970 .

Ses premiers pas dans un studio d'enregistrement se font en 1966, au sein de ce groupe paroissial constitué de sept membres. Le disque est auto produit par le père Dufourmantelle, prêtre et directeur de la chorale et vendu à la sortie de la messe. Les Red Mountain Gospellers enregistrent un 45 tours de gospel complété d’une reprise de Donovan : Colours. Jean-Jacques, qui a alors 18 ans, y joue de la guitare, de l'harmonica et de l'orgue. Il existe 1 000 exemplaires de ce 45 tours collector, coté 800 euros en 2014.

Dans ses années lycée, Jean-Jacques Goldman découvre le rock et les protest songs de Bob Dylan. Il joue comme guitariste dans plusieurs groupes dans les bals et les discothèques. Il fonde alors « The Phalansters » dont le nom lui est inspiré par les travaux du philosophe Charles Fourier. Alex et Chris Gibson (futurs Gibson Brothers) en font partie. Le groupe se produit même au Golf-Drouot, tremplin du rock français, mais en 1971 le groupe ne survit pas au départ de Jean-Jacques pour Lille où il intègre l'EDHEC. À cette époque, il se produit dans des foyers d'étudiants et des MJC, interprétant des chansons d'Elton John, du folk et du blues. Avec Dominique Proust, ami de jeunesse, il anime les bals, alternant rocks et slows, avec l'objectif de faire transpirer les danseurs car ils sont rémunérés selon la recette du bar.

Taï Phong et débuts difficiles en solo

En 1975, après avoir effectué l'année précédente son service militaire dans l'armée de l'air, sur la base de Villacoublay, Jean-Jacques Goldman rejoint le groupe Taï Phong, participant à trois albums, dans un style progressive rock, avec des textes en anglais (il signe notamment celui de Going away sur le premier, préfigurant sa prédilection pour le thème des départs). Au départ, il ne devait pas chanter avec le groupe, mais remplace le chanteur, alors malade. Le succès est bientôt au rendez-vous avec la chanson Sister Jane, mixée par Andy Scott, tirée du premier album du groupe.

En 1976, après avoir assisté à un concert de Léo Ferré, il déclare :

« Et là, je me suis retrouvé cloué sur ma chaise. Je n'ai pas compris ce qui m'arrivait. Et puis j'ai compris que c'était possible en français, qu'il y a des mots qui peuvent tuer. Il m'a vraiment eu. Il est inhumain. Devant Ferré, qui que tu sois, tu es un petit garçon. Tous les mots comme poésie, mysticisme, dont quinze ans d'Éducation nationale avaient réussi à me dégoûter, je les ai compris. La force des mots, le choc des notes ! »

Il est alors persuadé que l’on peut chanter en français et sort un premier 45 tours en solo qui contient deux titres : C'est pas grave papa et Tu m'as dit, qui passent inaperçus.

En 1977, il sort un deuxième 45 tours comprenant Les Nuits de solitude et Jour bizarre, sans plus de succès.

En 1978, Goldman ne souhaitant pas participer à une tournée de Taï Phong, c’est un nouveau musicien qui est engagé pour le remplacer : Michael Jones (avec qui Goldman collaborera souvent par la suite). Il sort en revanche un troisième 45 tours en solo avec Back to the City again et Laëtitia ; les ventes restent médiocres mais le disque obtient une première recension favorable dans la presse spécialisée.

En 1979, Taï Phong se sépare. « Le groupe s’est arrêté parce que les groupes, ça meurt » déclare Goldman.

Premiers succès (1981-1984)

L'éditeur Marc Lumbroso repère Jean-Jacques Goldman en 1979 et démarche les maisons de disques pour placer ses chansons en tant qu'auteur-compositeur. L'échec est sans appel et Goldman racontera plus tard être devenu chanteur par obligation. En 1981, Lumbroso parvient à lui faire signer un contrat pour cinq albums avec le label Epic. Goldman sort son premier album solo ; il souhaitait l'appeler Démodé (qui deviendra son titre officieux), mais la maison de disques ayant refusé ce titre peu avenant, celui-ci est distribué sans titre, portant seulement le nom du chanteur sur la pochette.

C'est avec la chanson Il suffira d'un signe que Goldman commence à connaître le succès, le single se vendant à 500 000 exemplaires dans l'année. Le second extrait de l'album, Quelque chose de bizarre, sera toutefois un échec commercial. Le chanteur envisage encore de tenir le magasin familial Sport 2000 avec son frère Robert en cas de nouvel échec, et continue à y travailler jusqu'en décembre 1982.

En 1982, sa maison de disques, Epic, presse Jean-Jacques Goldman de sortir un autre album ; celui-ci est à nouveau sans titre, la maison de disques ayant refusé celui voulu par le chanteur, Minoritaire (qui deviendra de même le titre officieux), car « pas assez positif ». Avec des succès comme Quand la musique est bonne, Comme toi, Au bout de mes rêves ou encore Je ne vous parlerai pas d'elle, l'album se vendra à plus de 900 000 exemplaires.

Fort de ce succès confirmé, il persévère et enregistre son troisième album, qui sort cette fois avec un titre officiel : Positif, choisi par le chanteur en réaction au refus des titres des deux premiers albums jugés « négatifs ». L'album, qui contient les tubes Encore un matin, Envole-moi et Long Is the Road (Américain), se vend à plus d'un million d'exemplaires.

Pour sa tournée, il fait appel à un musicien qu’il connaît bien : Michael Jones. C’est à partir de ce moment que la complicité entre les deux artistes commence réellement, alors que les deux se connaissaient depuis les années Taï Phong. En effet, Goldman ne voulait pas quitter son travail pour partir en tournée avec le groupe et c'est Jones qui l'a remplacé après les auditions.

Le succès populaire de Jean-Jacques Goldman à cette époque est contemporain de celui de Renaud, France Gall, Michel Berger, et surtout celui de Daniel Balavoine (L'Aziza, Sauver l'amour, Le Chanteur) et de Gold (Plus près des étoiles, Capitaine abandonné, Laissez-nous chanter et Calicoba) qui comme lui montent dans les aigus. Présenté comme un « Balavoine enrhumé », Goldman est ainsi raillé pour sa « voix de castrat endimanché » et particulièrement visé par le critique Patrice Delbourg.

Un chanteur qui compte (1985-1989)

En 1985, le titre Je marche seul atteint la deuxième place du Top 50 et annonce un nouvel album, intitulé Non homologué. Cet album, vendu à 1,3 million exemplaires, contient son plus gros succès, Je te donne, un duo avec Michael Jones, mêlant des paroles en français et en anglais. La chanson reste huit semaines au sommet du Top 50. Pas toi, autre succès (classé n^o 5), figure aussi sur cet album qui contient d'autres chansons comme La Vie par procuration et Famille.

La tournée qui s'ensuit débute par une polémique, lancée le 5 décembre 1985 par le journaliste Patrice Delbourg, qui titre dans L'Événement du jeudi : « Jean-Jacques Goldman est vraiment nul : l'art de faire le plein avec du vide ». Il traite l'idole des jeunes de « chantre mou », lui reprochant son absence de culture musicale comparé à Étienne Daho ou aux Rita Mitsouko. Cultivant son goût pour l'autodérision féroce, le chanteur se paye une pleine page le 5 décembre 1985 dans Libération et France-Soir, présentant un florilège de ses mauvaises critiques, de L'Express à Rock & Folk, en passant par le journal suisse 24 Heures et les quotidiens régionaux français Nord Littoral et La République du Centre celle de Patrice Delbourg étant intégralement reproduite et occupant la majeure partie de l'espace, le chanteur concluant par un message destiné à ses fans : « Merci d'être venus quand même? ».

Cette tournée entraîne la sortie du premier album enregistré en public de l'artiste, dont est extrait le simple La Vie par procuration, lequel s'impose comme le premier titre enregistré en public à atteindre les sommets du Top 50, se classant deuxième. C'est au cours de cette tournée que l'on découvre Carole Fredericks, alors choriste de studio (elle donne notamment de la voix sur Long is the Road (Américain)).

Cette même année, Jean-Jacques Goldman écrit et compose entièrement l’album Gang, interprété par Johnny Hallyday. Plusieurs titres de l’opus deviennent des tubes et pour plusieurs d'entre eux des titres majeurs du répertoire du chanteur : Je t'attends, J'oublierai ton nom, Je te promets, Laura et L'Envie.

En 1987, sort le double album Entre gris clair et gris foncé, précédé par le tube Elle a fait un bébé toute seule (n^o 2 du Top 50). Goldman reprend contact avec Andy Scott pour en assurer la coproduction, et ce dernier le suit pour le reste de sa carrière. Porté par des gros succès comme Là-bas, en duo avec Sirima (n^o 2), et Puisque tu pars (n^o 3), et par des succès plus mineurs comme Il changeait la vie (n^o 14), l'album se vend à plus de 2 millions d'exemplaires.

Goldman et Sirima enregistreront deux ans plus tard un duo en anglais, I Need To Know, paru sur l'unique album de Sirima.

Période Fredericks Goldman Jones (1990-1994)

À la suite de la tournée Entre gris clair et gris foncé, au cours de laquelle Jean-Jacques Goldman met en avant ses musiciens, il publie l'album live Traces, et enchaîne avec la création de l'album suivant.

Lors du processus de création de l'album, ce sont des chansons à plusieurs voix qui s'imposent naturellement. En 1990, débute une nouvelle phase dans la carrière de l'artiste : il s'entoure de ses amis Carole Fredericks et Michael Jones, et publie un premier album avec leurs noms, Fredericks Goldman Jones (simplement dans l'ordre alphabétique, dans une volonté de ne pas se mettre en avant), qui devient par extension le nom du trio. Le titre initialement envisagé était Récréation, à entendre sous la sonorité « Re-création ». L'album, qui contient des succès comme Nuit, À nos actes manqués et Né en 17 à Leidenstadt ainsi que Un, deux, trois ou encore C'est pas d'l'amour, se vend à plus de 2 millions d'exemplaires.

En 1993, paraît l'album Rouge. Le trio profite de la chute du rideau de fer pour enregistrer une partie de son album à Moscou. Outre la chanson titre, l'album contient les chansons Juste après et Fermer les yeux, et se vend à près de 1,3 million d'exemplaires.

Les tournées du trio Fredericks Goldman Jones alternent des concerts devant plusieurs milliers de personnes au Zénith de Paris et d'autres avec seulement une petite centaine de spectateurs dans des salles de la métropole française. L'enregistrement qui suit cette deuxième tournée du groupe donne naissance à l'album Du New Morning au Zénith, retraçant les ambiances bien différentes des spectacles.

Collaborations, notamment avec Céline Dion (1994-1997)

En 1995, c'est sa première collaboration avec Céline Dion pour D'eux : Jean-Jacques Goldman va chercher Céline Dion ; il est sensible à la voix puissante de la chanteuse.

En 1997, il cosigne Aïcha, le tube de Khaled. Puis collabore à nouveau avec Patricia Kaas.

En 1998, il signe la quasi-totalité des titres du nouvel album de Céline Dion S'il suffisait d'aimer.

Derniers albums (1997-2002)

En 1997, Jean-Jacques Goldman revient à des mélodies brutes, acoustiques et blues pour son nouvel album solo, En passant, qui connaît à nouveau un grand succès (plus d'un million de ventes) avec des chansons comme Sache que je, On ira, Bonne idée, Quand tu danses et Le Coureur. Album résolument intimiste, il traite en partie des thèmes de l'existence et de l'amour (il s'est séparé de sa première épouse ce qui se ressent dans certains textes empreints d'amertume), et comporte quelques allusions personnelles (rares chez Goldman) comme dans Les Murailles ou Quand tu danses.

La tournée qui suit est, elle aussi, beaucoup plus intimiste et plus acoustique que la précédente.

En 2001, Jean-Jacques Goldman se veut « musicien pour les pieds » ; en d'autres termes, un auteur de chansons faites pour danser. L'album acoustique aux percussions plus recherchées qu'était En passant fait alors place à un disque très simple musicalement, mais avec des arrangements différents pour chaque chanson, chaque nouvelle danse. Zouk, gigue, disco côtoient les traditionnelles ballades du chanteur. L'album se vend à 1,6 million d'exemplaires, soutenu par les titres Ensemble, Tournent les violons, Les Choses, Je voudrais vous revoir ou encore Et l'on n'y peut rien.

Le décès de Carole Fredericks le 7 juin 2001 le marque beaucoup.

En 2002, il rappelle sa troupe de musiciens pour une tournée qui fait l'objet de l'enregistrement en public Un tour ensemble. il s'agit là de la dernière tournée en date et du dernier album à ce jour. Il y rend hommage à Carole Fredericks avec la chanson Juste après.

Retrait de la scène musicale et publique dans les années 2000

Alors qu'il n’est presque plus remonté sur scène depuis fin 2002, souhaitant une nouvelle vie de père disponible et présent, d’époux attentionné, et qu'il n’a pas sorti de nouvel album non plus, en 2005, lors d’une longue interview à Marseille, Jean-Jacques Goldman confie à son ami et biographe Fred Hidalgo, créateur du mensuel spécialisé « Paroles et musique », sa décision d’arrêter sa carrière.

L'année précédente, il avait lors des Francofolies de la Rochelle annoncé à ses musiciens que c'était le dernier concert qu'il a effectué avec eux, faisant ainsi ses adieux à la scène et composé une chanson en l'honneur de Michael Jones sur l'album de ce dernier, Le Frère que j'ai choisi puis sorti en fin d'année le single La Chanteuse de bal, une chanson écrite et composée pour Liane Foly.

Il continue cependant à écrire. En 2005, il compose trois titres (textes et musique) et deux textes pour l'album de Patrick Fiori, Si on chantait plus fort. En 2006, il signe les paroles de Viens me chercher dans l'album de Garou, et sort en 2007 4 Mots sur un piano, un titre composé et chanté par Goldman, accompagné de Christine Ricol et Patrick Fiori.

En 2009, il écrit pour Calogero le titre C'est dit, adapte deux chansons de Michael Jones (Comme un père et D'hôtel en hôtel) et participe en décembre au concert de Patrick Fiori à Aix-en-Provence.

En 2010, il compose quatre titres et un texte sur le nouvel album de Patrick Fiori, L'Instinct masculin, dont le single Peut-être que peut-être. En novembre 2010, il interprète La Promesse, en duo avec Grégoire. En trente ans de carrière, c'est la seconde fois que Goldman interprète un duo sur une chanson originale qu'il n'a ni écrite, ni composée (après Petite Marie en 1993). En fin d'année, il écrit pour Calogero C'est d'ici que je vous écris, premier extrait du best of de Calogero.

Initialement sollicité pour la composition de la bande originale du long métrage Titeuf, le film, Goldman n'a finalement ni écrit ni composé. Il a malgré tout eu un rôle clé, puisqu'il a réussi à inciter Zep à composer lui-même la musique, avec l'aide de Robert Goldman, Nicolas Neidhardt et Thierry Blanchard. On le retrouve tout de même sur le titre Les filles à quoi ça sert ?, accompagné par Bénabar, Francis Cabrel et Alain Souchon.

En janvier 2011, Jean-Jacques Goldman annonce que son retour en solo n'est pas à l'ordre du jour, et qu'aucun album n'est prévu dans les années à venir. À l'occasion du concert donné par Rockaway à l'Olympia le 15 mai 2011 pour l'association ELA, Goldman interprète Border Song d'Elton John. Le 21 juillet 2011, il donne un concert à Ouveillan pour Les vendanges du cœur en compagnie de Patrick Fiori, parrain de la manifestation, et de Mickaël Miro.

Le 20 juillet 2014, c'est de nouveau à Ouveillan dans l'Aude qu'il vient donner un concert pour les 20 ans des vendanges du cœur en compagnie de Yannick Noah, Patrick Fiori, Pascal Obispo, Tina Arena, Jean-Pierre Mader et son acolyte de toujours, Michael Jones.

Génération Goldman et « personnalité préférée des Français »

En 1986, Jean-Jacques Goldman, élu chanteur de l'année aux Victoires de la Musique, est le chanteur français préféré des lecteurs du magazine Salut ! et le meilleur défenseur de la chanson française, après Michel Sardou, pour ceux de Paris-Match puis le chanteur préféré des Français selon Ipsos. Par la suite, il est arrivé 12 fois en tête du palmarès de la personnalité préférée des Français, dont il a existé plusieurs versions, publiées par le JDD mais aussi par Le Parisien, avec deux instituts de sondages différents. Lorsqu'il était arrivé en tête, devant l'abbé Pierre, précédente personnalité en tête, « il avait demandé que son nom soit retiré du classement » et « n'avait accepté d'y être réintégré qu'après le décès du vénérable ecclésiastique » décédé en 2007.

En novembre 2012, sort un album de reprises intitulé Génération Goldman, à l'initiative du label My Major Company. Vendu à plus 800 000 exemplaires, il devient l'un des albums les plus vendus de la décennie et relance l’intérêt de la jeune génération pour les chansons de Jean-Jacques Goldman. En décembre de la même année, il écrit et compose le single des Enfoirés, Attention au départ.

En décembre 2012, un sondage du journal Le Parisien consacre Jean-Jacques Goldman « personnalité préférée des Français » parmi un choix de réponses spontanées. Le chanteur n'a alors pas sorti d'album, ni donné de concert ou d'interview depuis une dizaine d'années. Ce classement est notamment à mettre en parallèle avec la sortie récente de l'album Génération Goldman qui est un grand succès.

En mars 2013, il participe à un clip visant à promouvoir les activités de la communauté de l'Arche, qui accueille des personnes handicapées mentales.

Pour le film Papa Was Not a Rolling Stone, il enregistre une version d'Envole-moi en acoustique pure. On apprend par la réalisatrice qu’il y avait un rôle pour lui mais qu’il l’a refusé.

En 2013, le morceau Là-bas est présenté à l’épreuve de français du baccalauréat professionnel. Puis début août, Le Journal du dimanche publie le résultat de son classement des « 50 personnalités préférées des Français », en réintégrant le nom de Jean-Jacques Goldman parmi les 58 propositions faites aux sondés (le chanteur avait été retiré de la liste 10 ans auparavant, à sa propre demande). Le résultat du sondage le propulse à la première place du classement. En janvier 2016, Jean-Jacques Goldman reste la personnalité préférée des Français pour la 6^e fois consécutive. Après avoir été détrôné par Omar Sy durant plusieurs mois, le chanteur récupère la première place du classement en décembre 2017. Que ce soit en 2018, 2019, 2020, 2021, 2022 ou 2023, il reste à la première place du classement. En 2015, Il écrit en réponse que sa gratitude « est infinie?» et quelques jours après part en vacances en camping puis dans un hôtel à la montagne où il « déjeune avec tout le monde, sans lunettes de soleil ni casquette », presque personne n'osant l'aborder.

Il écrit Chez nous paru sur l'album Promesse, sorti en 2017, de Patrick Fiori en duo avec Soprano. En 2018, il fait une brève apparition dans le clip d'une chanson qu'il a écrite et composée pour Fiori, Les gens qu'on aime.

Le 2 septembre 2019, il déclare l'ouverture de la quatrième saison de Quotidien, dont il devient le parrain.

Durant l'été 2021, France Bleu célèbre les 70 ans de Jean-Jacques Goldman et Claire Keim raconte la création de 40 tubes.

En 2022, il écrit la chanson Quand pour le groupe Trois Cafés gourmands, premier single d'un album qui paraîtra à l'automne 2022.

En novembre 2023, il écrit Le bonheur est multicolore pour la soprano anglaise Sarah Brightman. Le mois suivant, est dévoilé Pense à nous, morceau écrit pour le violoncelliste Gautier Capuçon.

L'Héritage Goldman volume 1

Sorti en janvier 2022, L'Héritage Goldman - Volume 1 réunit le Chœur Gospel de Paris, Michael Jones et quelques-unes des plus belles voix de la nouvelle génération (Marina Kaye, Lilian Renaud, Marghe, Mentissa, Cyprien?), autour des grandes chansons de Jean-Jacques Goldman. Le premier opus est réalisé et arrangé par Erick Benzi, collaborateur et ami de longue date de l'artiste.

L'Héritage Goldman (Spectacle)

C'est un spectacle musical dédié à ses classiques, avec des musiciens originaux tels que Michael Jones et de nouveaux talents de la scène musicale française. Mis en scène par Erick Benzi, le spectacle propose une nouvelle interprétation des chansons représentatives de Goldman. Bien qu'il ne se produise plus, son héritage musical continuera de toucher différentes générations à travers ce projet. La tournée sillonnera la France et l'étranger, offrant aux fans la possibilité de découvrir l'essence de la musique de Goldman dans de grandes salles jusqu'en octobre 2024 : de Porcieu à Lyon, de Paris à Nice et de Lille à Clermont-Ferrand et à Bruxelles.

Goldman et les médias

Jean-Jacques Goldman a « vécu avec une forme de recul » les critiques, dans des médias comme L'Événement du jeudi et L'Express, se déclarant « assez content de déplaire » à ce qu'il a toujours considéré « comme une caste de gens réactionnaires », qu'il a critiqués en 1985, 1988 ou encore 2023, les évitant à partir du XXI^e siècle, en estimant que la présence de « ses petites chansons » dans « la vie des gens » est « plus précieuse que d'être célébré à travers des livres, disques, ou documentaires ». Mais, dès 1975, son premier album avec Tai Phong suscite « l'admiration du magazine Rock and Folk pour la guitare et la voix » et deux critiques positives dans France-Soir et en 1981, la presse voit en lui « avant tout un être intelligent » avec « finesse et culture, sans ostentation », selon la compilation de Jean-Michel Fontaine, spécialiste reconnu et fondateur d’un des sites internet les plus complets sur le chanteur. En mars 1983, juste après sa première grande interview, à Didier Varrod dans Numéros un de, Jean-Louis Foulquier l'invite sur France Inter dans Pollen, les copains d'abord lors du festival des Francofolies de La Rochelle.

Numéros Un de mars 1984 publie une compilation des articles dans la presse généraliste, constatant d'assez bonnes critiques, même si cette dernière déplore de ne pouvoir l'interviewer plus souvent car le chanteur, en se dérobant, manque à « son devoir », même si le magazine explique qu'il est surtout "resté sur ses gardes" pour ne pas apparaître dans ce type de média sous le visage éventuel de "l'homme public", quelques années seulement après l'assassinat de son demi-frère Pierre Goldman, et ses chansons comme "une banale révolte façon soixante huitarde". Le quotidien de gauche Le Matin trouve ainsi « un peu irritant » de le « voir sans cesse étalé à la une de la presse jeune, lui qui vaut beaucoup mieux que ça », car avec lui « une étoile est née », une future « valeur sûre de la chanson française », grâce à « très bonnes idées de chansons », des « mélodies superbes », assez dansantes « faire un malheur dans les boîtes » de nuit et « une espèce d'enthousiasme » qui doit se concrétiser plus de régularité dans la qualité des textes/ Le chanteur fait alors savoir, que méticuleux dans l'écriture, il a toujours en poche un carnet où noter des détails et Le Monde, lui, loue « l'écriture précise » d'un artiste « dépourvu de toute démagogie », qui savoure « le plaisir de jouer avec les mots et les musiques », en « symbiose avec un public heureux d'un partage des émotions spontanément offertes », ce qui fait que « chaque concert est chaleureux, se déroule sur une dynamique irrésistible ». Paroles et Musique, salue aussi « un homme de scène », pas seulement « un collectionneur de tubes », dont les titres des deux derniers albums, "Positif" et "Non homologué", « définissent assez bien la personnalité ».

Numéros Un a fait en 1984 l'inventaire des passages parfois critiques, au sein des articles louangeurs de la presse généraliste, observant que Libération a vu dans la chanson Il suffira d'un signe un « signe réellement encourageant pour du très bon » mais déploré que tube suivant se soit fourvoyé dans une « ritournelle plagiée et sans saveur ». Quand la musique est bonne est en effet un hommage à Tobacco Road de John D. Loudermilk et reprise par de nombreux artistes, plagie effectivement sa trouvaille musicale, selon le livre de l'expert Alister^, mais la cite et y fait référence explicitement (« J'ai trop rôdé dans les tobacco road ». Quinze jours après, dans une interview à France Soir, qui salue sa capacité à « toucher le cœur de son public » et observe depuis novembre 1984 un « tourbillon des sollicitations », qui ne « lui laisse aucun temps de répit », le chanteur observe que son succès auprès des médias n'est qu'une « question de circonstances, de mode et de chance » et ne « prouve rien », en espérant « que ses passages répétés ne lasseront pas les téléspectateurs ». Il confiera même n'avoir pas invité ses parents à ce premier Olympia de 1984 car "pour eux cela n'avait aucune signification et qu'il en avait presque honte, comme passer à la télé", alors que s'il avait écrit un livre, trouvé quelque chose en médecine, fait quelque chose de bien, "il en aurait été fier" devant eux.

Quant aux critiques négatives, le chanteur les retourne avec humour via une page de publicité dans Libération du 20 décembre 1985, qu'il fait distribuer lors des concerts, reprenant intégralement les articles de Patrice Delbourg dans L'Evénement du jeudi et L'Express, accompagnés du commentaire « Merci d'être venu quand même ». Le premier, titré « Jean-Jacques Goldman est vraiment nul : l'art de faire le plein avec du vide », « déchaine les passions et colères », notamment dans le courrier des lecteurs, avec un millier lettres de protestations et des dizaines d'abonnements résiliés obligeant l'hebdomadaire à consacrer à « l'affaire ( J.-J. ) Goldman », rédigé Judith Saymal, responsable de «L'Événement des lecteurs » le 19 décembre dans l'édition suivante un article complet en plus d'un éditorial. Marie Muller prend sa défense dans un article humoristique du Nouvel Observateur du 20-26 décembre 1985, admiratif du « chanteur français le plus populaire des années 80 » rappelant un public plus divers que prétendu (un tiers est masculin), mais commet deux bévues, oubliant de préciser que ses deux parents sont français et ne retournant pas son appel, échaudée par des blagues de lecteurs s'étant fait passer pour lui. Patrice Delbourg devenu « l'ennemi intime » du chanteur, signera d'autres textes incendiaires contre Benjamin Biolay et Yves Duteil, notamment dans un livre de 2013^,.

Les précédentes biographies du chanteur et celle d’Ivan Jablonka en 2023 diffèrent fortement sur sa relation aux média, Goldman dénonçant dans Le Canard enchaîné une « duperie » dans les livres de ce dernier, parus en 2019 et 2023. En opérant la promotion de celui de 2023, Ivan Jablonka affirme dans plusieurs médias que Goldman « a été honni par la presse intellectuelle de gauche dans les années 1980 »^,, qui lui aurait reproché de n'être « pas assez révolutionnaire » et « trop mou », en raison de « la lutte fratricide entre les deux gauches, qui passent au travers de la famille Goldman, puisque le demi-frère de Jean-Jacques, Pierre, était un gauchiste de choc ». Mais son propre livre n'étaie pas cette affirmation, s’en tenant à un article de Rémy Kolpa Kopoul en 1984 dans Libération, mentionnant simplement que Jean-Jacques est « trop gentiment rock pour être rock'n'roll ». Libération était cependant en 1984 un quotidien à l'opposé de celui des années 1970 car entièrement rallié au néolibéralisme, coproducteur la même année avec Bernard Tapie de l'émission Vive la crise, qualifiée de «Groland de droite», prêchant pour un tournant politique encore plus néolibéral et préparant le public à des restrictions drastiques des aides sociales.

L’extrait de l’article de Rémy Kolpa Kopoul cité par Jablonka 39 ans plus tard est sorti de son contexte, l'article étant globalement favorable au chanteur, ne mentionnant sa gentillesse que pour souligner sa popularité et répondre au reportage, lui très sarcastique, paru la veille dans L'Express du 30 mars 1984, qui décrit avec ironie le public de ses concerts comme « une majorité de mouflets. À peine des ados, des pré-ados. Du 12-13 ans » et « tout droit sortis de La Boum 3 », la chanson Au bout de mes rêves, avec une voix « qui s'étrangle dans les aigus », provoquant « une demi-émeute chez les gniards, qui lèvent le poing ».

Comme Rémy Kolpa Kopoul, Sorj Chalandon, autre journaliste de Libération, fut très proche du demi-frère du chanteur, Pierre Goldman, le soutenant lors du procès où il fut acquitté en 1976. La période où avait milité au sein de l'extrême-gauche française, entre 1958 et 1966, est elle encore plus ancienne. Ce passé n'a pas empêché Sorj Chalandon de compter parmi les meilleurs amis du chanteur, avec qui il joue régulièrement au tennis. Dès août 1985, dans une interview, Goldman souligne qu'il conserve de l’admiration pour Libération, son seul reproche concernant un autre article, signé par un contributeur extérieur au journal, alors que Rémy Kolpa Kopoul était, lui, un de ses salariés et cofondateurs. Dans ses propos de 2023, Ivan Jablonka, s'appuie sur ceux de la chanteuse Juliette Armanet jugeant « immonde » et « de droite », la chanson "Les Lacs du Connemara" de Michel Sardou pour interpréter négativement les six mots extraits de l'article de Libération de 1984.

Quand la première tournée débute le 3 mars 1984 en Suisse à Beaulieu, «24 heures» publie un article très critiquesur le concert de deux heures^,.

En juillet 1985, peu après la chanson We Are the World de Bob Geldof, porte-parole du « Band Aid », et juste avant le concert géant en mondiovision dans le plus grand stade football d’Angleterre, Lionel Rotcage et Claude Loupien montrent que seule une petite partie de l’argent levé servira vraiment à combattre la famine de 1984-1985 en Éthiopie, dans un article de Libération titré « 46 francs = 0,02 francs », indisposant le petit groupe d'artistes français invités dans les tribunes par RTL, parmi lesquels Goldman, qui le font savoir à l’auteur lors d’un dîner commun. Sur scène, une pléthore de stars comme Michael Jackson mais aucun français, malgré deux initiatives dans l’hexagone, "Tam Tam pour l’Éthiopie" et la "chanson pour l’Éthiopie", écrite par Renaud, dont Goldman a réécrit deux couplets, à une époque où le tiers-mondisme est scruté de près par la fondation Liberté sans frontières, de Claude Malhuret. En octobre, un second article, également dans Libération, titré « Chanteurs sans public », observe cette fois les erreurs d'organisation d’un autre concert pour l’Éthiopie, au parc de La Courneuve de la Courneuve le 13 octobre, censé répliquer celui de Londres, mais accueillant dix à quinze fois moins de spectateurs qu’attendu, malgré un duo avec Daniel Balavoine, qui recevra en décembre le prix Sos Racisme pour la chanson L'Aziza écrite pour sa femme Corinne.

Goldman et la politique

Selon la plupart de ses biographes, le chanteur est attaché au pluralisme politique et limite ses engagements au soutien à des œuvres humanitaires et causes artistiques. Sandro Cassati souligne en 2014 qu'il « se mêle peu de politique ». Selon Fred Hidalgo en 2018, Goldman possède « une culture politique et économique étendue », dans le sillage de ses parents ou de son frère, auteur d’une maîtrise sur les écrits politiques de Jean-Paul Sartre, mais ne s'engage dans aucun camp.

Ivan Jablonka estime au contraire en 2023 que « la mort de Rocard en 2016 » a entraîné « la disparition définitive [du] goldmanisme ». Auteur d'une énième biographie où il « sort régulièrement de ses gonds d’historien pour se faire défenseur apologiste, voire pamphlétaire », il souligne que « Goldman avait accepté d'interroger Michel Rocard » pour Le Nouvel Observateur, trois mois avant l'élection présidentielle de 1988, mais sans préciser qu'il n'était alors pas candidat (François Mitterrand l'ayant informé dès le 5 décembre 1987 qu'il le serait très probablement) ni que le chanteur avait alors dit poser ses questions seulement parce que Michel Rocard n'avait jamais dirigé de gouvernement. Sans s'engager dans la campagne, il s'en était tenu à des questions ciblées sur le statut des fonctionnaires, la valorisation du métier d’instituteur et l’aide apportée à l’Éthiopie ou aux Restos du Cœur, soulignera L'Obs, trente-cinq après, en republiant cet entretien en 2023 après la sortie du livre d'Ivan Jablonka. La couverture du même numéro de l'hebdomadaire de février 1988, titrant « Génération Goldman », fut un « coup médiatique » qui avait immédiatement mis « Jean-Jacques hors de lui », rappellera un autre biographe. Peu avant l'effondrement du Parti socialiste (PS) aux législatives de 1993, dans une brasserie de Conflans-Sainte-Honorine, petite ville dont Rocard restait maire, Goldman déclare « le PS je m’en fiche, ce qui m’ennuierait c’est que Michel Rocard ne soit pas à l’Assemblée nationale »^,.

L'ex-premier ministre, alors marginalisé par le président François Mitterrand au sein du PS, affronte dix mois après, la candidature de Bernard Tapie aux européennes de 1994, encouragée par l'Élysée. Tapie y battant Rocard, le chanteur prend le temps, en 1994 aussi, de se présenter dans les médias avec le footballeur Jacques Glassmann, « sorte de lanceur d'alerte avant l'heure », dénonciateur dès 1993 de la tentative de corruption de Bernard Tapie sur deux de ses coéquipiers et lui-même, sans craindre la domination des médias par Tapie ni d'être sifflé dans les stades, avait rappelé l'historien Yvan Gastaut dès janvier 2023. Goldman a dédié au sportif la chanson Footez-moi la paix et préfacé son livre.

Soutien aux œuvres humanitaires

Jean-Jacques Goldman a depuis longtemps mis son talent au profit d'œuvres humanitaires, notamment :

• le concert des Potes à la Concorde le 15 juin;
• sa participation au collectif Chanteurs sans frontières (sous la direction de Renaud) dans la chanson SOS Éthiopie pour laquelle il imposera à Renaud une modification du texte;
• sa participation à l'association Les Restos du cœur, pour laquelle il compose La chanson des Restos, devenant le principal organisateur de l'association à la mort de Coluche ;
• sa participation à « Dernier matin d'Asie » (collectif Sampan) en faveur des boat-people ;
• ses participations au Sidaction, Solidarité Asie, Solidarité inondation, etc.

En 1993, il chante Petite Marie de Francis Cabrel avec Patrick Fiori et Jay pour l'album Les enfants de la Terre.

En 1995, en compagnie de vignerons d’Ouveillan, un petit village audois, il crée « les Vendanges du Cœur » ; associant deux divinités mythiques, Apollon et Bacchus, ce geste de solidarité organisé chaque été au profit des « Restos du cœur » débuta par un concert béni de Zeus. Goldman fait d'ailleurs partie des personnalités publiques participant aux actions annuelles des « Restos du cœur », en tant qu'initiateur (sous l'impulsion de Coluche) et comme l'un des organisateurs du concert et des disques réalisés sous le nom collectif Les Enfoirés, qui rencontrent chaque année un important succès et génèrent 20?% des recettes de l'association (en additionnant les recettes des concerts et des ventes de CD / DVD). De 1986 à 1992, il est le parrain de l'association, avant de passer le flambeau à Muriel Robin.

Le 9 janvier 2012, sort le single des Enfoirés : Encore un autre hiver, coécrit par Goldman en collaboration avec Grégoire et composé par ce dernier. À l'été 2012, sort le premier single du groupe Circus, Sur un fil ; le groupe se compose des chanteurs Calogero, Stanislas et Philippe Uminski, ainsi que d'Elsa Fourlon et Karen Brunon. Le titre est composé par Calogero et Stanislas, et le texte est signé Jean-Jacques Goldman.

Le 9 janvier 2015, sort Toute la vie, nouveau single que Goldman a écrit pour les Enfoirés. La chanson provoque une polémique en France au début du mois de mars 2015. Selon certaines critiques, le clip et les paroles de la chanson opposent les générations et donnent une image fausse de la jeunesse, ce qui conférerait à la chanson un caractère « réactionnaire ». Goldman, surpris par les réactions négatives, répond à la polémique de manière décalée. Néanmoins, l'ambiance se ternit, la polémique met au jour des dissensions larvées au sein du collectif sans cesse étoffé (aspect qui a également suscité des critiques, visant aussi bien l'intégration d'acteurs ou de sportifs, que la présence jugée opportuniste de personnalités dont la carrière personnelle est en perte de vitesse, qui se serviraient de l'œuvre caritative pour redorer leur image publique).

En 2016, après avoir été pendant trente ans le « chef d’orchestre » du spectacle des Enfoirés, Jean-Jacques Goldman quitte cette troupe d'artistes, « pour vivre d’autres aventures ». Il se juge désormais « trop âgé pour continuer à représenter l’esprit des Enfoirés », indiquant à ce propos : « On prépare la relève depuis quelques éditions aux Enfoirés. [?] Une équipe rajeunie prend de plus en plus les choses en main et de jeunes artistes s’impliquent. [?] À 65 ans et après trente ans d’Enfoirés, je crois qu’il est temps de passer la main. Je n’ai plus la créativité, les idées, la modernité que nécessite une telle émission ».

Le 23 mars 2020, il reprend ]]> Mon, 23 Dec 2024 07:09:00 +0000 https://www.speed-one.fr/index.php/index.php/artistes/jimmy-cliff-25 https://www.speed-one.fr/index.php/index.php/artistes/jimmy-cliff-25 Jimmy Cliff, né James Chambers, est un acteur et auteur-compositeur-interprète de reggae jamaïcain né le 30 juillet 1944 dans le Somerton District de la Paroisse de Saint James en Jamaïque.

L'artiste, de renommée internationale, est ouvert à différentes influences musicales. Ses chansons les plus célèbres sont : Many Rivers to Cross (1969), The Harder They Come (1972), Reggae Night (1984), I Can See Clearly Now, (1992), Hakuna Matata (1995).

Le chanteur a obtenu deux fois le Grammy Award du meilleur album de reggae : en 1986 pour Cliff Hanger ainsi qu'en 2013 pour Rebirth.

En 2010, il entre au Rock and Roll Hall of Fame.

Biographie

Débuts

Élevé par son père dans un milieu très pauvre , il quitte l'école à treize ans. Il apprend les chansons de rock 'n' roll de Fats Domino, Little Richard, Bobby Day ou Dee Clark. Sa carrière débute lorsqu'il quitte la campagne en autobus pour la capitale Kingston, où il rencontre Count Boysie (ne pas confondre avec Count Basie...) avec qui il enregistre les ska Daisy Got Me Crazy et I'm Sorry pour le sound system de sir Cavalier.

Fin 1961, il propose quelques chansons à Leslie Kong, dont le titre Dearest Beverley, qui décide le marchand de glaces à investir dans son premier enregistrement et à créer la marque Beverley's. Le disque sort en Angleterre chez Island Records en même temps que celui de Bob Marley. Mais seul Hurricane Hatty de Jimmy Cliff deviendra un succès. Il enregistre d'autres singles chez Leslie Kong, dont King Of Kings et l'énorme succès local Miss Jamaica.

En 1964, Jimmy part en tournée avec Byron Lee, et s'envole avec lui pour New York en compagnie de Prince Buster, Millie Small et Delroy Wilson dans le but de promouvoir le ska aux États-Unis. Au cours de la même année, Cliff a été choisi comme l'un des représentants de la Jamaïque à l'Exposition universelle, et il a participé à un programme appelé This is Ska! aux côtés de Prince Buster, Toots and the Maytals, et Byron Lee and the Dragonaires. En 1965, il part pour Londres où il rencontre Chris Blackwell. Celui-ci le fait tourner avec un groupe de rockeurs blancs, dont Ian Hunter à la guitare et P.P. Arnold aux chœurs (ils passent à Paris au Palais des Sports en 1968). Il enregistre la reprise de Whiter Shade Of Pale de Procol Harum pour Island.

Premiers succès internationaux

En 1968, au Brésil, il représente la Jamaïque au concours international de la chanson qu'il gagne avec le titre Waterfall, qui lui vaut un succès énorme en Amérique du Sud. Il signe alors chez A&M et écrit le reggae Wonderful World, Beautiful People qui triomphe en Angleterre en 1969. Son premier album, réalisé par Leslie Kong, sort chez A&M aux États-Unis et chez Trojan en Grande-Bretagne. Il contient le morceau Vietnam, qui fait grande impression à Bob Dylan et à Paul Simon. On y trouve aussi la ballade Many Rivers To Cross, repris plus tard par Joe Cocker.

Jimmy Cliff obtient alors le premier rôle dans le film The Harder They Come de Perry Henzell qui raconte la dure réalité de l'industrie du disque en Jamaïque. Le tournage du film dure deux ans. Entretemps, Jimmy enregistre deux autres disques, Hard Road To Travel (Trojan-A&M) où l'on trouve une influence jamaïcaine teintée de pop anglaise. Avec Another Cycle (Island), il affirme son intention de toucher à tous les styles.

La bande-son du film est un grand succès pour Island. Il contient deux versions de The Harder They Come et les morceaux You Can Get It If You Really Want et Sitting In Limbo. Les autres titres sont de Desmond Dekker, Toots & The Maytals, The Melodians, Scotty et The Slickers. Jimmy refuse alors la proposition de Chris Blackwell et signe chez EMI et sort l'album Unlimited, sans succès. Il retourne alors chez Island et renoue avec un reggae rapide typique des premières années avec Struggling Man (1974).

Il enregistre des disques de pop, s'essaie aux rythmes sud-américains et collabore avec le chanteur de reggae Joe Higgs. Il enchaîne plusieurs albums aux styles ensoleillés dans différentes maisons de disques.

Evolution

En 1982, le titre Many Rivers to Cross est utilisé dans une publicité télévisée pour un parfum en France. La chanson est rééditée en 45 tours et se vend à 150 000 exemplaires.

L'année 1982 est une année charnière pour Jimmy Cliff quand il signe un nouveau contrat avec CBS, il est tourné vers l'Afrique et l'Amérique du Sud. Parallèlement, il fait la connaissance d'Amir Bayyan, un des guitaristes et claviéristes de Kool & The Gang. Ensemble, ils produiront les albums The Power & The Glory (1983) (qui contient Reggae Night, We All Are One et sera disque d'or en France), Cliff Hanger (1985) (qui contient Hot Shot, American Sweet et lui permet d'obtenir son premier Grammy Award du meilleur album de reggae) et Hanging Fire (1987) (qui contient notamment Love me Love me). Les musiciens de Kool & The Gang participeront aux enregistrements de la plupart d'entre eux. Ces trois albums propulseront Jimmy Cliff sur la scène internationale. Ces albums ont souvent une connotation humaniste chère à Jimmy Cliff. Il participe également à l'album Sun City avec le groupe Artists United Against Apartheid créé par Steven Van Zandt. En 1986, il fait les choeurs sur l'album Dirty Work des Rolling Stones.

En 1992, il obtient un nouveau succès en reprenant I Can See Clearly Now de Johnny Nash. Le titre porte la bande-son du film Rasta Rockett. En 1994, il participe à la bande originale du dessin animé de Walt Disney Le Roi lion, (1994 ) avec le titre Hakuna Matata.

Il obtient enfin un dernier tube en France en duo avec Bernard Lavilliers : Melody Tempo Harmony. En 1996, il se produit à la Fête de l'Humanité. En 1997, il sort l'album Higher and Higher qui sera disque d'or en France. Dans l'Hexagone, Jimmy Cliff a vendu deux millions de singles et un million d'albums.

Années 2000 à nos jours

L'artiste collabore avec Annie Lennox, Joe Strummer et Sting pour son album Fantastic Plastic People en 2002. Il retravaillera certaines chansons pour son album Black Magic en 2004 et leur donnera un son plus électronique.

Le 20 octobre 2003, le gouvernement jamaïcain décore Jimmy Cliff de l'Ordre du mérite.

En 2005, il interprète en duo avec Yannick Noah Take Your Time. Son titre Sitting in Limbo est utilisé pour la bande son du film In Her Shoes de Curtis Hanson.

En mars 2010, il devient membre du Rock and Roll Hall of Fame lors d'une cérémonie d'intronisation tenue au Waldorf Astoria de New York. La même année, il sort l'album Existence.

Jimmy Cliff est apparu dans le documentaire de 2011 Reggae Got Soul: The Story of Toots and the Maytals (Le reggae a de l'âme : l'histoire de Toots and the Maytals) qui a été diffusé sur la chaîne BBC et a été décrit comme « l'histoire jamais racontée de l'un des artistes les plus influents à avoir jamais émergé de Jamaïque »^,. En 2012 paraît l'album Rebirth et lui vaudra son deuxième Grammy Award du meilleur album de reggae .

En 2022, après dix ans d'absence, il sort l'album Refugees pour lequel il collabore avec Wyclef Jean, Dwight Richards et sa fille Lilty Cliff .

Vie privée

Contrairement à la plupart de ses compatriotes qui adoptent les thèses du rastafarisme, Jimmy Cliff est d'abord chrétien par son éducation. Ensuite il fera pendant quelque temps l'expérience de l'islam après une conversion au Sénégal (en prenant comme nouveau nom : El Hadj Naïm Bachir^,). Désormais il affirme croire en la science.

Il est marié et a un fils Aken et deux filles Lilty et Nabiyah Be qui est chanteuse et actrice^,.

Discographie

Charts

Classement dans les charts britanniques (durée et meilleure position)  :

• 1969 : Wonderful World, Beautiful People, 13 semaines, ? n°6
• 1970 : Vietnam, 3 semaines, ? n°46
• 1970 : Wild World, 12 semaines, ? n°8
• 1994 : I Can See Clearly Now, 5 semaines, ? n°23

Classement dans les charts américains (durée et meilleure position)  :

• 1969 : Wonderful World, Beautiful People, 11 semaines, ? n°25
• 1994 : I Can See Clearly Now, 25 semaines, ? n°18

Classement dans les charts français (meilleure position) ^, :

• 1970 : Wild World, ? n°17
• 1972 : The Harder they Come, ? n°32
• 1984 : Reggae Night, ? n°2
• 1984 : We all are one, ? n°15
• 1985 : Hot Shot, ? n°24
• 1994 : I Can See Clearly Now ? n°1
• 1995 : Hakuna Matata (avec Lebo M) ? n°7
• 1995 : Melody Tempo Harmony (avec Bernard Lavilliers) ? n°6

Filmographie

• 1964 : This Is Ska! film documentaire de la BBC
• 1972 : The Harder They Come, de Perry Henzell.
• 1982 : Bongo Man film documentaire de Stefan Paul
• 1986 : Club Paradis, d'Harold Ramis
• 1990 : Désigné pour mourir, de Dwight H. Little , aux côtés Steven Seagal , pour lequel Jimmy Cliff signe trois titres.
• 2012 : Marley, de Kevin Macdonald

Sources

• Bruno Blum in Le Dictionnaire du rock, sous la direction de Michka Assayas, éditions Robert Laffont, collection Bouquins, 2001.

Notes et références

Voir aussi

Articles connexes

• 1984 en musique
• 1994 en musique
• 1995 en musique
• 1996 en musique
• Musique jamaïcaine
• Reggae

Liens externes

• (en) Site officiel
• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • Billboard
  • Carnegie Hall
  • Discogs
  • MusicBrainz
  • Muziekweb
  • Rate Your Music
  • Rock Hall of Fame
  • Rolling Stone
  • Songfacts
  • Songkick
  • Taratata
• Ressources relatives à l'audiovisuel :
  • AllMovie
  • Allociné
  • IMDb
  • Korean Movie Database
• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • Radio France

En France, ses titres les plus connus ont été Kids in America (16^e meilleure vente de l'année 1981), Cambodia (7^e meilleure vente de l'année 1982) et You Came (5^e au Top 100 pendant deux semaines en 1988). Aux États-Unis, sa reprise de 1986 de You Keep Me Hangin' On des Supremes a atteint la première place du Billboard Hot 100.

En 2003, sa reprise de Anyplace, Anywhere, Anytime (en) en duo avec Nena se classe dans le Top 10 dans cinq pays en Europe, dont les Pays-Bas où la chanson est numéro un pendant cinq semaines.

Biographie

Kim Wilde est née à Chiswick, un quartier du district londonien de Hounslow. Son père est le rocker des années 1950 Marty Wilde (de son vrai nom Reginald Smith) et sa mère est Joyce Baker, ancien membre des chanteuses et danseuses The Vernons Girls (en). Kim Wilde achève ses études au St Albans College of Art and Design en 1980.

Elle commence sa carrière de chanteuse en janvier 1981 en pleine vague new wave avec le titre Kids in America, qui est instantanément un succès : numéro 2 dans les charts britanniques, dans le top 5 de tous les pays d'Europe et même 25^e du classement Billboard Hot 100 aux États-Unis. Sur la couverture de son premier album, Kim Wilde, la chanteuse apparaît aux côtés de ses musiciens, son frère cadet Ricky Wilde, par ailleurs coproducteur, coauteur et arrangeur du groupe, James Stevenson et Calvin Hayes, ce qui sera interprété par certains comme une tentative de récupérer l'esthétique et le succès du groupe Blondie^{[réf. nécessaire]}. Sa carrière est lancée et elle devient une icône sexy.

Parmi ses succès ultérieurs, notons : Chequered Love, Cambodia, toujours en 1981, View From a Bridge en 1982 et Love Blonde en 1983, You Keep Me Hangin' On en 1986 (reprise des Supremes), ou encore You Came en 1988.

En 1985, Laurent Voulzy lui consacre une chanson : Les Nuits sans Kim Wilde.

Parallèlement à la musique, Kim Wilde mène une carrière d'horticultrice et a dessiné de nombreux jardins. Elle publie deux livres sur le jardinage. En 2001, elle participe à l'établissement du record du monde de la transplantation du plus gros arbre, quand un platane de 18 mètres est transporté de Belgique jusqu'à Warrington (l'arbre est tombé lors d'une tempête en 2007).

Le 1^er septembre 1996, elle épouse l'acteur Hal Fowler, avec lequel elle a deux enfants : Harry Tristan (3 janvier 1998) et Rose Elisabeth (13 janvier 2000). Le 21 décembre 2022, un communiqué commun de Kim Wilde et Hal Fowler paru sur Twitter, annonce la séparation du couple en bon terme et d’un commun accord.

Carrière : ses albums studio

Kim Wilde (1981 - RAK Records)

Le premier album de Kim Wilde sort alors qu'elle a vingt ans, et fait d'elle la popstar féminine la plus populaire d'Europe en quelques mois à peine. La plupart des musiques de cet album sont interprétées par le groupe de rock symphonique The Enid et les chansons sont toutes écrites par Marty Wilde et Ricky Wilde, ce dernier se chargeant de la production de l'album.

Sur le plan musical, l'album est surtout orienté vers le rock, compte tenu de la participation de The Enid, mais il contient également un morceau reggae (Everything We Know) et des arrangements aux cuivres sur 2 6 5 8 0. Au niveau des paroles, Marty Wilde amène quelques surprises : en dehors des chansons d'amours, racontant souvent des ruptures (Falling out, You'll never be so wrong), il y a aussi une chanson sur ce petit nombre de personnes qui souffrent en permanence de la sensation de bruit dans leur tête (Water On Glass), sur la décrépitude des villes (Our Town) et une chanson sur une théorie selon laquelle le son est vivant (Tuning In Tuning On). Kids In America et Chequered Love connaissent un grand succès dans toute l'Europe, le premier étant devenu depuis une pop-song classique.

L'album entre dans les « charts » britanniques en 10^e position, progressant dans le Top 3 la semaine suivante. Pendant la promotion de l'album, le groupe de Kim Wilde est formé de Ricky Wilde, James Stevenson et son futur petit ami Calvin Hayes, ceux-ci apparaissant sur la pochette de l'album. Kim Wilde précisera plus tard qu'à cette époque, il était difficile pour une femme de lancer toute seule une carrière sérieuse dans la musique pop, et que le groupe était affiché sur la pochette pour donner de la crédibilité à l'album. Elle est pourtant accusée de tenter de copier l'allure du groupe américain Blondie, alors très connu.^{[réf. nécessaire]}

Select (1982 - RAK Records)

Le premier single de cet album, Cambodia, sort en décembre 1981 et indique alors une nouvelle orientation sonore du clan Wilde. The Enid ne sont plus présents, tandis que les synthétiseurs et la musique électronique font leur entrée. À nouveau, les chansons sont écrites par Marty et Ricky Wilde, produites par Ricky Wilde.

Les textes sont aussi inspirés que sur le premier album : le second simple View From A Bridge et le morceau Wendy Sadd évoquent le suicide, Chaos At The Airport décrit une catastrophe aérienne et Ego une dispute violente lors d'une séparation (Stay away, get lost, get out of my life / Can't you see the changes now and at last I'm free). Musicalement, les années 1980 ont vraiment commencé : synthétiseurs et boîtes à rythmes dominent sur l'album. Une chanson rock à l'ancienne apparaît vers la fin de l'album : Can You Come Over, enregistrée chez les Wilde. La pochette est une photographie de Gered Mankowitz. À la rentrée 1982, sort le single inédit, aux sonorités mystérieuses, Child Come Away.

Ce deuxième album très attendu de Kim Wilde connaît un grand succès dans la plupart des charts européens, sans toutefois surpasser le succès du premier album.

Catch as Catch Can (1983 - RAK Records)

La tournée européenne de Kim Wilde dure de novembre à décembre 1982. Elle est suivie d'un silence de six mois. Kim Wilde revient alors avec le single Love Blonde, une chanson de style jazz/swing, dont le texte ironise sur l'image de bombe blonde à laquelle des médias ont souvent associé Kim Wilde les années précédentes. C'est le seul morceau de ce type de l'album Catch As Catch Can qui reste dominé par la musique électronique comme c'était le cas sur l'album Select. Toutes les chansons sont une nouvelle fois écrites par Marty et Ricky Wilde, sauf le deuxième single Dancing In The Dark, écrit par Nicky Chinn et Paul Gurvitz. L'album est produit par Ricky Wilde.

Quelques chansons semblent raconter une histoire (House Of Salome, qui sort en single dans quelques pays, Sing It Out For Love) tandis que Dream Sequence est l'un des textes les plus fantaisistes de Marty Wilde, décrivant ce qui semble être une suite aléatoire d'images, référence à un monde féérique. La protagoniste de cette chanson s'appelle Roxane, sœur benjamine de Kim.

La photographie d'un bleu froid sur la pochette de l'album est de Sheila Rock. L'album souffre de critiques mitigées dans la presse et du manque de succès des singles. Même la nouvelle tournée accompagnant cet album n'empêche pas des ventes déclinantes.^{[réf. nécessaire]}

Teases and Dares (1984 - MCA)

C'est le premier album de Kim Wilde pour MCA, après qu'elle a quitté RAK Records, qui a publié ses trois premiers albums. L'album est produit par Ricky et Marty Wilde, qui y ont également signé la plupart des chansons. Cependant, on y trouve également deux chansons composées et écrites par Kim : Fit In et Shangri-la, aux textes très personnels, montrant une quête de liberté et de paix. Fit In est inspirée par l'anecdote de voisins de Kim frappant leur plafond alors qu'elle écoute un maxi-45 tours de Frankie Goes to Hollywood provoquant une expression de rébellion de la jeune chanteuse (I won't fit in, fit in), Shangri-la semble décrire la quête infinie d'un endroit meilleur (He's still looking for his Shangri-la / But he wouldn't know it / If it hit him in the face).

Au début, les simples extraits de l'album semblent confirmer le déclin des ventes des albums précédents, puisque The Second Time et The Touch ne rencontrent pas vraiment le succès. Malgré tout, The Second Time entre dans le Top 10 en Allemagne et est considéré là-bas comme le single marquant le grand retour de Kim Wilde. Vers la fin de 1984, Kim Wilde est élue pour la troisième fois « popstar féminine la plus populaire » par le magazine allemand Bravo, alors que Madonna se trouve nettement moins bien placée. Le troisième simple, Rage To Love (remixé par Dave Edmunds), est le premier de Kim Wilde en trois ans à entrer au Top 20 des simples. À ce moment, Kim a entamé sa troisième tournée européenne, jouant partout à guichets fermés.

Kim Wilde est « relookée » pour The Second Time par XL Design, passant d'une fille aux cheveux décolorés portant des vêtements élimés à une sorte de déesse de science-fiction inspirée de Barbarella, ce qui brouille son image auprès de certains fans, qui la voient toujours comme la fille de la porte d'à côté. La pochette de l'album est citée comme l'un des facteurs explicatifs des ventes médiocres, en cela qu'elle peut détourner des acheteurs. Kim Wilde revient alors à une image qui lui convient mieux pour les deux simples suivants. Pour la promo de Rage To Love, elle porte un blouson Teddy Boy de son père, assorti au thème rétro et rockabilly de la chanson.

Another Step (1986 - MCA)

Le cinquième album de Kim Wilde propose douze titres (pour l'édition 33 tours) ou 13 titres (pour l'édition CD dont le 13^e titre est Victim placé en 6^e piste) et rassemble un panel hétéroclite d'auteurs/compositeurs. Another Step est un tournant artistique pour Kim Wilde, qui cosigne ici plus de la moitié des chansons, mais il n'en est pas de même au niveau commercial. La plupart des morceaux sont produits par Ricky Wilde, mais sur d'autres on note la participation de Reinhold Heil, Richard James Burgess, Rod Temperton, Dick Rudolph et Bruce Swedien.

La première moitié des chansons (la face A de l'édition originelle vinyle) est plutôt rythmée, tandis que l'ex-face B contient des ballades. Le premier morceau de l'album est une reprise du tube des Supremes, You Keep Me Hangin' On. Extrait en simple, il est n^o 1 aux États-Unis, au Canada, en Australie et fait presque aussi bien en Grande-Bretagne où il est n^o 2. Le deuxième simple est Another Step (Closer To You), un duo avec le chanteur de soul britannique Junior Giscombe. Il est le premier simple cosigné par Kim Wilde et atteint le Top 10. Le troisième et dernier simple, Say You Really Want Me, agite la controverse quand le vidéo clip est censuré dans les programmes pour jeunes : il montre Kim Wilde se contorsionner sur un lit avec plusieurs hommes torse nu et s'amusant avec un collier de perles. Malgré l'image lascive et la publicité l'accompagnant, cette chanson remixée pour l'occasion ne perce pas dans les charts et il n'y a pas d'autres simples extraits de l'album. À noter que dans certains pays comme la France, c'est School Girl qui est choisi comme 1^er single.

Tous les morceaux d'Another Step marquent une prise de distance avec le son synthétique des albums précédents. Il y a plus de guitares sur beaucoup de chansons : The Thrill Of It et I've Got So Much Love ont une tonalité 'rock' marquée.

Une nouvelle édition de cet album est éditée quelques mois après la première, avec une nouvelle pochette et des morceaux supplémentaires, mais cela ne permet pas de relancer le disque. Kim Wilde confirme sa réputation d'artiste à singles avec cet album, puisque encore une fois les ventes de l'album sont décevantes malgré le très gros succès des chansons qui en sont extraites. Kim Wilde précise quelquefois que c'était probablement une erreur de sa part de ne pas avoir fait plus d'efforts pour percer le marché américain par des tournées après qu'elle y eut obtenu son premier numéro un.^{[réf. nécessaire]}

Close (1988 - MCA)

Produit par Ricky Wilde et Tony Swain, Close est le dernier album sur lequel Marty Wilde est crédité en tant que coauteur, et le premier sur lequel Kim Wilde en a beaucoup, puisqu'elle a ici coécrit huit des dix morceaux de l'album. Il est considéré comme son album le plus varié par les fans, les critiques et Kim Wilde elle-même. Chaque morceau possède sa propre ambiance, et beaucoup de genres de la musique pop sont représentés sur l'album : dance, ballades, rock et midtempo.

Cinq singles sont extraits de l'album : Hey Mister Heartache, le premier, comprend de nouveau des chœurs de Junior Giscombe, You Came, un hommage à Marty, premier enfant de Ricky et neveu de Kim Wilde, est le premier succès de ces cinq simples en combinant des paroles émouvantes et une mélodie très percutante, et reste la composition la plus forte de Kim Wilde. You Came manque de peu le Top 40 américain en culminant en 41^e place au Billboard. Never Trust a Stranger est un retour en arrière aux anciennes chansons de Kim Wilde, parlant de trahison et d'abus, traité à grand renfort de guitares. Four Letter Word, la dernière chanson écrite par Marty et Ricky Wilde pour Kim Wilde, est une ballade sur un amour perdu, et Love In The Natural Way est une ballade pop. Parmi les autres morceaux, Stone, est une chanson dynamique accusant les leaders mondiaux de ne rien faire pour traiter les problèmes environnementaux auxquels la planète fait face, Lucky Guy est une reprise de Todd Rundgren, et European Soul est une chanson sur le peintre Marc Chagall. Sorti pendant l'été 1988, l'album reste dans les « charts » britanniques pendant 38 semaines, aidé en cela par le fait que Kim Wilde assure la première partie de la tournée européenne de Michael Jackson, le Bad World Tour. Il atteint également le Top 10 de presque tous les pays scandinaves, l'Autriche et l'Allemagne et ses ventes dépassent les 2 millions d'exemplaires.

Love Moves (1990 - MCA)

Love Moves contient six chansons écrites par Ricky et Kim Wilde et quatre autres par Kim Wilde et Tony Swain. Le tout est produit par Ricky Wilde. La promotion du premier album de Kim Wilde des années 1990 commence avec la sortie du simple It's Here au printemps 1990, une chanson mélodieuse, légère et rythmée avec des guitares espagnoles au goût estival, où Kim décrit sa quête d'un endroit à elle dans un monde livré à la compétition.

Cet album vise à retrouver le succès de l'album Close, mais ce n'est pas le cas. Des critiques dénigrent le genre pop excessivement classique de l'album et l'utilisation des mêmes arrangements sur tout l'album.^{[réf. nécessaire]} C'est le premier projet de Kim Wilde qui n'atteint aucun Top 40 en Grande-Bretagne (Time, le second simple, est le plus mal classé des simples de toute sa carrière). Pourtant, cinq singles sont sortis dans toute l'Europe et seul Can't Get Enough, pourtant jugé par certains comme médiocre et souffrant d'une vidéo montrant une Kim Wilde beaucoup moins sexy que dans l'album précédent^{[réf. nécessaire]}, reçoit un peu d'écho et reste un peu dans les classements français. La chanteuse déclare dans plusieurs interviews récentes que cet album correspond à un moment assez dépressif de sa vie, mais qu'il reste l'un de ses préférés.^{[réf. nécessaire]}

Love Is (1992 - MCA)

Pour son huitième album, Kim Wilde s'adjoint les talents de Rick Nowels, compositeur qui a déjà travaillé avec Belinda Carlisle parmi d'autres. Trois des onze chansons sont produites par Nowels, tandis que les autres sont produites par Ricky Wilde. La majorité des morceaux de cet album est coécrite par Kim Wilde. Elle a fait une longue introspection, conduisant à la chanson Who Do You Think You Are?, dans laquelle elle analyse son comportement tout au long de sa carrière. Il y a plus de chansons d'amour sur cet album qu'il n'y en a jamais eu sur aucun autre précédent, des titres tels que Touched by your magic et Heart Over Mind sont représentatifs des thèmes abordés par les paroles.

Nowels apporte Love Is Holy, une chanson qui touche Kim Wilde dès qu'elle l'entend en studio et qui devient le premier simple à entrer dans le Top 20 britannique en près de quatre ans. Les deux simples suivants ne font pas aussi bien, l'ensemble étant bien accueilli par les critiques, mais des similitudes avec Belinda Carlisle dans quelques chansons sont évoquées. Le reste de l'album est plus en phase avec le son Kim Wilde : des riffs de guitare sur des synthés.

Now & Forever (1995 - MCA)

Contrairement aux cinq premiers albums, les trois derniers étaient à peu près tous dans le même style ; Kim Wilde décide donc qu'il est temps de varier ses inspirations. Elle choisit de faire un album avec un style affirmé soul et R&B. C'est toujours Ricky Wilde qui produit l'album, mais ici avec le renfort de CJ Mackintosh pour quatre titres et de Serious Rope pour les sept autres. L'intérêt que Kim Wilde porte à des artistes tels que Chaka Khan et Pebbles influence l'album.

Après le titre dance évident en ouverture Breakin' Away, l'album propose des chansons R&B comme C'mon Love Me, You're All I Wanna Do and Where Do You Go From Here. L'album se démarquant du son Wilde familier ne plaît pas aux fans et au public comme les albums précédents. C'est le premier album à ne pas percer dans les « charts » au Royaume-Uni, tandis que Radio one refuse de programmer le single Breakin' Away.

Sur le plan de l'écriture, les chansons sont soit très joyeuses (Sweet Inspiration, Heaven, High on you), soit dépressives (Now & Forever, Hold On). Deux singles sortent au Royaume-Uni, le deuxième étant This I Swear. La face B, Heaven, est remixée deux fois (dont une fois par Matt Darey) et aide aux ventes, mais en dépit du beau parcours de cette chanson dans les « charts » propres aux clubs, le Top 40 reste fermé : This I Swear ne se classant qu'en 46^e position au début 1996.

C'est fut le dernier album de Kim avant qu'elle ne commence à travailler sur la comédie musicale Tommy, quand sa carrière pop bat de l'aile. Pendant les douze mois que dure le spectacle, Kim remixe et publie une version de la chanson disco Shame, enregistrée lors des sessions de Now and Forever, sans être incluse dans l'album. La sortie et la promo sont un échec, et le single n'entre même pas dans le Top 75.

Never Say Never (2006 - EMI)

Après une longue période de négociations, Kim Wilde signe avec la division allemande d'EMI, fin 2005. L'album Never Say Never se classe dans de nombreux pays, dont la France (meilleur classement : 22^e), l'Allemagne, l'Autriche (22^e), la Suisse (11^e), les Pays-Bas (32^e), la Finlande (30^e) et la Belgique.

Le deuxième single est Perfect Girl (en novembre 2006), d'après un choix fait par des fans sur le site web officiel de Kim Wilde. Ce single ne rencontre finalement pas l'adhésion du public (présence uniquement dans les « charts » belge et allemand).

Deux autres extraits sont tirés de l'album : Together we belong (un titre rock assez réussi, avec une version française de You came intitulée Tu me vas si bien) et Baby obey me, un titre reggae remixé par Ill Inspecta.

Come Out And Play (2010 - Sony Music Germany)

Au début de 2010, le site officiel de Kim Wilde annonce que cette dernière vient de signer un nouveau contrat d'enregistrement avec la compagnie Starwatch Music et qu'un nouvel album est prévu pour l'été.

Le 1^er juillet 2010, le premier single extrait de l'album est diffusé en exclusivité sur la radio allemande Radio Hamburg. La chanson, Lights down low signe un retour aux racines rock de Kim Wilde. L'album Come out and Play est sorti en Allemagne, en Autriche, en Suisse et en Grèce, se classant respectivement en 10^e (premier top 10, 22 ans après l'album Close), 24^e, 9^e et 21^e place. L'album sort en France le 28 février 2011, se classant en 103^e place en première semaine dans le top albums français (moins de 1 000 ventes). Un classement décevant mais prévisible du fait d'un faible investissement promotionnel de la maison de disques (pour l'album précédent, Never Say Never, les investissements publicitaires en France, dont les spots télés, avaient fait grimper les ventes à la 22^e position) et d'un préachat fait dès le mois d'août 2010 (mois de sortie de l'album en Allemagne) par l'ensemble des fans français. Afin de redresser la chute et à la suite du succès du concert du 18 mars 2011 (joué à guichet fermé), Sony décide de sortir une version « Deluxe » uniquement en version numérique.

Snapshots (2011 - Columbia SevenOne)

Peu inspiré et produit à la demande d'une maison de disque allemande, Snapshots est le douzième album de Kim Wilde et son premier album de reprises. Sorti en Allemagne le 26 août 2011 chez Columbia SevenOne, il est composé de reprises des cinq dernières décennies. Également sorti en Suisse, au Danemark et au Royaume-Uni (uniquement en version numérique, à compter du 28 novembre 2011), l'album est précédé par la sortie, le 19 août 2011, d'un double single composé de It's Alright de East 17 et Sleeping Satellite de Tasmin Archer. Sur cet album figure également un duo avec son mari Hal Fowler (Kooks de David Bowie). Les deux autres singles tirés de l'album sont To France de Mike Oldfield et Ever Fallen in Love (With Someone You Shouldn't've) de Buzzcocks qui inclut l'inédit Spirit in the Sky de Norman Greenbaum. Ils sont uniquement sortis en version numérique et n'ont pas été classés dans les « charts ».

La version numérique de l'album disponible sur iTunes Store propose en bonus le titre I'll Stand by You des Pretenders ainsi que les clips vidéos de It's Alright et Sleeping Satellite. Un autre titre bonus est proposé sur l'édition exclusive de l'album vendue dans les magasins Saturn : Forever Young du groupe allemand Alphaville.

Wilde Winter Songbook (2013 - WildeFlower Records)

Wilde Winter Songbook est le treizième album de Kim Wilde. Il comprend douze chansons : quatre chants classiques de Noël, anglais et américains, deux reprises et six titres originaux, dont un écrit avec son mari, Hal Fowler. Le premier clip White winter hymnal, tourné dans la maison de la chanteuse, entourée pour l'occasion de son père Marty, son frère Ricky, et sa nièce Scarlett, donne le ton d'un album de fêtes, joyeux et familial. Le titre Rockin'Around The Christmas Tree fait écho au duo de Kim Wilde avec le comédien Mel Smith de 1987. Avec son clip, la chanteuse fait preuve d'auto-dérision, en faisant une allusion directe à un événement de l'hiver 2012. Après sa participation à la « MagicFM Christmas Party », Kim Wilde rentre chez elle en train, des faux bois de rênes sur la tête. Légèrement éméchée, elle entonne à tue-tête Rockin'Around a Xmas Tree et Kids in America, Ricky à la guitare, devant les passagers émerveillés, hilares, abasourdis ou indifférents. L'album est réédité avec des titres bonus durant l'hiver 2015.

Here Come the Aliens (2018 - EarMusic)

14e album de Kim Wilde, Here Come the Aliens marque un retour à un son pop plus direct. Enregistré aux studios Dog House de Manchester et remixé au sein des studios RAK de Londres, l'album marque également le retour du producteur britannique Sean J. Vincent et de Ricky Wilde. Composé de 12 titres, le présent album oscille entre divers styles. L'album se classe 10^e des ventes en Suisse (4 semaines), 11^e en Allemagne (3 semaines), 34^e en Autriche (1 semaine), 68^e en France (1 semaine), 74^e aux Pays-Bas (1 semaine), 48^e en Flandre (4 semaines), 93^e en Wallonie (4 semaines) et 21^e (2 semaines) au Royaume-Uni, où plus aucun album n'avait été classé depuis 1993.

Aliens Live (2019 - Verycords)

Enregistré à la suite de la tournée européenne Here Come the Aliens Tour (2018-2019), comprenant deux dates en France (Paris et Toulon), cet album est le 15e de Kim Wilde et également son tout premier album live. Composé de 19 titres, il englobe des enregistrements en concert de morceaux pour la plupart issus de l'album Here Come the Aliens (Stereo Shot, Kandy Krush, Birthday, 1969, Pop don't Stop) et de morceaux plus anciens (Water on Glass, You Came, Kids in America, View from a Bridge). Le classement dans les charts de l'album Aliens Live est le suivant : 43^e des ventes en Suisse (1 semaine), 40^e en Allemagne (1 semaine), 121^e en France (1 semaine), 131^e en Flandre (1 semaine) et 76^e en Wallonie (2 semaines).

Discographie

Albums studio

• 1981 : Kim Wilde (RAK Records)
• 1982 : Select (RAK Records)
• 1983 : Catch As Catch Can (RAK Records)
• 1984 : Teases and Dares (MCA Records)
• 1986 : Another Step (MCA Records)
• 1988 : Close (MCA Records)
• 1990 : Love Moves (MCA Records)
• 1992 : Love Is (MCA Records)
• 1995 : Now and Forever (MCA Records)
• 2006 : Never Say Never (EMI)
• 2010 : Come Out and Play (Sony Music)
• 2011 : Snapshots
• 2013 : Wilde Winter Songbook (Wildeflower Records) + Expanded Edition en 2015
• 2018 : Here Come the Aliens (Earmusic)
• 2025 : Closer (Cherry Red Records)

Compilations sélectives / Rééditions / Live

• 1984 : The Very Best of Kim Wilde (Compilation RAK Records - 16 titres)
• 1993 : The Singles Collection 1981-1993 (17 titres)
• 1996 : The Singles Collection (19 titres)
• 2001 : The Very Best of Kim Wilde (Compilation Parlophone - 18 titres)
• 2019 : Aliens Live (Earmusic) (1er album Live de sa carrière)
• 2020 : Kim Wilde (Réédition Deluxe : 2CD inclus album original remasterisé, 16 titres bonus dont faces B, remixes, instrumentaux, versions alternatives + 1DVD : 8 vidéo-clips)
• 2020 : Select (Réédition Deluxe : 2CD inclus album original remasterisé, 21 titres bonus dont faces B, remixes, instrumentaux, versions alternatives + 1DVD : 6 vidéo-clips)
• 2020 : Catch As Catch Can (Réédition Deluxe : 2CD inclus album original remasterisé, 26 titres bonus dont faces B, remixes, instrumentaux, versions alternatives + 1DVD : 8 vidéo-clips/publicité promotionnelle)
• 2021 : Pop Don’t Stop: Greatest Hits
• 2024 : Love Blonde: The RAK Years (Coffret 4CD : les 3 premiers albums remasterisés avec leurs titres bonus + 1 album Special Disco Mixes)

45 Tours & CD Singles

Légende :

Classement :

• En fond jaune : meilleur classement dans le Top 10.
• En fond vert : classement dans les 50 meilleures ventes.

Titres :

• En fond bleu azurin : compilations de Kim Wilde
• En fond jaune de Naples : sorties en CD Singles dans les différents albums autres que les siens, tels que ceux de Nena, DJ BoBo, B.E.F. et Fibes, Oh Fibes!.

Années 1980

Années 1990

Depuis 2000

Collaborations

• Le chanteur français Laurent Voulzy, fasciné par le personnage de Kim Wilde, a sorti en 1985 le titre Les Nuits sans Kim Wilde. Après l'avoir entendu, Kim Wilde a accepté d'y ajouter quelques phrases parlées : « Laurent, il est l'heure de dormir maintenant... Enlève tes lunettes... Play it again, Laurent... »
• Kim Wilde a enregistré en 1987 le titre Rockin' Around The Xmas Tree avec le comédien anglais Mel Smith dans le cadre du Red Nose Day Comic Relief.
• Kim Wilde a enregistré en 2001 le titre If There Was Love avec le chanteur anglais du groupe Worlds Apart Nathan Moore (en).
• Kim Wilde a enregistré en 2003 le titre Anyplace, Anywhere, Anytime avec la chanteuse allemande Nena.
• Kim Wilde a enregistré en 2009 le titre Run To You avec le groupe suédois Fibes oh Fibes!
• Kim Wilde a enregistré en 2012 le titre A Beautiful House avec le groupe anglais Reflekt.
• Kim Wilde a enregistré en 2013 le titre I Believe avec le DJ suisse allemand DJ Bobo.
• Kim Wilde a enregistré en 2013 le titre Superstars avec le chanteur belge Born Crain.
• Kim Wilde a enregistré en 2013 le titre Every Time I See You I Go Wild avec le collectif anglais B.E.F.
• Kim Wilde a enregistré en 2014 le titre Las Cartas avec le groupe français Chico and the Gypsies.
• Kim Wilde a enregistré en 2018 le titre Dream Lover, réponse au titre Les Nuits sans Kim Wilde de Laurent Voulzy, en collaboration avec ce dernier.

Tournées

• Debut Tour 1982
• Catch Tour 1983
• Rage to Rock Tour 1985
• Another Step Tour 1986
• Hits Tour 1994
• Perfect Girl Tour 2007
• Kim Wilde Live 2009
• Come Out and Play Tour 2011
• Snapshots and Greatest Hits Tour 2012
• Here Come the Aliens Tour 2018-2019

Publications

• Jardiner avec les enfants, Broquet Éditions
• Mon premier jardin, Ouest-France Éditions

Notes et références

Voir aussi

Bibliographie

• (en) M. Schumacher, Kim Wilde, Blurb, 2019, 128 p. (ISBN 978-0464041382)
• (en) Craig Halstead, Kim Wilde: All The Top 40 Hits, France, Indep., 2020, 187 p. (ISBN 979-8684032776)

Liens externes

• (en) Site officiel
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  • British Film Institute
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• Ressource relative au spectacle :
  • L’Officiel des spectacles

Sa carrière est notamment marquée par sa collaboration régulière avec Alain Souchon, depuis 1974.

Biographie

Enfance et débuts en amateur

Il est le fils de Lucien Gerville-Réache (1928-2008), homme d'affaires et politique guadeloupéen^,, et de Marie-Louise Voulzy (1928-2022), qui quitta son île natale pour Paris afin d'y tenter une carrière de chanteuse et de danseuse - comme il le dira plus tard dans sa chanson Cœur grenadine, il est ainsi « né dans le gris par accident ». Seule pour élever ses quatre enfants, sa mère le confie à une nourrice.

À huit ans, Laurent Voulzy retourne vivre avec sa mère qui a abandonné tout projet de carrière artistique et s’est remariée. Il grandit à Nogent-sur-Marne avec sa mère et son beau-père. À la maison, on parle et mange créole ; sa mère écoute beaucoup de musique antillaise et afro-cubaine, salsa, calypso, merengue et conga, mais il est vite influencé par la musique anglo-saxonne diffusée à la radio. Il ne rencontre son père biologique qu'à l'âge de 15 ans. Au même âge, on lui offre une guitare.

Il est l'arrière-petit-neveu du député Gaston Gerville-Réache et le cousin du comédien Pascal Légitimus.

Adolescent, il n'est pas un très bon élève ; son unique préoccupation est alors de perfectionner ses accords de guitare^{[réf. souhaitée]}. Il organise ses premiers concerts à la maison des jeunes de Nogent-sur-Marne, notamment en compagnie de Claude Le Péron, futur bassiste de Jean-Jacques Goldman. À 14 ans, il effectue des débuts en tant que batteur dans le groupe les Tigers qu'il a fondé. Il est ensuite bassiste dans le groupe les Ellences, puis guitariste dans le groupe Mark Robson Sound, avec les frères Robson, avant de devenir le leader du groupe Temple de Vénus et de commencer une carrière solo qui va décoller difficilement.

Débuts professionnels

En 1967, il remporte un concours local pour l’interprétation de sa première chanson, Timide. Quelques mois plus tard, il monte le groupe Le Poing avec lequel il tourne à travers la France mais n'enregistre aucun disque. En 1968, alors qu’il effectue son service militaire au 2^e régiment de hussards, il apprend qu’une de ses anciennes maquettes a été réenregistrée et produite par une maison de disques. De retour à Paris, il signe son premier contrat sous le nom de Laurent Voulzy. Influencé par la pop anglaise des Beatles, des Shadows et des Rolling Stones, il commence alors à composer pour d'autres groupes et, à partir de 1972, sort un 45 tours par an, toujours sans rencontrer le succès : L'amour est un oiseau en 1972, La Maison à croquer en 1973, Milady en 1974, La Fille en papier en 1975, Les Radios qui chantent en 1976. En 1974, il double Pierre Fuger dans le film Un jour, la fête (musique de Michel Fugain) et en 1976, signe la musique du film pornographique de Pierre Unia Candice Candy.

Rencontre avec Alain Souchon et premiers succès

Parallèlement, Laurent Voulzy est guitariste et chef d'orchestre de Pascal Danel de 1969 à 1974, date à laquelle sa maison de disques lui fait rencontrer Alain Souchon par l'entremise de Bob Socquet, directeur artistique de RCA Records. De la collaboration des deux hommes naît tout d'abord en 1974 la chanson J'ai dix ans, écrite et interprétée par Alain et composée par Laurent, qui s'inspire du titre Bip bop de Paul McCartney. Cette chanson rencontre le succès et viendront ensuite les albums Bidon en 1976, puis Jamais content l'année suivante. Sur ces deux albums, la collaboration entre les deux hommes porte ses fruits car ils comportent un nombre de tubes remarquable (Bidon, Allô maman bobo, Jamais content, Y'a d'la rumba dans l'air), tous écrits par Alain et composés par Laurent.

En 1977, c'est au tour de Laurent Voulzy de rencontrer le succès auprès du grand public avec la chanson Rockollection, tube de l'été 1977, toujours sur un texte d'Alain Souchon. Cette chanson, qui rend hommage aux chansons pop rock des années 1960, paraît en 45 tours dans une version longue de plus de 11 minutes coupée en deux, la première partie étant la plus connue.

Dès lors, Laurent Voulzy poursuit parallèlement les carrières de compositeur, pour Alain Souchon, avec un nombre de nouveaux tubes remarquable (Le Bagad de Lann-Bihoué, Papa mambo, La Ballade de Jim?), et de chanteur, dans des chansons à succès dont les paroles sont signées Alain Souchon. Il adopte une démarche très singulière sur le marché du disque en éditant régulièrement des 45 tours autonomes, indépendants de tout album, caractéristiques de la « pop à Lolo ». Après Rockollection, paraissent en 1978 les 45 tours Bubble Star et Paris Strasbourg qui rencontrent chacun un succès bien moindre. Laurent décide de réaliser son premier album. Intitulé Le Cœur grenadine, celui-ci sort en 1979 et comporte de nouveaux succès : Karin Redinger, Cocktail chez mademoiselle et Le Cœur grenadine.

Années 1980 : confirmation

En 1980, il monte pour la première fois sur la scène de l’Olympia, accompagné d'Alain Souchon sur deux chansons ; c'est une de leurs rares apparitions ensemble. Le 18 décembre de la même année, ils interprètent ensemble dans l'émission radiophonique de Claude Villers Le Tribunal des flagrants délires la chanson Somerset Maugham, alors inédite, qu'Alain Souchon enregistre l'année suivante. Durant cette période, Laurent sort deux nouveaux 45 tours autonomes : Surfin Jack, hommage direct aux Beach Boys en 1980, puis Idéal simplifié en 1981.

En 1983, il sort son deuxième album, Bopper en larmes, dont l'enregistrement a duré treize mois. Il s'est enfermé dans son home studio du quartier des Halles à Paris où il travaillait alors avec son frère Richard, lequel assurait les parties de synthétiseur. L'album comporte les tubes Bopper en larmes et Liebe.

En 1983, à l'âge de 35 ans, il redécouvre ses racines en retournant à la Guadeloupe pour participer à une manifestation au profit de l’enfance handicapée.

Durant les années suivantes, Laurent publie de nouveaux 45 tours à succès. Tout d'abord, il réalise en 1984 Désir, désir en duo avec Véronique Jannot. L'année suivante sort le single Les Nuits sans Kim Wilde avec en face B Belle-Île-en-Mer, Marie-Galante ; l'année suivante, le single est réédité en inversant les faces et rencontre alors un plus grand succès. Belle-Île-en-Mer, Marie-Galante, un de ses plus grands succès, est élue meilleure chanson des années 1980 et quatorzième chanson du siècle par 3 000 professionnels lors des Victoires de la musique de 1990. En attendant, Laurent publie en 1987 la chanson My Song of You, inspirée des ballades de McCartney, et en 1988 Le Soleil donne, toutes deux de nouveaux succès. L'année suivante parait la compilation Belle-Île-en-Mer 1977-1988 qui résume cette période.

Une popularité discrète mais durable

A ce moment-là, Laurent décide désormais de privilégier le format album à celui des 45 tours. En 1992, Laurent publie son troisième album, Caché derrière, qui contient les tubes Le Rêve du pecheur, Paradoxal système et Le Pouvoir des fleurs. Cet album est une véritable réussite tant commerciale qu'artistique et sera récompensé aux Victoires de la Musique. Après la sortie de l'album, il se décide à monter sur scène en mars 1993 au Casino de Paris, puis à partir en tournée et enfin à se produire au Zénith. Le témoignage de cette tournée sort en 1995 dans un album intitulé Voulzy Tour. Par la suite, l'artiste se met en retrait pendant le reste de la décennie, en dehors des compositions des albums C'est déjà ça et Au ras des pâquerettes d'Alain Souchon qui sont tous deux de grandes réussites.

En 2001, il sort son quatrième album, Avril, avec entre autres Mary Quant, La fille d'avril, Une héroïne et Amélie Colbert, sa première biguine. Cet album est un nouveau grand succès. En 2003, l'artiste publie sa nouvelle compilation intitulée Saisons, avec un premier disque reprenant principalement Belle-Île-en-Mer 1977-1988 accompagné de l'inédit Là où je vais, enregistrée récemment pour cette occasion, et le résumé des deux derniers albums en second disque. L'année suivante paraît l'album live Gothique flamboyant pop dancing tour qui retrace sa dernière tournée.

L'album La Septième Vague, sorti le 26 juin 2006, est un album de reprises. L'idée de Voulzy était de réaliser un album léger à écouter sur la route des vacances ou sur la plage. Profitant d'une bonne promotion médiatique, l'album est entré directement numéro 1 des charts français, son succès s'appuyant particulièrement sur son premier extrait, la chanson Derniers Baisers, interprétée en 1962 par les Chats Sauvages et Mike Shannon (également reprise en 1986 par C. Jérôme dont ce sera le dernier succès) et adaptée de la chanson Sealed With a Kiss (1960) écrite par Gary Geld et Peter Udell et interprète pour la première fois par The Four Voices. L'album a été certifié disque de diamant. Pour la première et unique fois, Laurent Voulzy enregistre sur cet album un duo studio avec son complice Alain Souchon, The 59th Street Bridge Song (Feelin' Groovy), reprise des mythiques Simon et Garfunkel, dans une tonalité proche de l'original.

En juin 2008, sort l'album Recollection, célébrant les trente ans de son tube Rockollection, auquel il ajoute un dixième couplet. Les deux « L » du titre forment « 77 » à l'envers, année de sortie du 45 tours original. Le clip illustrant l'album est le plus long de l'histoire du clip français avec une durée de 19 minutes.

Nouveaux albums et tournées dans les églises

Le 13 septembre 2011, Laurent Voulzy présente son nouveau single Jeanne. Ce titre est repris dans son dernier album Lys and Love, qui sort le 28 novembre 2011, et remporte le titre de chanson originale de l’année lors des Victoires de la musique 2012.

Le 6 juin 2012, Laurent Voulzy commence une tournée basée sur ce dernier album, tournée jusqu'en décembre 2012 de 70 dates. Cette tournée fut jouée dans des lieux particuliers tels des églises et des châteaux. Le concert sort le 25 novembre 2013 sous forme de double album mais aussi en CD et Blu-ray sous le titre Lys and Love Tour. Le concert fut enregistré à l'église Saint-Eustache de Paris.

Le nouvel album de Laurent Voulzy sort fin 2014, il s'agit d'un album en commun avec Alain Souchon. Ce dernier signe tous les textes, tandis que Laurent Voulzy compose toutes les mélodies.

En 2017, il sort l'album Belem où il rend hommage à la musique brésilienne avec la pièce Spirit of Samba, véritable Rockollection de la samba brésilienne, et comporte quatre titres acoustiques enregistrés sur la plage de Grumari à Rio de Janeiro.

Entre 2019 et 2021, il se produit dans quelque 200 lieux de culte à travers la France pour des concerts, tels que le Mont-Saint-Michel, la cathédrale de Bourges ou encore l'église Saint-Sulpice de Paris.

Vie privée

Laurent Voulzy est installé à Joinville-le-Pont (Val-de-Marne) où sa société, « Les Éditions Laurent Voulzy », dispose d'un studio d'enregistrement construit dans un ancien atelier d'artisan et baptisé « Au bord de l'eau ».

Il a quatre fils, deux nés de son premier mariage, et deux de son second mariage. L'aîné, Julien Voulzy, a formé le groupe Les Cherche Midi avec Pierre Souchon, fils aîné d'Alain Souchon. Son deuxième fils, Nicolas (alias Lieutenant Nicholson), et son troisième fils, Cliff (alias Cliff Hoodzy), sont également musiciens. Son quatrième fils, Quentin Voulzy, né en 2002, poursuit ses études en Angleterre^[Quand ?].

Divorcé de sa première femme Betty et après avoir vécu avec Véronique Jannot, il se remarie en 2010 avec Mirella Lepetit, journaliste au Nouvel Observateur.

Fidèle en amitié comme sur le plan professionnel, il a également participé à un concert Night of the Proms à Charleroi en Belgique, avec Kim Wilde, et n'hésite pas à évoquer les albums de celle-ci.

Le 4 décembre 2015, Laurent Voulzy a rendu hommage à sa première épouse, Betty, décédée fin novembre des suites d'un cancer.

Influences et styles

Ses influences vont désormais des Beatles à Georges Brassens en passant par Little Richard, Baden Powell, les Shadows, Jimi Hendrix, Jean-Sébastien Bach, Alexandre Lagoya, la musique médiévale et les cornemuses écossaises^{[réf. nécessaire]}.

Réception

Malgré un rythme de production lent (cinq à dix ans entre chaque album), Laurent Voulzy a su fidéliser un large public et a réalisé en tout une vingtaine de tubes en tant que chanteur avec seulement cinq albums, et plus d'une trentaine comme compositeur pour Alain Souchon, bien que celui-ci écrive certaines de ses mélodies lui-même (Foule sentimentale notamment).

Laurent Voulzy a reçu le Grand Prix de la Chanson française de la SACEM en 1993 et deux Victoires de la musique, pour les albums Caché derrière (1992) et Avril (2001), double disque de platine.

Engagement

Engagé dans l'action caritative et humanitaire, il participe en 1989 au LP du collectif Arménie sur lequel on peut l'entendre dans Pour Toi Arménie. Il s'est également impliqué aux côtés de l'association ATD Quart Monde, à qui il dédie la chanson Jésus sur l'album Avril, tenant ainsi une promesse faite à feu le Père Joseph Wresinski, fondateur de l'association. Laurent et son fils Julien, alors membre avec Pierre Souchon du groupe les Cherche Midi, se sont retrouvés en 1995 sur un album réalisé au profit de l'association Sol En Si pour interpréter le titre Combien d'amour c'est trop, en quatuor, avec les Souchon père et fils. Il participe également régulièrement aux Restos du Cœur.

En novembre 2011, Laurent Voulzy participe à l’album Il était une fois de Thierry Gali, double album comprenant 15 chansons inédites interprétées par Thierry Gali et 13 contes créés en collaboration avec d'autres artistes, réalisés dans le cadre d'un projet humanitaire en soutien à l'action de l'UNICEF. Il était une fois est sorti en novembre 2011, presqu'en parallèle de l'album À cause d'elles de Alain Souchon, qui reverse sa part de droits discographiques à la Ligue contre le cancer.

Le 20 mars 2023, il est à l'affiche du concert annuel 2 Générations chantent pour la 3ème à l'Olympia de Paris, réalisé par la fondation « Recherche Alzheimer » au profit de la recherche sur la maladie d'Alzheimer.

Discographie

Albums studio

• 1979 : Le Cœur grenadine - RCA
• 1983 : Bopper en larmes - RCA
• 1992 : Caché derrière - Ariola
• 2001 : Avril - RCA
• 2006 : La Septième Vague - Columbia (album de reprises)
• 2008 : Recollection - Columbia
• 2011 : Lys and Love - Columbia
• 2014 : Alain Souchon & Laurent Voulzy - Columbia (album commun avec Alain Souchon)
• 2017 : Belem - Columbia

Albums live

• 1994 : Voulzy Tour (2CD) - Ariola
• 2004 : Gothique flamboyant pop dancing tour (2CD) - RCA
• 2013 : Lys and Love Tour (2CD) - Columbia
• 2016 : Souchon - Voulzy : Le Concert (2CD+DVD)
• 2019 : Mont Saint-Michel (Live à l'Abbaye du Mont-Saint-Michel / 2CD+DVD)

Compilations

• 1982 : Album Or - RCA
• 1986 : The Best Of Laurent Voulzy - RCA
• 1989 : Belle-Île-en-Mer 1977-1988 - RCA
• 2003 : Saisons (2 CD, 1977-2003) - RCA
• 2020 : Florilège - Columbia
• 2021 : Pop English (L'anglais par les chansons - 1 et 2) (English in song - 3 et 4) (comptines pour apprendre l'anglais aux enfants de 3 à 10 ans)- Columbia (recueil de 15 titres parus en 4x45 tours en 1976 (1) et 1977 (2 et 3) (avec Michèle Marie et Patrick Clerc) et 1978 (4) (4 titres pour les 1 et 2 + 4) (3 titres pour le 3)

Singles et 45 tours

• 1976 : Vol. 1 : An elephant on a chair ; A crocodile in a aquarium / Frog under an umbrella ; Cath with glasses
• 1977 : Vol. 2 : The bicycles ; The bird is eating the sun / The elephant is playing the piano ; Kangaroo's pocket
• 1978 : Vol. 3 : Spaceship on the moon / Spaceship on the moon (instr.)
• 1979 : Vol. 4 : Moon above the castle ; Big black boots / Banquet on the moon ; Coming from the moon

Participations

• Laurent Voulzy a participé à l'élaboration de tous les albums d'Alain Souchon depuis 1974.
• Il participe à quelques chœurs sur l'album Macadam d'Yves Simon en 1976 et au titre du même artiste Deux ou trois choses pour elle sur l'album Liaisons en 1988.
• Il participe au conte musical de Philippe Chatel, Émilie Jolie, en duo avec Alain Souchon pour la chanson du coq et de l'âne
• Il participe amicalement aux chœurs de la chanson Dancing Brave sur l'album Babacar de France Gall en 1987.
• Il compose pour Lise Loïal les chansons Cœur perdu (sur lequel il assure quelques chœurs) et Inquiète en 1987 dont Alain Souchon signe les paroles.
• Également avec Alain Souchon, il compose les chansons Aviateur et Chagrin en 1988 pour Véronique Jannot qu'il avait invitée sur le duo Désir, désir en 1984.
• On note une participation anecdotique en 1991 à l'album It's about Time de Manu Katché qui rejoint, comme batteur, Laurent Voulzy en studio, puis sur la tournée Avril.
• Il compose le titre A la légère avec Alain Souchon pour Jane Birkin en 1998
• Il a travaillé pour Nolwenn Leroy, comme compositeur de Suivre une étoile sur son premier album, en 2003, et comme réalisateur et coproducteur de son deuxième opus, Histoires naturelles, en 2005, pour lequel il compose plusieurs titres avec son compère Alain Souchon.
• On le retrouve en duo sur la chanson Quelque chose de Tennessee sur l'album live de Johnny Hallyday Flashback Tour : Palais des sports 2006.
• Il compose le titre L'esprit grande prairie avec Alain Souchon pour Eddy Mitchell (sur l'album Come back, 2010)
• Parmi les duos notables qu'a effectués Voulzy (hormis ceux de son album La Septième Vague) sur les albums d'autres interprètes, figurent :
  • Jamais Nous avec Elsa sur l'album Elsa (1988)
  • Tri Martolod avec Alan Stivell sur l'album Again (1993)
  • Que reste-t-il de nos amours ? avec Patrick Bruel, reprise de Charles Trenet, sur l'album Entre deux (2002)
  • Ma doudou avec Henri Salvador sur l'album Performance (2002)
  • Wight is Wight avec Michel Delpech sur l'album Michel Delpech &... (2006), titre qu'il reprend à nouveau en 2016 sur l'album hommage à Michel Delpech: "J'étais un ange"
  • Reste encore avec Nolwenn Leroy sur son album live Histoires Naturelles Tour (2007)
  • Tombe la neige avec Salvatore Adamo sur l'album Le Bal des gens bien (2008)
  • M. L'homme orchestre avec Hugues Aufray sur l'album New Yorker (2009)
  • Brian Boru avec Alan Stivell sur l'album collectif Breizh eo ma bro ! (2017)
• En 2010, en marge de ses activités musicales, il lance une collection de vêtements pour fillettes : Cœur Grenadine.
• En 2011, il chante en duo avec Philippe Lavil Fort de France sur l'album La Part des anges.
• En 2013, Laurent chante dans le conte Le Soldat Rose 2 : Un jour quelqu'un vous embrasse.
• Reprise de Wight Is Wight sur l'album J'étais un ange en hommage à Michel Delpech (2016)
• En 2018, il chante en duo avec Eddy Mitchell Rio Grande sur l'album La Même Tribu, volume 2
• En 2017 et 2018, dans la chanson La Même Tribu, sur les albums La Même Tribu et La Même Tribu, volume 2 d'Eddy Mitchell, Laurent chante lui-même les mots De Belle île en mer, en référence à sa célèbre chanson.
• En octobre 2018, collaboration avec la chanteuse Kim Wilde avec l'enregistrement du single Amoureux des Rêves (Dream Lover)
• En 2020, il reprend la chanson Il fait toujours beau quelque part sur l'album De Béart à Béart(s) en hommage à Guy Béart
• En 2022, il chante en duo avec Frédéric François À tous ceux qu'on aime sur l'album En duo.
• En 2024, il reprend la chanson Le bal des Laze sur l'album Il était une fois Polnareff en hommage à Michel Polnareff

Classement des singles

Filmographie

 Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par les bases de données Allociné et IMDb.  Sauf indication contraire ou complémentaire, les informations mentionnées dans cette section peuvent être confirmées par la base de données d'Unifrance.

Acteur

• 1977 : L'Enlèvement des Sabines de Pierre Unia (alias Renau Piéri) : un musicien
• 1980 : Émilie jolie (téléfilm musical) de Jean-Christophe Averty : l'âne
• 2021 : Meurtres à Marie-Galante (téléfilm de la collection Meurtres à...) de Marc Barrat : lui-même

Compositeur

• 1974 : Les Maîtresses de vacances de Pierre Unia
• 1975 : Le Pied ! de Pierre Unia
• 1976 : Candice Candy de Pierre Unia (alias Renau Piéri)
• 1977 : L'Enlèvement des Sabines de Pierre Unia (alias Renau Piéri)
• 1977 : Gaëlle, Malou... et Virginie de Pierre Unia (alias Renau Piéri)
• 1978 : B... comme Béatrice de Pierre Unia (alias Reine Pirau)
• 1978 : Nuit d'ébène de Pierre Unia
• 1979 : Estelle et Flora (ou Belles à confesse) de Pierre Unia (alias Reine Pirau)
• 1991 : Pour Ushari Ahmed Mahmoud, Soudan (court métrage de la collection Contre l'oubli) de Claire Denis
• 1992 : Au pays des Juliets de Medhi Charef
• 2010 : La Tête en friche de Jean Becker

Publication

• Mes cathédrales, Stock, 2021.

Distinctions

Notes et références

Liens externes

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• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • Radio France

Elle est notablement connue pour ses chansons Le Banana split (1979), Amoureux solitaires (1980), Tétèoù ? en duo avec Jacky (1984), Les brunes comptent pas pour des prunes (1986) et Fallait pas commencer (1987).

À partir des années 1980, sa carrière d'actrice au cinéma et à la télévision lui permettent d'interpréter autant des rôles dramatiques ou plus légers. Au cinéma, plusieurs réalisatrices comme Chantal Akerman, Catherine Breillat, Diane Kurys, Marion Vernoux, Aline Issermann lui offrent des rôles de premier plan.

Lio est également présente dans des films moins populaires et plus dramatiques comme Chambre à part en 1989, Jalousie en 1991 et Sans un cri la même année, avant de la retrouver dans plusieurs succès comme Mariages ! de Valérie Guignabodet, Les Invisibles de Thierry Jousse et dans son propre rôle de chanteuse, dans Stars 80 puis Stars 80, la suite. Comme actrice à la télévision, elle joue notamment dans C'est la vie, camarade ! et Colette, une femme libre, en 2003.

Biographie

Origines familiales et enfance du Portugal à la Belgique

Vanda naît dans un village du nord du Portugal, situé dans le district de Viseu. Elle est la fille de Fernando Antonio Tavares de Vasconcelos, militaire, et de Helena Ribeiro Furtado dite « Lena ». Son grand-père médecin, prénommé Dino, aide lui-même à la mettre au monde. En grandissant, Lio se prend d'admiration pour cet homme engagé politiquement à gauche : « Mon grand-père maternel, Dino, était médecin communiste [...] Il m'a inculqué le sens de la justice et de la tolérance. [Enfant,] j'adorais l'accompagner dans ses tournées de soins [...] il soignait les pauvres et les gitans qui étaient très mal considérés au Portugal »^,. Le prénom de naissance « Vanda » est suggéré par sa tante Tika^,.

Alors qu'elle n'est âgée que de dix-huit mois et après la naissance de son frère cadet, Victor, ses parents se séparent. En 1968, sa mère Lena et son compagnon, Alberto Nogueira, musicologue, quittent ensemble le Portugal avec Vanda alors que son époux est affecté à la lutte contre la guérilla au Mozambique. En 2024, Lio accuse publiquement l'un des amis adultes de son beau-père, de l'avoir violée à cette période, alors qu'elle est âgée de dix ans^,,.

La famille recomposée s'installe en Belgique, à Charleroi. En Belgique, la mère de Vanda fait des ménages puis parvient à trouver du travail dans une médiathèque. Dans cette même médiathèque, Vanda fait la connaissance de Jacques Duvall, qui va notamment devenir quelques années plus tard, son producteur.

En 1969, Lena donne naissance à une fille, la future chanteuse Helena Noguerra^,,.

Formation en Belgique

En quelques mois à peine, la petite Vanda parvient à maîtriser le français, alors qu'elle entre à l'école primaire puis elle obtient plusieurs premier prix dans sa seconde langue. Durant son enfance, elle s'adonne à la lecture des grands classiques littéraires et même engagés à gauche, parmi lesquels Marx, Trotsky, Engels ou Bakounine ainsi que des ouvrages plutôt réservés aux adultes puis elle s'intéresse aux arts et affiche aussi dans sa chambre, les photographies d'Andreas Baader, Gudrun Ensslin et Ulrike Meinhof. Concernant la musique et le chant, Vanda est influencée par son pygmalion Jacques Duvall et elle s'initie à la pop, au rock et à la punk music sans oublier les oeuvres de Serge Gainsbourg, Iggy Pop ou David Bowie.

En 1979, étudiante à l'Athénée royal Isabelle Gatti de Gamond à Bruxelles, Vanda adopte son nom de scène « Lio », inspiré de celui d'un personnage de la bande dessinée Barbarella, de Jean-Claude Forest ; l'album Les Colères du mange-minutes. Le personnage fait référence à une petite fille brune, emportant les images nécessaires à sa survie, partout où elle va.

Carrière musicale

Les années 1980

Elle connaît le succès à seize ans^, avec son premier titre, Le Banana split, qui se vendra à plus de deux millions d'exemplaires. Sous couvert d’une musique enfantine, Lio cultive l'ambiguïté de son personnage de nymphette avec des paroles à double sens érotique.

Après ce tube, elle enchaîne avec Sage comme une image qui se classe 30^e des titres les mieux vendus en Belgique néerlandophone. À l'automne 1980, elle interprète Amoureux solitaires (reprise de Lonely Lovers des Stinky Toys), qui devient un énorme tube en Europe (n^o 1 en France et en Italie, n^o 2 en Espagne, n^o 4 aux Pays-Bas, n^o 6 en Autriche, n^o 11 en Allemagne et n^o 14 en Belgique néerlandophone.). Son premier album, Lio, sort la même année, contenant également le single Amicalement vôtre. Pour son deuxième album, Amour toujours, produit par Alain Chamfort, Lio choisit et propose des titres plus mélancoliques. Bien que porté par les singles La Reine des pommes et Zip a doo wah et malgré une promotion importante en télé, l'album ne connaît pas le même succès que le premier album.

Étienne Daho l'invite en 1984 à joindre sa voix à sa chanson Week-end à Rome. Il lui écrit en retour Cache-cache dans l'espace, publié en face B du single Tétèoù ? interprété en duo avec Jacky. Ce dernier single rencontre un certain succès. La compilation de ses premiers titres est alors publiée en 1985, The best of Lio. Lio rencontre à nouveau un grand succès populaire grâce à l'album Pop Model, sorti en 1986, porté notamment par les titres Les brunes comptent pas pour des prunes (produit par Alain Chamfort, son compagnon de l'époque), Fallait pas commencer et Je casse tout ce que je touche. En mai 1987, elle suscite la polémique en se produisant enceinte de six mois à l’Olympia. Le spectacle sort en VHS sous le titre Lio nous fait une scène - Olympia 1987.

L'année suivante paraît l'album Cancan, qui contient les singles Seules les filles pleurent et Tu es formidable. L'album ne renouvelle pas les succès de Pop Model. Elle fait une apparition publicitaire en 1986 pour une marque alimentaire, les soupes Maggi.

Les années 1990

Les années 1990 sont plus difficiles, malgré des collaborations prestigieuses avec Étienne Daho pour Des fleurs pour un caméléon publié en 1991 et Boris Bergman en 1993. En 1991, elle double le personnage de Goldie dans le film américain d'animation Rock-o-rico de Don Bluth. Elle chante deux titres sur la bande originale du film : Nage ou coule en duo avec Paul Ives et Plus rien sans elle avec Eddy Mitchell.

En 1996, sort l'album Wandatta enregistré en 1993. Lio peine à sortir cet album dont elle n'obtiendra la parution qu'en 1996 chez Warner en échange de son catalogue Peste of !. L'album, jugé trop éloigné de l'univers habituel pop et sexy de la chanteuse, est un échec commercial. Lio part ensuite à Cuba en 1997 travailler sur un nouvel album en espagnol. Intitulé Picante, l'album ne sortira jamais. Lio interprète pourtant le titre El amor^, dans l'émission de télévision Vue sur la mer, présentée par Maïtena Biraben.

Lio enregistre divers projets musicaux dont un titre promotionnel pour Friskies intitulé À la fête des animaux (écrit par Boris Bergman) et des reprises pour la collection Les plus belles chansons françaises et pour la collection Ils chantent publiées aux Éditions Atlas de 1996 à 1998. En 1998 et 1999 sortent deux nouvelles compilations Best of et Le Meilleur de Lio sur lesquels on retrouve deux titres inédits Je ne sais pas dire oui et Roule (un remix du titre Ganja enregistré à Cuba avec Los Van Van).

Son titre Le Banana split est repris par le groupe Apy et se classe 10^e dans les ventes en Belgique francophone. En septembre 1999, elle joue aux Folies Bergère dans la comédie musicale Sept filles pour sept garçons, adaptation française par Jacques Roure et Christophe Marie du film musical américain Seven Brides For Seven Brothers de 1954.

Les années 2000

Lio revient en 2000 avec un album consacré à Jacques Prévert et intitulé Je suis comme ça, pour lequel elle assure une promotion importante à la télévision avec le single Je suis comme je suis. L'album annonce le récital Lio chante Prévert, présenté au Sentier des Halles en avril 2001, dans une mise en scène de Caroline Loeb avec Matthieu Gonet au piano. Le spectacle part en tournée en France et dans les pays francophones sous une nouvelle réalisation artistique de Hamid Allouache et produit par JP Bellay (OZ Production) jusqu'en 2006. Un grand succès pour Lio qui assoit son talent d'interprète.

Elle enregistre le titre Le Journal d'un lutin, pour le projet musical J'ai treize envies de chanter publié en 2001. À partir de 2002, Lio fonde sa société de production OZ Production avec JP Bellay et Hamid Allouache. Ensemble, ils récupèrent son back catalogue, reprennent ses tournées de gala, le spectacle de Prévert, font réaliser sa biographie avec Gilles Verlant et coproduisent la pièce de théâtre Le Bébé de Marie Darrieussecq mis en scène par Marc Goldberg (au théâtre du Vingtième puis au théâtre des Champs-Élysées). Elle est invitée en 2002 à enregistrer deux titres en duo sur l'album Saisons, Anthologie vol. 1 de Pierre Rapsat. Toujours en 2002, Lio pose sa voix sur le titre Noite e Ressaca pour un duo chanté en portugais et sorti sur l'album AtlânticoBlues de Dan Inger.

En 2003, elle rejoint sa demi-sœur Helena Noguerra sur le projet de conte musical L'Héroïne au bain d'Olivier Libaux. Elle y interprète l'amie de l'héroïne, sur le titre La Recette de l'amour qui sort en single. Son tube Le Banana split est à nouveau un hit en 2004, grâce à sa reprise par Sandra Lou et son autobiographie Pop Model paraît. En 2005, elle part avec Doriand et Peter von Poehl en Suède et en Allemagne enregistrer son nouvel album Dites au prince charmant qui paraît en janvier 2006, produit par JP Bellay (Oz Production). Elle interprète le single Les Hommes me vont si bien en duo avec Doriand sur France 2 dans le Thé ou café Show en février 2006.

L'année suivante, elle présente l'émission Tout pour la musik durant toute la saison, en compagnie d'Arnaud Delbarre, à l'époque directeur de l'Olympia. Elle est diffusée sur France 3 Nord-Pas-de-Calais, produite par Morgane Production et repose sur le principe du live. L'émission est enregistrée dans des salles de spectacle à Roubaix et à Lille. Elle signe en 2007 un des tubes de l'été avec le membre du groupe de rap français TTC, Teki Latex, intitulé Les Matins de Paris qui se classe 14^e des titres les mieux vendus en France. La chanson est gravée sur le best of Je garde quelques images? pour mes vies postérieures, une compilation parue le3 novembre 2008,à la veille de ses trente ans de carrière. De 2008 à 2010, elle fait partie du jury du télé-crochet Nouvelle Star aux côtés de Philippe Manœuvre, André Manoukian et Sinclair (remplacé par Marco Prince en 2010). Julien Doré l'invite lors d'un prime time à chanter en duo sur le titre Les Bords de mer.

En 2009, elle participe à l'album collectif hommage à Boris Vian, On n'est pas là pour se faire engueuler !, sur lequel elle interprète Natacha chien-chien. Le 18 février 2009, elle donne un concert unique avec Pascale Borel et Jérémie Lefebvre au Zèbre de Belleville à Paris. Elle y interprète notamment de nouvelles chansons, dont Un petit coup, qui sera édité en 2014 en b-side du single Poupée pop, Les Choses faciles et Femme d'intérieur, chanson qu'on retrouvera également en concert acoustique sur TV5 en mars 2009. Elle rejoint la même année le groupe belge Phantom (avec Jacques Duvall et Benjamin Schoos), avec lequel elle enregistre un album rock Phantom featuring Lio et donne divers concerts en France et en Belgique, dont un le 25 juillet 2010 aux Francofolies de Spa.

Les années 2010

Depuis mars 2007, Lio participe à la tournée RFM Party 80 dans les grandes salles de France, y compris le Stade de France le 17 mai 2008. En 2012, la tournée d'une soixantaine de dates passe par le Palais omnisports de Paris-Bercy le 22 mars. À Paris-Bercy, elle reprend en duo avec sa fille aînée, Nubia, un titre du groupe Niagara (L'Amour à la plage).

En février 2011, l'émission belge Tout ça (ne nous rendra pas le Congo), lui consacre un documentaire intitulé Lio : un poison nommé Vanda. Elle est chroniqueuse dans l'émission animée par Jean-Luc Lemoine sur France 2, Le Bureau des plaintes et présente le magazine de société Les Histoires d'A sur Jimmy. En septembre 2011, elle quitte Paris et s'installe, avec cinq de ses enfants, à Bruxelles. Elle est choisie pour faire partie du jury de l'édition belge du télé-crochet The Voice Belgique, dont la première émission est diffusée sur la RTBF le 20 décembre 2011.

Le 14 février 2013, elle présente un extrait d'un récital intitulé Rouge mis en scène par Caroline Loeb au Théâtre La Bruyère à Paris. Le spectacle décline en chanson la couleur rouge et ce qu'elle symbolise, évoque et inspire à la chanteuse. Une vidéo promotionnelle est diffusée sur Internet. Le spectacle ne voit pas le jour. Le 23 juin 2014, elle sort un nouveau single Poupée pop accompagné d'un second titre Un petit coup composés par Jérémie Lefebvre et un nouvel album doit sortir en septembre 2014. Lio participe à l'émission Du côté de chez Dave sur France 3 le 6 juin 2015, émission consacrée à Alain Chamfort, avec lequel elle interprète en live Baby Lou.

Le 31 août 2017, elle anime en compagnie du chanteur Patrick Fiori l'émission Les Copains d'abord : années 80 sur France 2. Le 27 mars 2018 paraît sur le label Crammed Discs l'album Lio canta Caymmi, conçu par Jacques Duvall, dans lequel Lio interprète douze chansons (en français et en portugais) du chanteur et compositeur brésilien Dorival Caymmi. À l'automne 2018, elle participe à la neuvième saison de l'émission Danse avec les stars sur TF1, aux côtés du danseur Christian Millette et termine huitième de la compétition. La même année, elle est invitée à chanter son célèbre tube Banana Split sur l'album du groupe Les Fatals Picards.

Les années 2020

Au printemps 2023, son titre Banana Split est choisi par Apple pour sa nouvelle campagne publicitaire mondiale^,. En juillet et août 2023, elle co-anime l'émission Banana Hits avec Julien Sturbois sur Nostalgie Belgique, où elle narre plusieurs anecdotes autour de la décennie des années 1980.

Carrière cinématographique

En 1982, Lio interprète le rôle de Cendrillon dans le clip de la chanson du groupe Téléphone tourné pour l'émission Les Enfants du rock.

Son premier rôle au cinéma lui est offert par Chantal Akerman, en 1983, dans le film Les Années 80. Elles se retrouvent en 1986 pour Golden Eighties. Par la suite, de Marie Trintignant à Jacques Dutronc, en passant par Jean-Paul Belmondo ou Michel Blanc avec lequel elle vit quelque temps, elle tourne avec nombre d'acteurs connus ou reconnus, lui permettant de « montrer ce côté plus grave qui est en [elle] ». Elle est notamment dirigée par Claude Lelouch, Jeanne Labrune, Catherine Breillat ou Diane Kurys, réalisateurs qui - dit-elle - comprennent ce côté grave. Elle joue également dans le film Itinéraire d'un enfant gâté de Claude Lelouch. À cette période, elle crée de nouveau la polémique en posant dans Lui et Playboy.

Elle joue le rôle de Maite en 1993 dans le film espagnol La madre muerta de Juanma Bajo Ulloa (en). En 1995, elle incarne Françoise, dans le film franco-espagnol La Niña de tus sueños de Jesus R. Delgado. Aux côtés de Mathilde Seigner, Jean Dujardin et Miou-Miou, elle joue le rôle d'une femme rompant sa vie conjugale, dans le film Mariages !, de Valérie Guignabodet, en 2004.

En 2005, elle joue dans le film Les Invisibles, de Thierry Jousse. En 2010, elle joue aux côtés de Michel Galabru dans Un poison violent de Katell Quillévéré. Elle joue son propre rôle en 2012 dans Stars 80 de Frédéric Forestier. En 2013, elle interprète Rita, la femme d'Henri dans le premier film réalisé par Yolande Moreau : Henri.

Vie privée

Lio est mère de six enfants : Nubia (née le 15 septembre 1987), Igor (22 novembre 1993), Esmeralda (le 16 février 1995), Garance et Léa (le 1^er mai 1999) et Diego (le 21 mai 2003), nés de quatre pères différents.

En 1974, l'adolescente Vanda se lie avec un lycéen belge du même âge qu'elle, Jean-Pierre. À partir de 1976, l'auteur-compositeur Éric Verwilghen alias Jacques Duvall, concepteur du premier disque de Lio, devient son amant ; elle a 14 ans et lui, dix années de plus. En 1978, son frère Claude Verwilghen, également auteur-compositeur noue une relation amoureuse avec elle.

À partir de 1979, son compagnon est Alain Chamfort, âgé de 30 ans et déjà marié, alors que Lio a 17 ans ; cette liaison dure jusqu'en 1984, brièvement interrompue en 1981 par une aventure de trois semaines avec le chanteur Julien Clerc à l'occasion du tournage du Numéro un Julien Clerc, diffusé le 18 avril 1981 , pendant sa séparation d'avec Miou-Miou. Julien Clerc est alors âgé de 33 ans et Lio a 18 ans. Elle renoue avec Alain Chamfort jusqu'en 1985, année où le journaliste et entrepreneur Michel Esteban, 34 ans, la séduit. Il est le père de son premier enfant, une fille prénommée Nubia, née en 1987. En 1988, Lio connaît une idylle avec l'acteur Michel Blanc. En 1990, elle refuse les avances du ministre du budget Michel Charasse, lequel lui propose une relation intime pour traiter favorablement sa considérable dette fiscale en France s'élevant à plus de 3,7 millions de francs. Elle se lie avec le metteur en scène Alexis Dumoulard alias Alexis Tikovoï, en 1991. Il est le père de son fils Igor, né en 1993. En 1993, elle est proche du photographe Philippe Robert. En 1995, sa fille prénommée Esmeralda naît ; l'identité de son père n'est pas officiellement révélée par Lio bien que sa fille ne cache pas son patronyme : Esméralda Dumoulard, patronyme officiel d'Alexis Tikovoï.

En 1997, elle partage sa vie avec le musicien Alexis Zad. Il est le père de ses filles jumelles Garance et Léa qui naissent en 1999. Il exerce une forte emprise sur Lio ainsi que sur ses enfants, par un comportement violent et abusif. Pour ces faits, il est condamné en 1999. Lio subit une période noire de plusieurs années. Elle s'engage dans la protection des femmes battues et évoque la détresse des victimes dans son autobiographie Pop model^,. En 2001, elle renoue avec son premier amour en Belgique, Jean-Pierre, banquier et père de son fils Diego, né en 2003 ; elle l'épouse en 2005. De 2007 à 2009, elle entretient une relation avec le producteur de cinéma, Jean-François Lepetit. En 2012, elle se lie avec un médecin aux origines suisse-allemande et brésilienne.

Depuis la fin de cette idylle en 2020, elle déclare ne plus souhaiter entretenir de rapports sexuels avec les hommes.

Prises de position

En 2004, dans la perspective du résultat d'un procès en appel concernant l'extradition de Cesare Battisti vers l'Italie, elle organise avec Fred Vargas et le maire du 9^e arrondissement de Paris un concert de soutien à l'écrivain et ancien terroriste, au Théâtre de l'?uvre à Paris.

En 2006, sur le plateau de Tout le monde en parle, Lio s'accroche violemment avec la romancière Muriel Cerf au sujet de son roman Bertrand Cantat ou le chant des automates. Elle reproche à l'écrivaine une certaine forme « d'absolution » de Bertrand Cantat.

En 2014, elle est membre du comité de soutien à la candidature d'Anne Hidalgo à la mairie de Paris.

Elle soutient l'action du groupe féministe Femen, pour qui elle chante seins nus en 2018, à l'occasion du dixième anniversaire du mouvement.

En septembre 2020, sur Arte radio, elle déclare à propos de Serge Gainsbourg : « Aujourd'hui, j’en suis revenue de Gainsbourg, qui est un harceleur, tout simplement. Quelqu’un de pas du tout cool avec les filles et qui était un Weinstein de la chanson, d’une certaine manière. » Elle revient également sur la chanson Les Sucettes écrite par Gainsbourg et interprétée par France Gall, laquelle n’aurait pas compris, à l’époque, le sens pornographique des paroles.

Discographie

Albums studio

Albums enregistrés en public

• 2003 : Cœur de rubis (enregistrement du récital Lio chante Prévert)
• 2004 : Le Bébé (CD captation de la pièce interprétée par Lio, adaptée du roman de Marie Darrieussecq et publié aux éditions Des femmes, coll. « Bibliothèque des voix »)

Compilations

Intégrale

• 2005 : Pop Box - 25 Five Years in Pop. Intégrale 1980/1996 comprenant 7 CD remastérisés, 110 chansons dont 30 bonus, ainsi qu'un DVD de 13 clips.

Singles

Participations

• 1987 : La bamba par « Los Portos » avec L.N.A, Cacho (Vasquez) & Lio
• 1989 : Pour toi Arménie
• 1998 : Ils chantent Francis Cabrel, Éditions Atlas : Lio reprend « Je pense encore à toi »
• 2009 : Boris Vian - On n'est pas là pour se faire engueuler ! : « Natacha Chien-Chien »
• 2018 : Les Fatals Picards reprennent Le Banana split, feat Lio.

Vidéographie

• 1987 : Lio nous fait une scène - Olympia 1987 (VHS)

Filmographie

Cinéma

• 1983 : Les Années 80 de Chantal Akerman : Mado
• 1985 : Elsa, Elsa de Didier Haudepin : Elsa 1
• 1986 : Golden Eighties de Chantal Akerman : Mado
• 1988 : Itinéraire d'un enfant gâté de Claude Lelouch : Yvette
• 1989 : Chambre à part de Jacky Cukier : Marie
• 1990 : Sale comme un ange de Catherine Breillat : Barbara Théron
• 1991 : Jalousie de Kathleen Fonmarty : Camille
• 1992 : Après l'amour de Diane Kurys : Marianne
• 1992 : Sans un cri de Jeanne Labrune : Anne
• 1993 : La madre muerta de Juanma Bajo Ulloa : Maite
• 1994 : Personne ne m'aime de Marion Vernoux : Marie
• 1995 : La Niña de tus sueños de Jesus R. Delgado : Françoise
• 1995 : Dieu, l'amant de ma mère et le fils du charcutier d'Aline Issermann : Gabrielle
• 1997 : Peccato de Manuel Gomez : Accidia
• 2001 : Carnages de Delphine Gleize : Betty
• 2004 : Mariages ! de Valérie Guignabodet : Micky
• 2005 : Les Invisibles de Thierry Jousse : Carole Stevens
• 2007 : Pas douce de Jeanne Waltz : Eugénia
• 2007 : Une vieille maîtresse de Catherine Breillat : la chanteuse
• 2008 : Le Prince de ce monde de Manuel Gomez : Florence
• 2010 : La Robe du soir de Myriam Aziza : Hélène Solenska
• 2010 : Un poison violent de Katell Quillévéré : Jeanne
• 2012 : Stars 80 de Frédéric Forestier : elle-même
• 2013 : Henri de Yolande Moreau : la femme d'Henri
• 2015 : Belgian Disaster de Patrick Glotz : Marie-Claire
• 2017 : Stars 80, la suite de Thomas Langmann : elle-même
• 2017 : Les Onironautes (court-métrage) de Zivanovic Mathias : la mère du Matelot
• 2021 : Les Démons de Dorothy (court-métrage) d'Alexis Langlois : la mère de Dorothy

Télévision

Doublage

• 1992 : Goldie Pheasant dans Rock-o-rico

Animation audiovisuelle

Télévision

Radio

• 1989-1990 : Sixties sur Europe 1
• 1997-1998 : Génération FM sur Radio Nostalgie : animatrice avec Bruno Treize
• Eté 2023 : Banana Hits sur Nostalgie Belgique : animatrice avec Julien Sturbois
• 2023 : Sophie et les copains sur Europe 1, avec Sophie Davant : chroniqueuse

Lectures de livres (version audio)

• Le Bébé de Marie Darrieussecq, 1 h 10 (CD et numérique), « La Bibliothèque des voix », des femmes-Antoinette Fouque, Paris, 2005.
• Voix de femmes d'hier et d'aujourd'hui pour demain, recueil collectif, lu avec Ariane Ascaride, Marie-Christine Barrault, Isabelle Carré, Julie Debazac, Florence Delay et Dominique Reymond, 1 h 25 (CD MP3 et numérique), « La Bibliothèque des voix », des femmes-Antoinette Fouque, Paris, 2019.
• De la voix d'Antoinette Fouque, lu avec Fanny Ardant et Ariane Ascaride, 54 minutes (CD MP3 et numérique), « La Bibliothèque des voix », des femmes-Antoinette Fouque, Paris, 2020.
• La femme qui a tué les poissons et autres contes de Clarice Lispector, 1 h 41 (CD MP3 et numérique), « La Bibliothèque des voix », des femmes-Antoinette Fouque, Paris, 2022.

Théâtre

Lio débute au théâtre le 26 février 2004 dans la pièce Le Bébé, adaptée et mise en scène par Marc Goldberg au Vingtième Théâtre, d'après le roman éponyme de Marie Darrieussecq.

Elle reprend des extraits du roman en lecture pour le festival « Terre de paroles » le 1^er avril 2016 à Saint-Nicolas d'Aliermont.

Elle joue Sam et Wesson d'Alessandro Baricco en 2023 avec Christophe Lambert.

Photographie

À plusieurs période de sa vie, Lio pose pour plusieurs et célèbres photographes de mode : en 1988, elle pose pour Guy Bourdin qui la met en image pour le numéro de Lui fêtant ses 25 ans^,. Elle tenait à les choisir et refusait certaines propositions. Ainsi, elle accepte de poser pour Pierre et Gilles, Jean-Baptiste Mondino et Philippe Robert. Son portrait par Pierre et Gilles La Madone au cœur blessé (1991) est leur image la plus chère. Les clichés en Lionel Cros de Philippe Robert, paraissent dans deux numéros du magazine Max (1991). La chanteuse a également confié au photographe une campagne de sa ligne de vêtements pour Prisunic. Elle évoque ses collaborations avec ces photographes dans son autobiographie Pop Model qui contient également la reproduction des quelques clichés de ces photographes.

En 2012, elle prête son image pour une campagne de la Croix-Rouge belge, dont elle est la marraine^,. Elle y apparaît dans une robe du couturier belge Édouard Vermeulen composée de pansements et de sparadraps.

Publications

• Pop Model, écrit avec Gilles Verlant (2004). Dans cette autobiographie est décrit de façon très explicite l'épisode du baiser japonais évoqué par Serge Gainsbourg. Dans l'ouvrage Sexus Politicus, il est prétendu que Michel Charasse aurait proposé de le pratiquer auprès de Lio, lors de sa convocation au ministère des Finances.
• Mauvaise mère, aux Éditions Fayard, 2016. (Le livre ne sortira finalement pas.)
• Désirer la violence, livre de Chloé Thibaud et préface de Lio. 2024

Distinctions

• Chevalière de l'ordre de la Couronne (2004).
• Nomination Artiste interprète féminine aux Victoires de la musique 1987.

Notes et références

Notes

Références

Voir aussi

Bibliographie

• Dictionnaire du rock sous la direction de Michka Assayas aux Éditions Robert Laffont

Liens externes

• Ressources relatives à la musique :
  • AllMusic
  • Discogs
  • Last.fm
  • MusicBrainz
  • Muziekweb
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• Ressources relatives à l'audiovisuel :
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  • Unifrance
• Ressources relatives au spectacle :
  • Archives suisses des arts de la scène
  • Les Archives du spectacle
  • TheatreOnline
• Ressource relative à plusieurs domaines :
  • Radio France

Arrivée en 1978 à New York pour poursuivre une carrière de danseuse, Madonna signe chez Sire Records en 1982 et sort son premier album, Madonna, l'année suivante, qui sera suivi par une série de disques acclamés par la critique et au succès commercial important : les albums Like a Virgin (1984) et True Blue (1986) se vendent à plus de 20 millions d'exemplaires chacun tandis que Ray of Light (1998) et Confessions on a Dance Floor (2005) sont récompensés aux Grammy Awards. Plusieurs de ses singles ont atteint le sommet des charts, tels que Holiday, Like a Virgin, Into the Groove, La isla bonita, Like a Prayer, Vogue, Frozen, Music, Hung Up et 4 Minutes.

Désignée par le Livre Guinness des records comme étant la chanteuse ayant vendu le plus de disques de tous les temps (plus de 400 millions), Madonna est intronisée au Rock and Roll Hall of Fame. Surnommée « The Queen of Pop » (« La Reine de la Pop »), elle fait aussi des incursions dans d'autres styles comme la dance, le disco, la musique électronique, le rock et le jazz. Réinventant son image et sa musique au fil des années, ses provocations (sur des sujets comme la religion, la sexualité et la politique) participent largement à sa notoriété.

Madonna a également embrassé le métier d'actrice : malgré des critiques positives pour son premier film, Recherche Susan désespérément (1985), et son Golden Globe de la meilleure actrice pour Evita en 1996, la plupart de ses films ont reçu un accueil mitigé, voire glacial. Échaudée par ces critiques négatives, elle préfère se tourner vers la réalisation à partir de 2008.

Avec une fortune estimée à 850 millions de dollars par le magazine Forbes en mai 2024, Madonna est l'une des chanteuses les mieux payées au monde. Elle est l'une des artistes dont les tournées ont rapporté plus d'un milliard de dollars de recettes depuis 1990.

Biographie

Origines et enfance (1958-1978)

Madonna Louise Ciccone^, naît le 16 août 1958 à Bay City, dans le Michigan. Elle est la fille de Silvio Anthony « Tony » Ciccone, un Italo-Américain ingénieur chez Chrysler et General Motors, et de Madonna Louise Fortin, d'origine canadienne-française.

Madonna est bien son premier prénom véritable, bien qu'elle puisse être présentée comme Louise ou Louise Veronica Ciccone, dite Madonna. Veronica, souvent cité parmi ses prénoms véritables, est son prénom de confirmation, et il est alors juste de la nommer Madonna Louise Veronica Ciccone.

Son père est né le 2 juin 1931 d'immigrés italiens originaires du village de Pacentro (Abruzzes) et arrivés aux États-Unis en 1919. Quant à sa mère, née le 11 juillet 1933, elle est une descendante directe de Julien Fortin, qui a émigré depuis le Perche vers la Nouvelle-France en 1650. La famille Fortin est apparentée au pionnier Zacharie Cloutier, faisant de Madonna une lointaine cousine de plusieurs personnalités québécoises dont Céline Dion, Diane Tell et Xavier Dolan. Mariés en 1955, Silvio Ciccone et Madonna Fortin ont ensuite six enfants : Anthony (3 mai 1956 - 25 février 2023), Martin (né le 15 juin 1957), Madonna (que l'on surnomme « Little Nonni » pour la distinguer de sa mère), Paula (née le 22 août 1959), Christopher (22 novembre 1960 - 4 octobre 2024) et Melanie (née le 30 juin 1962). Élevée dans un milieu strictement catholique, Madonna prend comme prénom de confirmation Veronica, en référence à sainte Véronique.

Son grand-père paternel, n'ayant aucun diplôme, dut exercer le métier de carrier pour un petit salaire, et éleva ses enfants sévèrement afin de leur apprendre la discipline, le respect et, surtout, à subsister par leur seule persévérance. Le père de Madonna appliquera la même méthode à ses enfants pour leur assurer un avenir préférable au sien.

Le 1^er décembre 1963, à l'âge de 5 ans, Madonna perd sa mère des suites d'un cancer du sein. Sa mort sera un sujet récurrent dans ses œuvres musicales, que Madonna abordera entre autres dans les albums Like a Prayer (1989), Ray of Light (1998) et American Life (2003), et lui fera décréter qu'elle ne dépendrait jamais de personne et n'aurait aucun scrupule à se battre et à défendre sa place dans la société.

La jeune Madonna reste très proche de sa grand-mère, Elsie Mae Fortin (décédée le 9 mars 2011 à l'âge de 99 ans). La famille déménage ensuite dans l'agglomération de Détroit, à Rochester Hills, où Madonna poursuit avec beaucoup de succès ses études secondaires au lycée (la Rochester Adams High School, où elle était aussi pom-pom girl). Son père se remarie trois ans après la mort de sa femme avec Joan Gustafson (3 février 1943 - 24 septembre 2024), une de ses aide-domestiques, avec qui il a ensuite trois enfants : Joey (né et décédé en 1967), Jennifer (née en 1968) et Mario (né en 1969). Christopher est de toute la fratrie le plus proche de Madonna ; il dirigera deux de ses tournées et apparaîtra dans ses premiers clips. La chanteuse est en revanche plus distante de ses demi-frère et sœur, leur mère ne s'entendant pas bien avec Madonna qui mit du temps à accepter que son père ait des enfants avec une autre femme.

Très jeune, elle prend des cours de piano mais, assez vite, convainc son père de la laisser suivre à la place des cours de danse classique. Sa belle-mère l'inscrit dans une école catholique au sein de laquelle elle participe activement aux activités artistiques. Souffrant alors d'une faible estime d'elle-même, elle prend confiance en elle grâce à son professeur de danse Christopher Flynn, qui aurait été le premier à lui souligner qu'elle était belle, talentueuse et charismatique, et aurait fait naître en elle l'idée d'une carrière de danseuse à New York. Ses capacités intellectuelles et ses très bonnes notes au lycée facilitent l'accès à la prestigieuse université du Michigan à Ann Arbor, où elle reçoit une bourse d'études de danse. Malgré d'excellents résultats, elle quitte l'établissement après deux années, suscitant la déception de son père qui, s'inquiétant pour l'avenir de sa fille, prend des mesures extrêmes et décide de lui couper les vivres. Elle quitte le Michigan et s'installe alors à New York, rêvant de devenir danseuse.

Carrière

Débuts dans la musique (1978-1984)

En septembre 1978, elle arrive à New York avec 35 $ en poche, et se rend au quartier des théâtres, à Times Square, en espérant y trouver la gloire. Madonna évoquera plusieurs épisodes traumatisants à son arrivée : « Je n'y ai pas été accueillie à bras ouverts. La première année, on m'a braquée avec un pistolet. J'ai été violée sur le toit d'un immeuble, où on m'avait poussée avec un couteau dans le dos, et mon appartement a été cambriolé trois fois ». Elle devient rapidement étudiante de la très respectée danseuse classique Pearl Lang, et vit d'emplois occasionnels dans une grande précarité, esseulée et avec le peu d'argent que lui rapportent ses emplois de serveuse, danseuse ou modèle de nu. Madonna incarnera par conséquent l'image du rêve américain : réussir à partir de rien par sa seule détermination. Elle part ensuite à Durham pour décrocher une audition et suivre les cours de danse de Martha Graham et Alvin Ailey à l'American Dance Center de New York.

En 1979, elle fait la connaissance de Dan Gilroy, qui lui apprend la guitare. Lassée de ses relations tumultueuses avec Pearl Lang, elle laisse de côté sa carrière de danseuse pour faire de la musique et devient ainsi batteuse puis chanteuse du groupe Breakfast Club. Après bon nombre d'auditions (notamment pour Footloose et Fame), des producteurs la remarquent lors d'une audition pour Patrick Hernandez et veulent lui faire tenter sa chance en France^, ; elle vit alors pendant cinq mois entre Lille, Paris et Marseille, enchaînant les contrats dérisoires, mais gagnant en expérience. À nouveau lassée, elle rentre aux États-Unis en août et reprend les auditions. En octobre, elle finit par tourner dans un film à petit budget, A Certain Sacrifice de Stephen Jon Lewicki. Durant l'été 1980, elle produit son propre groupe « Emmy & The Emmys » dans le quartier de Manhattan au Music Building, avec Stephen Bray et Gary Burke, pour lequel elle écrit 14 chansons. Le groupe se produit dans les clubs, interprétant les compositions de la chanteuse.

Début 1981, le groupe se disloque et Madonna fait écouter une cassette à Camille Barbone, la coprésidente de Gotham Management, qui lui promet alors une carrière rock du style Pat Benatar, et produit dix titres. Selon Barbone, le talent de Madonna n'est perceptible que lorsqu'elle est sur scène : elle persuade alors Bill Lomuscio, un organisateur de concerts, de la faire jouer dans les clubs. Très vite, son style et sa façon de s'habiller vont faire des émules et ses démos intéressent alors Atlantic Records, Geffen Records et Columbia. Mais, voulant faire du funk, elle laisse tomber Gotham et retourne voir Bray. Ensemble, ils produisent une maquette de titres inspirés de la rue : Everybody, Ain't No Big Deal, Burning Up et Stay, que Madonna tente de faire jouer au club new-yorkais danceteria (en). Mark Kamins, le DJ du club, est séduit et la présente à Seymour Stein, le PDG de Sire Records.

En avril 1982, elle signe avec Sire Records, filiale de Warner, qui permet la sortie de son premier 45 tours, Everybody, qui ne la fera pas connaître du grand public mais aura un certain succès dans les discothèques américaines. Viendront ensuite Burning Up et Physical Attraction qui seront, encore une fois, connus principalement aux États-Unis. En juillet 1983, sort son premier album, Madonna, composé de chansons dance, pour la plupart produites par Reggie Lucas et écrites par la chanteuse elle-même. Devant le succès progressif de l'album, trois autres singles sortent, rencontrant également le succès : Holiday, Borderline, et Lucky Star. Depuis, l'album s'est vendu à plus de 10 millions d'exemplaires, dont la moitié aux États-Unis.

De Like a Virgin à Like a Prayer : la consécration (1984-1990)

C'est avec son deuxième album que l'artiste se fait réellement connaître internationalement. Like a Virgin, qui paraît fin 1984, s'écoulera ainsi à plus de 20 millions d'exemplaires à travers le monde, dont 10 millions aux États-Unis, grâce aux singles Material Girl, un brin controversé, Angel, Dress You Up et surtout Like a Virgin, titre très controversé (mélangeant sous-entendus érotiques et références religieuses) qui devient le premier vrai grand hit international de la chanteuse. Cette fois-ci, Madonna ne participe à l'écriture que pour la moitié de l'album. Le phénomène pop se répand : les jeunes filles occidentales adoptent sa coiffure et son style vestimentaire ; les sous-vêtements par-dessus et les bracelets en caoutchouc font alors des « wanabees » les premières groupies de popstar féminine. En 1985, Like a Virgin est réédité avec un titre supplémentaire, le tube Into the Groove, bande originale du film Recherche Susan désespérément, dans lequel Madonna tient l'un des rôles principaux. La même année, elle épouse sur une plage privée de Malibu l'acteur Sean Penn : leur mariage sera émaillé de violences^, et ils finiront par divorcer en 1989. Alors que sa 1^re tournée, The Virgin Tour, s'arrête dans les plus grandes villes des États-Unis et du Canada, elle participe au Live Aid avec les plus grands noms de la musique. À 26 ans, Madonna a une fortune de 50 millions de $, ce qui en fait l'une des plus jeunes multi-millionnaires au monde.

En 1986, alors que l'on s'attend à ce qu'elle quitte la scène, elle revient avec True Blue, album dans lequel elle s'implique davantage (elle est désormais coauteur et coproductrice de l'intégralité de l'album). Plus mature, ce disque est un nouveau succès, se classant n^o 1 dans 28 pays (un record à l'époque) et deviendra son album le plus vendu, avec plus de 30 millions d'exemplaires. Les cinq extraits, Live to Tell, Papa Don't Preach, True Blue, Open Your Heart et La isla bonita, deviennent des tubes internationaux, se classant n^o 1 dans la plupart des pays. Elle crée une nouvelle fois la polémique, notamment avec le clip de Open Your Heart où elle s'affiche en stripteaseuse, et le texte de Papa Don't Preach, interprété par certains comme une chanson anti-avortement (la chanteuse dira plus tard être favorable à l'IVG). Elle coécrit ensuite avec Stephen Bray Each Time You Break My Heart, qu'elle prévoyait de chanter en solo, avant de l'offrir à Nick Kamen, en étant toutefois présente dans les chœurs.

En 1987, elle tient le rôle principal de la comédie Who's That Girl (qui ne trouvera pas son public), enregistre quatre chansons pour la BO du film (dont les singles Who's That Girl, Causing a Commotion et The Look of Love) et se lance dans une 1^re tournée mondiale, le Who's That Girl Tour, traversant le Japon, les États-Unis et l'Europe. Le 29 août, devant 130 000 spectateurs (un record à l’époque pour ce type de spectacle) au Parc de Sceaux, elle fait sensation en jetant sa culotte au public. Les recettes de ce gigantesque spectacle sont reversées à l’association de Line Renaud pour la lutte contre le Sida^{[réf. nécessaire]}.

Invitée par Jacques Chirac, alors maire et Premier ministre RPR du Président socialiste François Mitterrand, à la demande de sa fille, Claude Chirac, fan de la star, Madonna donnera un chèque de 500 000 francs pour la recherche contre le SIDA, dans les Salons de l'Hôtel de Ville.

L'année suivante, elle joue à Broadway dans la pièce de théâtre Speed the Plow de David Mamet, aux côtés de Joe Mantegna et Ron Silver. La pièce sera un échec critique.

En mars 1989, l'album Like a Prayer marque une rupture par rapport aux précédents opus : Madonna, qui a alors trente ans, s'implique plus largement dans la production, opte pour un son plus acoustique, et se dévoile davantage dans ses textes. Le premier single, Like a Prayer, est un nouveau succès, mais le clip fait scandale dans les milieux catholiques : certains groupes extrémistes n'hésitent pas à la qualifier de satanique, et l'Église catholique interdit le clip. Cette polémique n'empêche pas l'album Like a Prayer d'être n^o 1 dans le monde pendant plusieurs semaines, porté par les singles Express Yourself (dont le clip, réalisé par David Fincher, rend hommage à Metropolis, et est à l'époque le clip le plus cher de l'histoire), Cherish et Oh Father.

De Dick Tracy à Bedtime Stories (1990-1995)

En 1990, Madonna décroche un second rôle aux côtés de Warren Beatty dans Dick Tracy, son interprétation est bien accueillie par la critique^, et le film est récompensé de trois Oscars, dont un pour la chanson Sooner or Later écrite par Stephen Sondheim. Pour accompagner Dick Tracy, Madonna sort l'album I'm Breathless, inspiré par le film et rendant hommage au jazz et au blues des années 1930.

Le premier single est Vogue, un morceau qui fait référence à la danse du même nom : il est le disque le plus vendu de l'année 1990 et reste l'un de ses plus grands succès.

Madonna, au sommet de sa gloire, se lance au printemps dans une deuxième tournée mondiale, le Blond Ambition Tour. Notamment inspirée par l'esthétique de Fritz Lang, la tournée fut décrite par Rolling Stone en 2017 comme « la référence pour tout concert pop » mais suscite la controverse : pour avoir simulé un acte de masturbation durant Like a Virgin, Madonna doit faire face à une tentative d'arrestation par la police de Toronto. Madonna est particulièrement mal accueillie en Italie, dénoncée comme « hérétique et irrespectueuse » par le porte-parole du vicariat de Rome, qui critique un « spectacle d’une vulgarité sans limites » et Sergio Mattarella, alors ministre de l'Instruction publique, qui proteste contre « une offense au bon goût ». La captation du concert filmée à Nice vaudra à Madonna son premier Grammy Award en 1992.

En fin d'année, elle sort sa première compilation, The Immaculate Collection, qui s'est vendue à plus de trente millions d'exemplaires, record absolu pour une compilation. Réalisé par Jean-Baptiste Mondino, le clip du single Justify My Love fait scandale en raison des scènes de bondage, homosexualité et sadomasochisme, qui lui valent une interdiction de diffusion sur MTV : Madonna contourne cette interdiction en commercialisant le clip en VHS, il s'écoule à plus de 200 000 exemplaires aux États-Unis et reste la vidéo musicale la plus vendue.

En 1991, elle crée l’événement avec la sortie du documentaire In Bed with Madonna retraçant les coulisses et les scandales du Blond Ambition Tour. Il sera projeté hors-compétition au festival de Cannes en présence de Madonna et du réalisateur Alek Keshishian. Cette année-là, elle est également dirigée par Woody Allen dans le film Ombres et Brouillard où elle tient un rôle secondaire.

En 1992, Madonna renégocie son contrat avec Time Warner pour un montant de 60 millions de dollars, lui permettant notamment de fonder sa propre société de production, Maverick (qui inclut un label). Avec Geena Davis et Tom Hanks, elle partage l'affiche du film Une équipe hors du commun réalisé par Penny Marshall qui est salué par la critique^, et est inscrit depuis 2012 au Registre national du film américain pour conservation à la Bibliothèque du Congrès. Madonna contribue au projet avec le single This Used to Be My Playground qui se classe en tête du Billboard Hot 100.

Le premier produit issu de la renégociation du contrat de Madonna avec Time Warner est SEX, un recueil de photos érotiques sorti en octobre 1992 où la chanteuse se met en scène. La presse accueille très mal l’ouvrage^, mais le livre, dont le tirage est limité, se classe en tête de la New York Times Best Seller list et se vend à plus d'1,5 million d'exemplaires. Le livre était en 2011 l'ouvrage non réédité le plus recherché par les collectionneurs. Dans le même temps paraît son cinquième album, Erotica. Jazzy, sombre et volontairement froid, il est soutenu par les singles Erotica (dont le clip hot choquera le public et sera censuré dans de nombreux pays), Deeper and Deeper, Bad Girl, Fever, Rain et Bye Bye Baby. Dès sa sortie, le disque est descendu par les médias qui ne retiennent que le caractère sexuel de certaines chansons. L'album rencontre moins de succès que les précédents opus de la chanteuse. La sortie en salles, peu après, du thriller érotique Body dans lequel elle joue, ne fait qu'accentuer la lassitude du public qui juge que Madonna en fait trop dans le genre érotique. Le film fera également un flop au box-office.

En 1993, consciente de sa mauvaise image (certains critiques la voient s'enfermer dans un climat « porno-soft »), elle part à la reconquête du public avec The Girlie Show World Tour, un spectacle parodique et sexy dans lequel elle rend hommage à ses idoles et revisite ses tubes. La tournée est un gros succès mondial et Madonna se produit pour la première fois sur les cinq continents. À la fin de l'année, elle joue dans Snake Eyes d'Abel Ferrara, qui sera un échec commercial.

En 1994, elle décide de concocter un album sur la tendance musicale du moment et convoque les producteurs américains les plus en vue (Nelle Hooper, Babyface, Dallas Austin) et Björk. Sur ce disque, Bedtime Stories, Madonna chante l’amour et en profite pour revenir sur les polémiques de l'époque SEX (dans Human Nature, elle déclare n’avoir « absolument aucun regret »). Malgré ce nouveau visage et des sonorités R&B très à la mode, Bedtime Stories ne convainc pas vraiment : les ventes de l'album, bien que correctes, ne sont pas celles escomptées, et seuls deux singles rencontrent le succès (Secret et Take a Bow, qui reste sept semaines n^o 1 aux États-Unis). Cet album lui ouvrira toutefois les portes du monde electro et lui donnera l’élan nécessaire pour l’écriture de Ray of Light, quatre ans plus tard.

De Something to Remember au Drowned World Tour (1995-2001)

En 1995, Madonna sort Something to Remember, une compilation de ses ballades agrémentée de trois inédits : I Want You (une reprise de Marvin Gaye en collaboration avec Massive Attack), You'll See et One More Chance. Elle fait également un caméo dans Brooklyn Boogie et tient un rôle secondaire dans le film à sketches Groom Service, interprétant une sorcière dans le segment réalisé par Allison Anders.

En 1996, elle incarne l'actrice et ancienne première dame argentine Eva Perón dans le film Evita réalisé par Alan Parker. L'adaptation de la comédie musicale du même nom écrite par Tim Rice et Andrew Lloyd Webber a mis plusieurs années à être produite et l'équipe de tournage du film à Buenos Aires doit faire face à l'hostilité du peuple argentin qui voit d'un mauvais œil le choix de Madonna pour incarner celle qui reste considérée comme une sainte^,. Les trois singles extraits de la bande originale, You Must Love Me, Don't Cry for Me Argentina (reprise du classique de Julie Convington), et Another Suitcase in Another Hall, seront très bien accueillis. Si le film ne connaît pas le succès attendu, il remporte trois Golden Globes (dont celui de la meilleure actrice pour Madonna) tandis que Tim Rice et Andrew Lloyd Webber obtiennent l'Oscar de la meilleure chanson originale pour You Must Love Me. Pendant le tournage d'Evita, Madonna dévoile qu'elle est enceinte de son premier enfant. Le 14 octobre, elle donne naissance à une fille, Lourdes, dont le père est Carlos Leon, son coach sportif.

En 1998, sort Ray of Light, fruit de la collaboration avec le producteur William Orbit. À la suite de la naissance de sa fille, Madonna modifie son image en se montrant moins provocatrice. L'album, apaisé, oscillant entre pop et electro permet à l'artiste de renouer avec le succès à très grande échelle et de (re)gagner le respect de la critique, qui le considère comme l'un de ses meilleurs disques. Ray of Light remporte de nombreux prix, dont quatre Grammy Awards en 1999. Les titres Frozen, Ray of Light, Drowned World/Substitute for Love, The Power of Good-Bye et Nothing Really Matters en sont extraits, se classant dans le haut des charts dans le monde entier.

Elle enregistre la chanson en 1999 Beautiful Stranger pour le film Austin Powers 2 : L'Espion qui m'a tirée, et commence une relation avec le cinéaste britannique Guy Ritchie. Au printemps 2000, elle est à l'affiche du film Un couple presque parfait, aux côtés de Rupert Everett. Si cette comédie est un échec commercial cuisant, le single extrait, American Pie, se classera n^o 1 dans plusieurs pays. Le 11 août, elle donne naissance à son deuxième enfant, Rocco John Ritchie. En septembre, elle fait une nouvelle incursion dans la musique électronique et sort l'album Music. Bien qu'elle fasse appel une nouvelle fois à William Orbit, elle se repose davantage sur le producteur Mirwais Stass ; guitares sèches et vocodeurs caractérisent cet album qui jongle entre ballades acoustiques et morceaux électro. Dès sa sortie, l'album est un succès mondial, et le single Music devient son 12^e titre classé n^o 1 aux États-Unis. Deux autres singles sont commercialisés : Don't Tell Me et What It Feels Like for a Girl (dont la vidéo, réalisée par Guy Ritchie, sera jugée trop violente et censurée par plusieurs chaînes de télévision). En décembre, Madonna se marie avec Guy Ritchie, obtenant ainsi la nationalité britannique, et déménage à Londres.

En juin 2001, après huit ans d'absence sur scène, Madonna donne à Barcelone le coup d'envoi du Drowned World Tour, un spectacle sophistiqué et plus sombre que les précédents qui fait la part belle à ses deux derniers albums. En fin d'année, paraît son deuxième best-of, GHV2.

En 2002, elle est de retour sur les planches en jouant dans Up for Grabs à Londres, et tente une nouvelle incursion au cinéma sous la direction de son mari dans le film À la dérive, qui sera un échec commercial dès sa sortie. Elle fait également une courte apparition dans le 20^e James Bond, Meurs un autre jour, pour lequel elle interprète le titre-phare, Die Another Day, dont le clip est le deuxième plus coûteux de l'histoire.

De l'album American Life au Confessions Tour (2003-2006)

En 2003, sort l'album American Life. Madonna fait à nouveau appel à Mirwais Ahmadzaï pour le co-produire, elle cherche à y proposer une réflexion sur le bien-fondé du rêve américain et du culte de la célébrité en invoquant ses 20 ans de carrière^,. Dans un premier temps, la promotion de l'album est marquée par l'opposition de Madonna à la guerre en Irak et à la politique du président américain George W. Bush : elle apparaît sur la pochette de l’album sous les traits du révolutionnaire Che Guevara devant un drapeau américain déstructuré et le clip du single American Life la met en scène en sergent-major jetant une grenade à un sosie du président américain. Les radios et les chaînes télévisées pro-Bush (comme la Fox) appellent au boycott de l’album, et le public américain lui tourne le dos. Devant ce retournement de situation, Madonna essaie de calmer le jeu et censure elle-même son clip en le remplaçant par une version édulcorée. Les singles suivants, Hollywood, Nothing Fails et Love Profusion, ne parviennent pas à se classer au Billboard Hot 100. Avec cinq millions d'exemplaires vendus, dont 500 000 en France, American Life est à l'époque l'album studio le moins vendu de Madonna.

Elle marque les esprits lors des 20^es MTV Video Music Awards en embrassant sur la bouche Britney Spears et Christina Aguilera mais ni cet énorme coup de pub, ni sa participation au titre Me Against the Music de Britney Spears n'augmenteront les ventes d'American Life dans le reste du monde, qui sera globalement considéré comme un échec commercial.

En septembre, Madonna présente son premier livre pour enfants, Les Roses anglaises (The English Roses), dont les bénéfices sont reversés à une association d'aide aux orphelins, et qui connaît un gros succès en librairie : il se classe en tête de la New York Times children's picture book bestseller list et se vend à plus d'1 million d'exemplaires. En revanche, les suivants passeront complètement inaperçus.

En 2004, elle lance sa tournée, le Re-Invention Tour. Les 58 dates sont complètes en quelques heures et c’est durant ce périple qu'est réalisé un nouveau documentaire, I'm Going to Tell You a Secret, réalisé par Jonas Åkerlund, retraçant la conception et les coulisses de la tournée, et donnant l'image d'une Madonna proche de ses danseurs et de ses enfants, plus posée, et surtout plus spirituelle que dans In Bed with Madonna. Le 2 juillet 2005, elle accepte à nouveau l'invitation de Bob Geldof et participe au concert du Live 8 dont le but est d'attirer l'attention sur la situation en Afrique.

En novembre 2005, sort Confessions on a Dance Floor, écrit et composé avec le jeune producteur anglais Stuart Price. Contrairement à American Life, l'objectif de l'album de « faire bouger les gens » et il se caractérise par un son néo-disco rendant hommage aux artistes emblématiques des années 1970 (Donna Summer, Giorgio Moroder, Chic, ABBA, Cerrone)^,. Confessions on a Dance Floor est un succès : il se classe n^o 1 dans 40 pays, gagnant une place dans le Livre Guinness des records, et remporte plusieurs prix, dont un Grammy Award. Le 1^er single, Hung Up (qui contient un sample de la chanson Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight) d'ABBA), connaît le même succès et se retrouve n^o 1 dans 41 pays (un record), suivi par les singles Sorry, Get Together et Jump. L'album s'est vendu à plus de 10 millions d'exemplaires.

En 2006, Madonna donne le coup d'envoi de sa septième tournée mondiale, le Confessions Tour : avec 60 dates à travers l'Amérique du Nord, l'Europe et l'Asie, elle renoue avec la provocation. Madonna apparait crucifiée pendant l'interprétation de Live to Tell et choque plusieurs communautés religieuses : entre autres, le Vatican estime que la performance constitue « un défi blasphématoire à la foi », le porte-parole du pape Benoît XVI appelant à son excommunication, et les orthodoxes russes dénoncent « une parodie de la crucifixion du Christ ». Madonna se défend d'être « anti-chrétienne, profane ou blasphématoire » et explique que la performance vise à sensibiliser le grand public aux conséquences de la pandémie de SIDA en Afrique.

La tournée entrainera d'autres incidents (fausse alerte à la bombe et plainte d'un mouvement de jeunesse conservateur (nl) aux Pays-Bas^,, menaces d'enlèvement par la mafia russe^, et d'une action en justice en Allemagne?), ce qui n'empêchera pas Madonna d'assurer la totalité des concerts et d'engranger des recettes de 194 millions de dollars.

En octobre, elle s'envole pour le Malawi pour aider à construire un orphelinat, et y entame des démarches pour adopter un bébé, David Banda. Madonna suscite la polémique, la presse anglo-saxonne accusant la chanteuse de passe-droit pour obtenir la garde de l'enfant.

De son départ de Warner Bros. à la compilation Celebration (2007-2009)

Début 2007, sort le film Arthur et les Minimoys, réalisé en images de synthèse par Luc Besson et dans lequel Madonna prête sa voix à Sélénia. En janvier de la même année, Warner Bros. publie l'album live du Confessions Tour, qui sera plus tard récompensé du Grammy Award du meilleur long-métrage musical.

Le 7 juillet 2007, Madonna participe au concert londonien du Live Earth, organisé pour sensibiliser à la thématique du changement climatique, où elle interprète notamment un morceau spécialement écrit pour l'occasion, Hey You. Elle participe également au single Sing d'Annie Lennox. En octobre, elle annonce quitter sa maison de disques de 25 ans, Warner Bros., pour un contrat historique avec le promoteur de concerts Live Nation qui inclut notamment l'enregistrement de trois albums, la promotion de ses tournées ainsi que l'exploitation de son nom et de son image sur une période de dix ans et pour un montant de 120 millions de dollars.

En février 2008, elle présente à la Berlinale son premier film en tant que réalisatrice, Obscénité et Vertu, qui reçoit un accueil très mitigé de la part des critiques. En parallèle, Madonna poursuit son engagement humanitaire pour le Malawi et présente le documentaire I Am Because We Are. Avec ce film, la chanteuse et le réalisateur Nathan Rissman cherchent à attirer l'attention de l'opinion publique sur le sort des orphelins de ce pays africain ravagé par l'épidémie du sida. Le film, projeté hors-compétition au Festival de Cannes, sera présenté au grand public en mars 2009. Les photos du film, prises par Kristen Ashburn, font l'objet d'un livre éponyme préfacé par Madonna.

Peu avant, en mars 2008, Madonna est intronisée au Rock and Roll Hall of Fame vingt-cinq ans après la sortie de son premier album. Le mois suivant, sort Hard Candy, son 11^e album studio. Pour le composer, Madonna s'est cette fois-ci entourée de Justin Timberlake, Timbaland et Pharrell Williams. Les critiques reprocheront à la chanteuse d'avoir choisi la facilité en faisant appel à des producteurs déjà très connus^,. L'album se classe n^o 1 dans 37 pays tandis que 4 Minutes (enregistré avec Timberlake et Timbaland) devient son 37^e single à se classer dans le top 10 du Billboard Hot 100, battant le record précédemment détenu par Elvis Presley. Les singles Give It 2 Me et Miles Away seront également exploités, permettant à l'album de se vendre à plus de quatre millions d'exemplaires dans le monde.

Madonna s'embarque ensuite dans sa septième tournée mondiale, le Sticky and Sweet Tour : divisée en deux étapes, d'août à décembre 2008 puis de juillet à septembre 2009, elle compte 85 dates et rapporte plus de 408 millions de dollars de recettes, devenant ainsi la tournée la plus lucrative de tous les temps pour une chanteuse.

Sur un plan plus personnel, Madonna fait l'actualité malgré elle en raison de la publication d'une biographie non autorisée par son frère Christopher, Ma sœur, la plus grande star du monde. Elle annonce également son divorce d'avec Guy Ritchie, lui accordant notamment un versement de 76 et 92 millions de dollars, ce qui en fait un des divorces les plus coûteux. En juin 2009, la Cour suprême du Malawi l'autorise à adopter une petite fille, Mercy James.

En septembre 2009, Madonna propose une compilation, Celebration, qui revisite sa carrière sur 25 ans, allant d'Everybody (1982) à 4 Minutes (2008), et scelle son contrat avec Warner Bros.. L'album comporte également deux titres inédits, la chanson éponyme et Revolver (en duo avec le rappeur Lil Wayne), et est accompagné d'un DVD rassemblant plusieurs de ses clips. Elle ouvre également la cérémonie des MTV Video Music Awards pour prononcer un discours à la mémoire de Michael Jackson, pendant lequel elle décrit sa relation avec l'artiste et l'impact qu'il a eu sur la scène musicale.

Du film W.E. à la tournée The MDNA Tour (2010-2012)

En janvier 2010, Madonna participe au marathon caritatif Hope for Haiti Now durant lequel elle interprète Like a Prayer au profit des sinistrés du séisme en Haïti. Au mois de mars, l'album live du Sticky and Sweet Tour est publié par Live Nation et Warner Bros.. La série télévisée Glee lui rend hommage dans l'épisode La Puissance de Madonna, et l'EP qui en est extrait se classe au sommet du Billboard 200 dès sa sortie.

Madonna se fait cependant discrète pendant cette période, n'apparaissant que pour présenter sa ligne de vêtements pour adolescentes Material Girl (dessinée en collaboration avec sa fille Lourdes) et la chaîne de centres de remise en forme Hard Candy Fitness. La chanteuse travaille alors au tournage de son deuxième long-métrage en tant que réalisatrice, W./E. : Wallis & Édouard, un film historique qui revient sur l’abdication de la couronne britannique par le roi Édouard VIII pour l’amour d’une Américaine divorcée, Wallis Simpson. Sorti en 2012, le film reçoit un accueil critique mitigé et est un échec commercial, mais permet à Madonna de gagner un Golden Globe pour la chanson Masterpiece écrite pour le film.

L'année 2012 marque aussi le retour de Madonna sur la scène musicale : son 12^e album studio, MDNA, sort le 26 mars. Pour la production de ce disque, la chanteuse a une nouvelle fois fait appel à William Orbit (avec qui elle avait déjà travaillé sur les albums Ray of Light et Music), ainsi qu'au producteur français Martin Solveig et au disc jockey italien Benny Benassi. Trois singles sont extraits de cet album : Give Me All Your Luvin' (feat. M.I.A. & Nicki Minaj), Girl Gone Wild et Turn Up the Radio. Pour marquer son retour, Madonna interprète Give Me All Your Luvin', ainsi qu'un medley de ses tubes, durant la mi-temps du Super Bowl XLVI, le 5 février 2012 à Indianapolis. La prestation est marquée par l'apparition de nombreux invités (LMFAO, Nicki Minaj, M.I.A., et Cee Lo Green). L'événement est regardé par 114 millions de téléspectateurs, soit trois millions de plus que le Super Bowl dans son ensemble, ce qui constitue un record à l'époque et en fait le cinquième show le plus regardé de l'histoire du Super Bowl, derrière ceux de Coldplay, Lady Gaga, Katy Perry et Bruno Mars. Malgré cette incroyable rampe de lancement, MDNA connaît des ventes décevantes, qui s'expliquent entre autres par des critiques mitigées et le désir de la chanteuse de ne pas faire de promotion pour ce disque.

Une nouvelle tournée mondiale, The MDNA Tour, a lieu entre mai et décembre 2012, parcourant l'Amérique, l'Europe et le Moyen-Orient, et notamment des pays où la chanteuse se produit pour la première fois (Émirats arabes unis, Ukraine, Écosse et Colombie). Décrite par Madonna comme « le voyage d'une âme depuis les ténèbres vers la lumière », la tournée reçoit un accueil critique chaleureux^,,, mais est émaillée de polémiques : parmi elles, la demande groupée de remboursement de fans français après le concert à l'Olympia dont les places ont coûté de 89 à 276 euros et où la star est arrivée avec 45 minutes de retard pour 45 minutes de spectacle, et deux plaintes qui seront classées sans suite^, (une en France pour avoir comparé Marine Le Pen à Adolf Hitler lors de son passage au stade de France et une en Russie pour avoir montré son soutien à la cause homosexuelle à Saint-Pétersbourg). D'un point de vue commercial, le succès est au rendez-vous : The MDNA Tour est la tournée la plus rentable de l'année 2012. L'album live tiré de cette tournée, MDNA World Tour, sort le 9 septembre 2013.

De secretprojectrevolution au Rebel Heart Tour (2013-2018)

Pendant le MDNA Tour, Madonna observe de nombreux événements qui la choquent et qu'elle considère comme « injustes », comme l'emprisonnement de l'ancienne Première ministre ukrainienne Ioulia Tymochenko et des Pussy Riot, la violation des droits LGBT en Russie ou la tentative d'assassinat contre Malala Yousafzai^,. En septembre 2013, elle propose un court-métrage, secretprojectrevolution, coréalisé avec son collaborateur de longue date Steven Klein, pour défendre les droits de l'homme. En parallèle, elle lance une initiative, Art for Freedom, qui promeut la liberté d'expression à travers l'art. Madonna assure son suivi et demande l’aide d’autres artistes tels que David Blaine et Katy Perry.

Durant cette période, Madonna fait plusieurs apparitions médiatiques : en mars 2013, elle remet un prix au journaliste Anderson Cooper lors des GLAAD Media Awards et, habillée en scout, dénonce l’attitude des Boy Scouts of America qui refusent d’intégrer des homosexuels dans leurs rangs. En janvier 2014, elle se rend aux Grammy Awards pour interpréter Open Your Heart aux côtés de Macklemore, Ryan Lewis et Mary Lambert qui interprètent leur single Same Love alors qu’une cérémonie, présidée par Queen Latifah, fait unir 33 couples sur la même scène. Quelques jours plus tard, elle rejoint Miley Cyrus lors d’une représentation spéciale pour MTV Unplugged, en interprétant un mix de Don't Tell Me et du single de Cyrus, We Can't Stop. Elle élargit également ses entreprises commerciales en présentant en février 2014 à Tokyo MDNA Skin, une gamme de produits de soins de la peau développée en collaboration avec MTG.

En février 2014, lors d’une interview pour l'ouverture de son centre de remise en forme Hard Candy Fitness à Toronto, Madonna confirme avoir commencé à travailler sur son treizième album studio, collaborant avec Avicii, Natalia Kills et Diplo. Après plusieurs séries de fuites sur Internet de nombreuses maquettes en décembre 2014, Madonna décide de dévoiler en pré-commande sur iTunes six chansons. L'album Rebel Heart sort le 6 mars 2015, porté par trois singles : Living for Love, Ghosttown et Bitch I'm Madonna.

Pour assurer la promotion de l'album, Madonna interprète notamment Living for Love aux Grammys et aux Brit Awards, où elle fait une chute accidentelle qui sera très commentée. Malgré cette importante campagne promotionnelle et de bonnes critiques, Rebel Heart connaît des ventes décevantes - le magazine Forbes qualifiera au passage l'album de « fiasco commercial » - et devient avec près de 1 million de ventes, l'album le moins vendu de la chanteuse.

Madonna part ensuite en tournée avec le Rebel Heart Tour, qui parcourt l'Amérique du Nord, l'Europe, l'Océanie ainsi que l'Asie (notamment pour la première fois à Singapour, Taïwan et Hong Kong). La tournée commence le 9 septembre 2015 à Montréal et se termine le 20 mars 2016 à Sydney en Australie. Comme à l'accoutumée, Madonna profite de ses concerts pour réagir à l'actualité, rendant notamment hommage aux victimes des attentats de Paris du 13 novembre 2015 et dénonçant le terrorisme. En outre, elle propose à ses fans australiens un spectacle intimiste, intitulé Tears of a Clown, qui mêle musique, art et comédie. Le Rebel Heart Tour engrangera 169,8 millions de dollars avec 1 045 479 tickets vendus sur les 82 dates.

Après la fin du « Rebel Heart Tour », Madonna se fait plus discrète sur le plan musical. Elle ne remonte sur scène que pour des occasions particulières comme pour un concert gratuit à New York en soutien à Hillary Clinton, candidate à l'élection présidentielle américaine, pour rendre hommage au chanteur Prince aux Billboard Music Awards de 2016 ou encore pour le gala de charité de Leonardo DiCaprio à Saint-Tropez en 2017.

En février 2017, Madonna confirme l'adoption de ses cinquième et sixième enfants, Stella et Estere, deux jumelles nées au Malawi. Six mois plus tard, elle s'installe avec sa famille au Portugal afin de suivre son fils David qui a intégré le centre de formation du club de football du Benfica Lisbonne. Alors qu'un retour musical est un temps annoncé, l'année 2018 de la chanteuse n'est consacrée qu'à la promotion de projets annexes comme la gamme de produits cosmétiques "MDNA Skin".

Retour à la musique avec Madame X, projet de film autobiographique et le Celebration Tour (2019-2024)

En juin 2019, plus de quatre ans après la sortie de Rebel Heart, Madonna propose un quatorzième album studio, intitulé Madame X. Supervisé notamment par les producteurs Mirwais et Mike Dean, cet opus se compose de quinze titres. La chanteuse se dit inspirée par la vie culturelle du Portugal, et mêle une voix robotisée et sa pop traditionnelle aux airs de fado, aux mornas du Cap-Vert ou à la bossa nova brésilienne. Les singles choisis montrent cette diversité musicale : Medellín est une collaboration avec le chanteur colombien Maluma, tandis que Crave est une ballade avec le rappeur américain Swae Lee. Le morceau God Control, aux sonorités disco, donne naissance à un clip polémique et violent dénonçant le manque de réglementation autour des armes à feu aux États-Unis. I Don't Search I Find est son 50^e single à atteindre la tête du classement Hot Dance Club Songs édité par Billboard.

Madame X est le dernier album de Madonna sorti dans le cadre de son contrat avec Interscope Records signé en 2011. Pour le promouvoir, elle chante en Israël lors du concours Eurovision de la chanson 2019 malgré plusieurs appels au boycott. La performance sera très décriée à cause de la mise en scène finale du morceau Future avec le rappeur Quavo, montrant des danseurs arborant un drapeau israélien et palestinien sur leur costume, ainsi que pour les faiblesses vocales de la star durant son interprétation du titre de 1989, Like a Prayer. À partir de septembre 2019, elle propose une première tournée intimiste, le Madame X Tour, et se produit dans des salles de théâtre de onze villes à travers le monde (dont le Grand Rex en février et mars 2020). Madonna est contrainte d'annuler plusieurs dates en raison d'une blessure au genou et la tournée s'achève prématurément avec l'interdiction des rassemblem]]>